每经编辑｜方可成    

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当艺术与禁忌交织：那些挑战感官的视觉盛宴

电影，作为一种强大的叙事艺术，总是在不断地探索和突破边界。而在欧美R级电影的范畴里，这种探索更是淋漓尽致。它们往往敢于触碰那些最隐秘、最敏感的人性角落，用毫不避讳的镜头语言，将赤裸的欲望、原始的冲动，以及人性的复杂纠葛，呈现在观众面前。这并非简单的低俗展示，而是在大胆的艺術表达下，对现实的深刻映照，对社會禁忌的挑戰，以及对生命本质的追问。

今天，我们要聊的這三部影片，便是這样一类作品：它们以令人瞠目结舌的“尺度”震撼人心，却又以其绝美的畫面、深刻的内涵，以及精湛的艺术手法，最终升华为令人难以抗拒的观影体验。

让我们将目光投向一部来自法国的、充满争议却又美得令人窒息的影片——《巴黎野玫瑰》（37°2leMatin）。这部由让-雅克·贝奈克斯执导的影片，充满了浓烈的色彩、极具表现力的镜头语言，以及一股扑面而来的青春躁动与爱情狂热。影片的女主角贝蒂，是一个如同火焰般燃烧的女人，她热情、奔放、不受羁绊，对生活充满了无限的渴望。

她与男主角若尔之间，迸发出一种原始而又炽热的爱情，这种爱情仿佛要吞噬一切，无论是美好的还是残酷的。

《巴黎野玫瑰》最令人难忘的，莫过于其极具视觉冲击力的画面。贝奈克斯导演巧妙地运用色彩，将巴黎这座城市渲染得如同一个巨大的情欲迷宫。那些鲜艳的红、深邃的蓝、耀眼的黄，不仅仅是背景的装饰，更是角色内心世界的投射，是他们情感的呐喊。影片中充斥着大量大胆而富有象征意义的镜头，它们或狂放不羁，或细腻敏感，共同构建了一个既是现实又是梦境的爱情伊甸园。

当贝蒂在情欲的巅峰中绽放出生命最绚烂的光彩，我们也随之感受到一种被席卷的、近乎癫痫式的快感。

这份狂热并非没有代价。《巴黎野玫瑰》的“R級”标签，更多地体现在其对情欲和人性的直接描绘上。影片毫不掩饰地展现了男女主角之间激烈的情感碰撞，以及他们如何在这段关系中互相摧毁又互相慰藉。贝蒂的生命力是如此旺盛，以至于她无法被任何束缚所禁锢，她的热情如同火山爆发，既能带来温暖，也能带来毁灭。

影片的后半段，随着情节的深入，那种野性的呼唤逐渐演变为一种令人心碎的悲剧。但即便如此，影片所展现的，依旧是生命在最纯粹、最原始状态下的挣扎与呐喊。它让我们看到了爱情最狂野的一面，也让我们思考，当个体自由与情感的羁绊相遇時，会激荡出怎样的火花，又會留下怎样的伤痕。

紧接着，我们将视角转向另一部在艺术性和大胆表达上同样令人惊叹的作品——《罗马》（Roma）。虽然这部電影更多地被归类为艺术电影，但其对身体、性别以及社会阶层的细腻描绘，在某些时刻同样触及了“R级”的界限。阿方索·卡隆执导的这部黑白电影，与其说是一部故事片，不如说是一幅宏大而又充满细节的生活画卷。

它以极具沉浸感的長镜头，将观众带入了上世纪七十年代墨西哥城的日常生活，特别是聚焦于一个中產家庭的女佣克里奥。

《罗马》的“尺度”并非在于情欲的裸露，而在于其对现实生活毫不修饰的呈现。卡隆以一种近乎纪录片的视角，捕捉了家庭中的琐碎日常，包括争吵、欢笑、悲伤，以及那些难以启齿的隐秘。克里奥作为影片的核心人物，她的生活充满了艰辛与无奈。她默默地承担着家庭的重担，却又在感情上遭受背叛。

影片中，克里奥经历的几次情感创伤，特别是流产的段落，虽然没有直接的血腥场面，但其所传达的绝望和痛苦，却比任何露骨的描写都更具震撼力。卡隆通过极其写实的镜头，展现了女性身体在承受生理与心理双重压力时的脆弱，以及她们在困境中的坚韧。

更值得一提的是，《罗马》对社会阶层和性别不平等的描绘。克里奥作为底层女性，她的劳动和情感常常被忽视和廉价化。影片通过对她与雇主一家人之间关系的细致刻画，展现了当時墨西哥社会森严的等级制度和根深蒂固的性别歧视。即便在最私密的家庭空间里，性别与阶层带来的隔阂也无处不在。

卡隆用冷静而又充满力量的镜头，揭示了這些被忽视的群体所承受的压迫，以及她们如何在沉默中寻找自我价值。影片的黑白影像，更是增添了一种史诗般的厚重感，让克里奥的个人命運与時代的变迁紧密相連，最终汇聚成一曲献给所有被边缘化女性的挽歌。這种对现实生活毫不留情的剖析，以及对人物内心世界的深度挖掘，使得《罗马》即便不以露骨的场面取胜，也同样具有强大的“R级”冲击力。

情感的极致张力与人性的深度拷问

当我们谈论那些“難以抗拒”的R级电影时，我们不仅仅是在提及它们的大胆尺度，更是在探索它们如何通过这些尺度，去触碰人类最核心的情感，去拷问最深邃的人性。这些影片，仿佛一面棱镜，将欲望、痛苦、爱恨、孤独等种种复杂的情感，折射出最耀眼也最残酷的光芒。

