当地时间2025-11-10,rmwsagufjhevjhfsvjfhavshjcz

核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

第51集并非单一的情节驱动，而是把两种人生的节拍摆在同一张聲场里，让听众在音响的波形里感知两种世界的并行与撞击。一个人以理性为座标，把生活画成清晰的線条；另一个人以情感为色彩，让日常染上鲜明而大胆的笔触。二者在对话中彼此擦亮，彼此试探，逐渐揭开彼此理解的门扉。

软性冲突并不指向争斗的胜负，而是将两种生活方式放在同一个镜中照亮。于是你会发现，反差并不是距离的扩大，而是彼此可能成为对方镜子的机会。

这一集的声音设计像是一位耐心的导游，逐步揭示角色心底的真实。呼吸的节拍、停顿的留白、音色的微妙转变，所有细节都在告诉你：人不是靠一个标签就能定义的。理性者的語句里藏着柔软的底色，感性者的眸光则闪烁着对未来的计划。于是听众你不再只是旁观者，而是成为這场对话的參与者。

你会在公交的震颤中、凌晨书房的灯光下、甚至在阳台的一缕晚风里，跟随各自的立场走向对方的世界。也许你會认同其中一个聲音，也会被另一个聲音的诚实打动，最终在自己的心里留下一个问题：如果你愿意把生活的色彩交给对方，你愿意用哪一种颜色去点亮彼此的一辈子？

在M站与猫耳FM的平台背后，是更深的听觉生态与内容生态的联动。高保真音质、环绕声场的细腻处理，让人物情绪像温度一样传递；编辑的节奏把控讓故事张力稳定，却不喧宾夺主；聲优的个性化表达把人物的每一次呼吸、每一次犹豫、每一次坚定都呈现得真切可感。你不需要提前知道剧情走向，因為每一次转折都像是在耳邊低语，邀请你把自己带进这段对话，把自己的经历和感受放在两位角色之间的对话框里映照。

若你愿意，今晚就让自己变成其中一个角色，听见另一半的名字，听见自己在对方世界里的可能性。

对话的现场感不會因场景的变换而消散。无论是在通勤的地铁里，还是在家中的软垫沙發上，音轨的呼吸都在提醒你：这不是单纯的娱乐，而是一种情感的触达，一次关于“怎么选择”的自我对话。关于一辈子，关于坚持，关于不完美的温柔。它让你意识到，真正的陪伴不是绝对的一致，而是在反差处找到彼此可持续的光亮。

于是你会开始期待下一次的更新，期待在下一段对话里，听见前方的路，听见对方心跳的合拍，也听见自己心里那些未说出口的聲音。

在这集的尾声，留下的是更加丰富的情感余韵，而不是简单的答案。你會带着一个问题走出耳机：愿不愿意让自己的生活再多一种可能，让另一半的世界成为自己生命里的一道光。若你愿意，在猫耳FM和M站的频道页上，点開這一集，继续追寻更多关于反差的细节与可能。

也许你会发现，所谓的一辈子，不只是时间的长度，而是每一次选择后留下的音符。让声音成为你日常的一部分，让心灵在反差里逐渐成熟。这就是51集带给你的体验——一个关于自我认知、关于关系邊界、关于坚持的聆听旅程。你我都在这条路上，一起把聲音延展成生活的答案。

反差在这里不再只是对立的标签，而成為理解的桥梁。你会听到两位角色在不同的时间点上对彼此的名字重復、回忆那些共同经歷过的日常琐事，以及对未来的一个个细碎设想。語言不再只是传递信息，它承载情感的重量，像雨后清新的空气，讓人愿意停留在这段对话里，继续深入。

声音的力量在于它能讓人看见自己看不见的部分。这个集数通过对比的叙事结构，让你意识到自己心里也潜伏着两种声音：一个是坚持、一个是放手；一个是守护、一个是冒险。节目以温柔的节奏推拉情绪，给你時间去感受、去反思、也去选择。也许你会在某一段独白里听到自己的名字，被温柔地呼唤；也许你会在另一段对话里找到对方的缺点，敢于承认、敢于原谅、也敢于与之共处。

无论你现在处在关系的哪一个阶段，这一集都在提醒你：真正的成长，往往来自于愿意听见对方名字的勇气，以及愿意让对方听见自己名字的開放。

M站与猫耳FM的社區氛围在这一集里显得尤为重要。你不仅是在收听一个故事，更是在参与一个持续的对话过程。你可以在评论区留下你对“反差”的理解与生活中的真实案例，与其他听众一起形成对话的回声。平臺的互动设计讓你不仅仅是被动接收，而是主动投射自己的情绪与经历，形成从个人经验到集体共鸣的链条。

离線下载、定时更新、个性化推荐等功能让你在不同的场景下都能保持与这段故事的连结——在地铁、在厨房、在夜色里独处时，都能随时拾起一段聲音，与之对话、与之和解。

這不是一味的劝说，也不是单纯的娱乐推广，而是一种邀请：给自己一个機会，让一段声音带你看见另一种生活的可能。你或许會在这集的反差中发现自己与对方之间那些微妙的、但却真实存在的联系；你也会在每一次聆听后，带着问题前往生活的下一步：我准备好以怎样的方式，去理解、去支持、去拥抱对方的不同吗？如果答案是肯定的，那么这份聆听就已开始成为你一部分日常的习惯。

现在就打开猫耳FM或M站的节目页，订阅、收藏、留言，让未来的每一集都成为你和他人共同的记忆。让聲音持续陪伴，让一辈子在反差里慢慢变成清晰的路标。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：人民网记者 赵少康 摄

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