当地时间2025-11-10,rmwsagufjhevjhfsvjfhavshjcz

核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

我打开手机的“光影日记”应用，灯光柔和，声音也被降噪处理得很干净。镜头对准自己，像是一位不眠的好朋友，默默地听我说话。我不需要华丽的台词，只需要把心里最真实的念头放在屏幕前，任由時间把它们一点点整理成清晰的線条。此刻的我，和许多年前在班级黑板前站着发誓的自己不一样，少了冲动，多了试错后的温和。

在日记里，第一步总是把情绪标注成一个颜色。红色代表愤怒，蓝色代表冷静，黄色代表焦虑，绿色代表希望。光影会记录下我的语速、语调的起伏，还有每次说出的关键词。也许几天后回放时，这些颜色会提醒我：我到底在怕什么，為什么会变得急躁，或者为什么在某些瞬间我会突然沉默。

日记不是为了炫耀成就，而是要讓自我对话回到最本真的状态——像把一个生活在大脑里的热气球慢慢放出气，讓心房逐渐舒展。

小标题2：第一幕的工具与信任“光影日记”不是用来取代记忆的，而是用来记录那些容易在记忆中变得模糊的细节。它的三大核心功能，让我的独白更有质量。第一，隐私保护与本地存储。我的视频都只保存在本地，云端的备份需要我按两次确认，心理上多了一层安全感。

第二，情绪曲线与场景标签。每天我都会给当天的情绪做一个打分，伴随几个关键词，系统会在回放时把情绪线索串成一条可视的轨迹，像是一条通往自我的小径。第三，AI摘要与日常提醒。每周的摘要會把要点浓缩成几条一句话的结论，提醒我在下一周需要关注的议题，避免让自我对话被琐事淹没。

日记里还有一个看不见的推动力——自我对话的节律感。它鼓励我在同一时间段记录，形成一种日常仪式感。就像每天清晨的第一口咖啡，虽然味道平平，但它把一天拉直成一条线。我開始期待這样的一段段镜头，期待从中发现那些被习惯掩埋的声音。也许起初我只是为了记录情绪，后来才意识到，镜头里的我其实是在与过去的自己对话。

我开始学会把情绪放在话語后面，温柔地问自己：“这件事对你来说意味着什么？”当答案浮现，心里的结节就会慢慢松动。

Part1的结束并不是一个明确的断点，而是一个转折点。镜头写下了我的孤独，但也慢慢把孤独变成成长所必需的材料。每天的自我独白都像是在把生活拆成可处理的小块，逐步拼接成一个更完整的自我畫像。对我而言，这并不是单纯的记录，而是一种主动的生活方式：愿意面对那些被日常忽略的瞬间，愿意把自己放在镜头前看清楚。

日记的意义，逐渐从“记下发生了什么”转变为“理解为什么会发生、从中学到什么、如何让下一次更接近真正的自己”。如果你也愿意试试，或许你会发现平凡日子里其实藏着不平凡的线索。

小标题1：第二幕——从独白走向行动的桥梁当夜晚的屏幕再次点亮，我已经不再只是一个人对着镜头说话。我在日记里写下了具体的行动目标：每天一个小小的行动，去回應自己情绪背后的需要。也许是和朋友的一次深入对话，或者是把一个一直拖着的计划拆解成三件小事。

镜头记录的不再只是情绪的起伏，更是行动的轨迹。每一次回放，都会让我看见自己从焦虑的漩涡中走向理性决策的过程，像是在自我主持一场生活的演说。

这一路走来，光影日记仿佛成了一个温和的教练。它通过简单的交互引导我把“想法”转换為“行為”，把情绪的重量分解成可管理的任务。我的独白不再只是自我宣泄，而是成為一种持续的自我修复和成長的策略。随着时间的推移，我学会了用镜头记录下那些不起眼的胜利——一次成功的沟通、一段克服拖延的日子、一种更慷慨的自我对话。

软件给出的数据分析像是给自我对话加了一层测试层：哪一种说法更能安抚我的焦虑，哪一种语言更有力量地推动我前进。于是，我的独白开始向行动清晰地延伸，日常的每一个选择都被镜头照亮，变成一个个可执行的步骤。

小标题2：第二幕的情感回路与产品融入生活人们常说，成长是一个反复的过程，像電梯里不断上升又下降的波纹。日记让我把这种波纹变得可观测、可回放。每当情绪再次翻涌，我會先停下来，观望镜头里那张熟悉的脸。然后把情绪标记、把需要表达的内容整理成一个短短的段落，最后让AI摘要帮我提炼核心点。

这些点不仅仅是回放时的提醒，更像是一份改进行动的清单。我開始意识到，真正的成长是能把复杂的情感变成可管理的步骤，而不是让情绪直接把我带走。

在這个过程中，光影日记的隐私保护与可控性成為我信任的基石。我知道，只有自己决定把哪一个片段公开、哪一个只是私密记录，才能在日常使用中保持心理安全。這种信任，使我愿意把镜头对准更真实的自我——不是為了取悦谁，也不是为了贴合谁的期待，而是为了讓自己成为更接近真实的那个人。

每一次完成一个目标，我都会在日记里写下这次的收获与感受，讓下一次的镜头拥有更多的方向感。慢慢地，我发现自己不再把情绪视为不可控的敌人，而是把它们转化为成长的肌肉。镜头成為我的教室，日记成为我的练习册，而我的生活，正在以一种更明确的节奏稳步前行。

本次内容的终点并非终局，而是一个新的起点。我愿意在每一个清晨对自己说：“你已经走过一段路，前面的路也会逐渐清晰。”如果你也在寻找一种能把日常化繁为简、把情感转化為行动的方法，也许可以尝试这款工具——讓镜头成为聆听者，让独白成為行动的指南。成長并不需要惊天动地的改变，细水长流的自我对话，更能把每一天都变成值得回味的篇章。

现在就开始，给自己一个记录与成长的机会，让影片里的你，和现实中的你，有更多相遇的可能。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：人民网记者 邱启明 摄

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