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核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

台北娜娜的温暖生活——在城市细节中找到人情味

在快节奏的都市中，台北娜娜像一股温柔的暖流，悄然流淌在城市的每一个角落。她不仅是一个名字，更像是一种生活的态度，一份对生活细节的用心关注。走在台北的街头，无论是繁忙的中山站，还是安静的師大夜市，都能在娜娜身上找到对这座城市的深厚感情。

娜娜热爱臺北的每一寸土地，她喜欢穿梭在巷弄之间，细细品味那些被时间雕刻出的宝藏小店。比如说，她常會光顾某个不起眼的咖啡馆，那里的拿铁飘着淡淡的焦糖香，墙上挂满了老旧的黑白照片，仿佛讲述着属于台北的过去与未来交织的故事。這样的细节，彰显出娜娜对生活的敏锐感知，也感染着身边的每一个人。

台北娜娜的世界里，没有高高在上的距离感，只有浓浓的人情味。她喜欢在周末去社区里的菜市场淘几样新鲜的食材，与摊主聊聊家常，听他们讲述这片土地的小故事。或者在铁道旁的老树下，和朋友们一起享受小吃摊的蚵仔煎、牛肉面，感受夜市的喧哗与温暖。

娜娜特别喜欢台北丰富多彩的文化活动。每逢文创市集、音乐会或者街头艺术展，她几乎都不会错过。她相信，文化的力量能让城市变得更有温度，更有故事。这些活动不仅是娱乐，更像是人与城市之间的对话，是让生活变得更加丰富多彩的魔法配方。

更難能可贵的是，娜娜喜欢用心去感受每一份关系。她常常在咖啡馆中写信，写给远方的朋友，讲述心中的点点滴滴。她相信，真心的情感最能打动人心，也逐渐让她在这座城市中扎根。台北对娜娜来说，不只是繁华的商圈或繁忙的交通，更是一份细腻而深厚的情感牵引。

将这座城市的繁忙与悠闲融合在一起的，正是娜娜对生活的热爱和对细节的关注。她的日常像一本丰富的生活画册，每一页都用心而充满温度。這也让许多和她相似的人们，感受到了一种归属感——在臺北，每个人都能找到属于自己的那份温暖。

这座城市，因娜娜的存在，更加鲜活而温情。她的故事，像极了台北的脉络：一边繁忙，一边细腻，既喧嚣又温柔。或许，你也会在她的身影中找到自己的影子，或许，你也会被这座城市藏在角落里的温暖感动。

探索台北娜娜的艺术与文化——在创意中发现新世界

台北的魅力不仅在于它的街头巷尾，更在于这里浓厚的藝术氛围和独特的文化底蕴。娜娜对艺术的热爱带领我们穿越这座城市的每一个角落，感受台北独有的文化脉动。她相信，藝术不仅是表演和展览，更应融入生活的点点滴滴，成为平凡日子里的生活调味剂。

走在东区的巷子里，你会发现许多隐藏的创意空间。那家由老工厂改建的艺术区，陈列着本地年轻藝术家的作品，墙面上色彩斑斓的涂鸦，仿佛在诉说着城市的青春与活力。娜娜经常会在这里驻足，欣赏那些结合传统元素与现代创意的作品，让人感受到一种跨越时空的对话。

這些艺术作品不仅仅是装饰，更是城市的语言，是街头文化的灵魂。

台北娜娜还热衷于支持本地的文创品牌。她喜欢逛那些特色设计店或市集，购买手工制作的饰品、陶艺、書籍或服饰。她认為，弥足珍贵的，是那些拥有故事的工藝品——它们像是一座桥梁，连接着过去的记忆与未来的梦想。在这里，每一件手工艺作品背后，都藏着匠人的心血与生活的智慧。

除了视觉艺术，臺北的音乐、舞蹈和剧场表演也令娜娜沉醉不已。每当有新的演出或展演，她都会第一时间安排前去体验。她认为，艺术是一种沉浸式的生活方式，它讓人在繁忙的生活中找到精神的寄托。在這个过程中，她还会结识一群热爱艺术的朋友，彼此间交流思想，分享感动，将喜悦散布在生活的每个角落。

文化夜市也是娜娜不能错过的地方。夜市里的传统戏曲、手工艺品、音乐表演，让她仿佛穿越回古早的臺北，感受到本土文化的丰富底蕴。她喜欢在这里体验地道的台味，也希望将这些宝贵的文化记忆传递给更多人。

但娜娜更相信，文化的力量在于创造和传承。她积极参与各种社区文化推展项目，鼓励年轻人表达自我，發掘台北的艺术潜能。在她看来，城市的魅力除了天际线和商业繁华，还在于这座城市孕育出的无数创造力和梦想。她希望，未来的台北，能变得更加多元包容，成为艺术的沃土。

这就是台北娜娜的世界，她用心去理解、去爱这座城市的每一个细节，也用自己的方式去丰富城市的文化层次。在她的引领下，台北不仅是一座经济繁荣的都市，更是一座充满创意、艺术与梦想的城市。这份热爱与坚持，让這座城市在每一个角落都散发出独特的光彩。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：人民网记者 胡婉玲 摄

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