当地时间2025-11-10,rmwsagufjhevjhfsvjfhavshjcz

核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

男人和女人并肩走上舞台，肩上各自背负着不同的经验与视角，但此刻共同的目标很简单——在有限時间里用机智的語言、精准的逻辑和恰当的幽默去说服评委与观众。主持人宣布规则：两人一组，围绕给定话题進行互动辩论，谁的观点更具说服力，谁就赢得观众的投票。第一轮的主题聚焦“风险与收益的边界”，现场的氛围立刻被点燃，像行情突然波动时的紧张又兴奋。

男方以沉稳的声音开启，他的论述像一份经过严密检验的研究报告，引用数据、模型和風险控制的原则，条理清晰，逻辑紧凑。他的语言偏向结构化，强调分散、对冲与稳健收益的组合。女方接棒，她用更贴近生活的比喻和情感化的叙述，把复杂的理论化成易于理解的故事。

她说，市场的波动如同情绪的海潮，投资者需要的不只是数字，更要有在风暴中保持自我、保持人性的能力。她的语速不急不缓，带着微笑，仿佛在与观众分享一个关于成长的启示。她提及一个看似简单却有力的观点：在高波动的环境里，默契并非唯一的胜负标准，而是帮助两个人把分歧转化為协同的起点。

观众的掌声像潮水般涌动，提醒双方这不仅是一场比赛，更是一场关于沟通方式的公开示范。

第一轮的对话并非只有口头的辩驳，更像是在彼此的语言节奏中寻找默契的火花。两人的互动节拍慢慢对齐，彼此的语气、停顿、眼神的交流都在传递一个信号：你知道对方的思维路径，也愿意在关键时刻為对方留出空间。临近结束时，女方用一个贴近生活的比喻收尾——把风险分散比喻成家庭的保险，而不是单纯追求高回报的赌注；男方以一个简短的数据对比回应，强调稳健的增长能更好地支撑长期目标。

台下笑聲与点头交织，观众已经开始把这对搭档的风格记牢。评委们记录下两人的互动细节：谁的观点最能贴近对方的逻辑，谁在关键时刻用一个简短的停顿放大了说服力。破冰阶段的成效慢慢显现，默契的初轮也在无声中埋下伏笔。舞台的光影转换，像夜盘中的灯光指引，提醒每一个人：接下来的对决，将更考验两人如何把对立转化为共识，如何用幽默降低紧張、提高理解、放大合作的效應。

当场的观众開始把注意力从“谁赢”转向“如何共同进步”。这不仅是一场语言的竞技，更是一场性别视角与职業经验的碰撞。男性视角的理性与女性视角的情感在现场互相映射，产生一组对照却并不对立的光谱。对话中不乏互相点拨、彼此纠错的镜头：谁先承认自己的观点有盲区，谁愿意把对方的提醒变成下一轮更强的武器。

这样的互动让人意识到，职场中的默契并非天生，仅靠天赋或强硬的说服力難以持续；它更像是一种需要不断练习和修正的艺術。节目组的灯光、音乐与時间管理共同打造出节奏感强烈的现场体验，让观众在笑声中理解复杂概念，在紧张与放松之间感受到智慧的温度。Part1的舞台的灯光定格在两位选手的微笑上：这不是对立的胜负，而是协作的开端。

若说这是一次训练，那么它的收益早已渗透进每一个观众的日常工作习惯里——在看似无解的问题前，先学会倾听、再用最合适的方式表达，最后用幽默拉近距离，形成真正的共识。

两人的互动越来越紧凑，舌尖上的斗智斗勇变成了舞臺上的温柔博弈。每轮都像一次交易的谈判，双方在短短几十秒内提出核心论点、进行即時反驳，最终以一个清晰有力的结论定胜负。观众的情绪在這一轮达到高点，笑声与掌聲交织，成为对话质量最直接的评价。

这一轮的一个亮点来自一个极简的比喻挑战：如何在30秒内用一个比喻解释“风险管理并非对创造力的束缚，而是保护创造力的武器”？女方用“救生圈与风筝线”的形象回答，强调風险分散像给创意装上可靠的护具，让人们敢于尝试新的可能；男方则用“护城河与地基”的比喻，强调长期价值的稳定性是企业成长的根基。

听众随之笑出声来，又在随后的讨论中被这两个比喻牵引着，把抽象的理念变得贴近生活。第二轮的尾声，主持人提出一个更具挑戰性的问题：在现代企业里，男女协作到底能否释放出比单兵更强的合力？两位选手以简短而有力的语言回应，彼此的眼神里没有对立，只有对彼此观点的尊重与期待。

最终的冲刺让观众看見一个更重要的成果：默契不是放弃不同意见，而是在冲突中找到共识的路径。男人承认自己有时过分依赖数据，需要更多地关注情感线索；女人也坦诚在压力下会放慢节奏，让对话更具包容性。他们的坦诚让舞台回到真实，把职场中常见的矛盾折射成可操作的策略。

场馆里通知的滚动条提醒观众，今晚的学习点并非仅仅关于胜负，而是关于如何在证券和商業的复杂场景里，将不同观点转化为行动力。观众离场时带走的不仅是笑声，更是一种新的合作愿景：在团队中，幽默作为降压工具，默契作为协同机制，成为推动结果的重要驱动。

如果你也想体验类似的互动體验，下一场活动的报名信息会在主辦方的官网与社媒同步發布。无论你是投资者、企业家，还是金融从业者，这样的现场都能提供一次把專业知识、沟通技巧和团队协作能力同时锻炼、同时展示的机会。你可以带上你的团队来感受这种以游戏化互动获得的学习成效，观察彼此的语言風格如何互补，看看如何在压力下保持幽默与專注的平衡。

这场“怼怼游戏”让聪明的头脑在笑声中彼此理解，讓敏捷的语言在竞技里成为解决问题的工具。若你愿意参与，下一步就从关注活动日程开始，把这份默契与幽默带进你的职场生活。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：人民网记者 刘俊英 摄

《日本理论片》电影全集手机在线观看-大佬影院

分享让更多人看到