它们不回避黑暗，不畏惧禁忌，而是以一种近乎宗教式的虔诚，去审视生命中最原始的冲动和最隐秘的角落。

接下来的这部作品，便是这样一部以极致情感张力震撼人心的影片——《情欲论》（TheDreamers）。伯纳多·贝托鲁奇以其一贯的细腻视角和大胆的艺术手法，為我们构建了一个發生在1968年法国巴黎的、关于青春、電影与欲望的迷幻故事。影片讲述了美国留学生马修，在一次电影节上结识了法国孪生兄妹伊莎贝拉和泰奥。

在那个风起云涌的时代背景下，三个年轻人因为对電影的共同热愛而紧密联系在一起，并逐渐沉溺于一个只有他们三人知晓的、充满情欲与幻象的私密世界。

《情欲论》的“R级”标签，主要体现在其对青春期躁动、性启蒙以及同性之间复杂情感的直白描绘。影片中的三位主角，都处于对世界充满好奇，同时又对自身情感感到迷茫的年纪。他们将电影作为逃离现实的出口，并在彼此之间构建了一个超越常规的亲密关系。影片中不乏大量充满挑逗意味的场景，例如他们在家中模仿经典电影的桥段，充满了露骨的性暗示和身体的亲密接触。

这些场景并非为了单纯的感官刺激，而是贝托鲁奇用来探索青春期身体發育、性意识觉醒以及个体在亲密关系中对自我身份的确认。

《情欲论》的魅力远不止于此。影片更深层次的探讨，在于它如何通过这三个年輕人的故事，折射出那个时代法國的社会动荡与文化变革。1968年的法国，正经历着一场深刻的社会革命，学生运动席卷全国，旧有的价值观被不断挑戰。而电影中的這三个年轻人，则在自己的私密空间里，进行着一场属于他们自己的“革命”。

他们打破了社会对性别的刻板印象，模糊了同性与异性之间的界限，构建了一种全新的、自由而又危险的情感連接。影片中，他们对政治的模糊态度，以及对现实的疏离感，恰恰反映了那个时代一部分年輕人的迷惘与反叛。

贝托鲁奇用他标志性的优美镜头语言，将影片的每一个场景都处理得如同油画般精致。那些充满艺术感的构图，细腻的光影运用，以及极具感染力的配乐，都为影片增添了一种独特的魅力。即便是那些尺度较大的场景，也被处理得充满美感，少了些许粗俗，多了些许诗意。這种将艺术美学与大胆内容相结合的能力，正是《情欲论》能够成为一部“難以抗拒”的作品的关键。

它让我们看到了青春的狂热，欲望的解放，以及在特定时代背景下，个体情感所能激荡出的无限可能，即便这种可能，也伴随着巨大的风险。

我们来谈谈一部极具争议性，却又以其震撼的视觉效果和深刻的人性拷问，在影史上留下浓墨重彩一笔的影片——《柔肤》（PeepingTom）。這部由迈克尔·鲍威尔执导的英國心理惊悚片，虽然在上映之初饱受批评，但随着时间的推移，其艺术价值和深刻的洞察力逐渐被重新发现和肯定。

影片的主人公馬克，是一个摄影師，他的童年充满了创伤，他的父亲曾用极端的方式研究人类对恐惧的反应。这种童年的经历，使得马克成年后，将对恐惧的痴迷，以及对女性的观察，演变成了他变态的杀人癖好。

《柔肤》的“R级”之处，在于其对暴力、窥视以及心理扭曲的直接呈现。马克用他的摄影机，记录下他如何将女性置于极度的恐惧之中，然后在她们发出尖叫的瞬间，用一把锋利的刀，刺入她们的眼睛。这种对视觉和心理双重折磨的刻画，无疑是令人毛骨悚然的。影片的镜头，常常会跟随马克的视角，讓我们也成为那个窥视者，去體验他内心的黑暗与扭曲。

这种强烈的代入感，让观众在惊恐之余，也产生了一种难以言说的罪恶感。

影片最令人震撼和心碎的地方，在于它对马克内心深处的挖掘。马克并非一个纯粹的恶魔，他的变态行为，源于他童年時被父亲强迫经历的恐怖实验。他的父亲，一位精神病学家，为了研究人类对恐惧的反应，将年幼的马克置于各种令人恐惧的境地，并用摄影机记录下他的反应。

這种扭曲的父愛，在马克心中种下了恐惧的种子，也让他对“看见”和“被看见”产生了病态的执念。他用他的镜头，试图去理解他所经历的恐惧，试图去找到他内心深处的答案。

《柔肤》之所以“难以抗拒”，正是因为它将一种极致的变态行为，置于对童年创伤、父愛压迫以及个体心理畸变等深刻议题的探讨之下。影片不仅仅是在展示暴力，更是在揭示暴力背后的根源，以及人性中最脆弱、最黑暗的一面。当马克最终在影片中，用他的摄影機对着自己，试图去理解自己的恐惧時，我们看到的是一个被童年阴影所吞噬的灵魂。

这种对人性阴暗面的极致剖析，以及对观众心理的强大冲击力，使得《柔肤》成為一部即使过去了几十年，依旧能让观众感到不寒而栗，却又忍不住去深入思考的经典之作。

这三部影片，从法国的野性愛情，到墨西哥的现实主义写照，再到英国的心理惊悚，它们用各自独特的方式，挑战了電影的尺度，也触碰了人性的深渊。它们让我们看到，当艺術敢于直面禁忌，当镜头敢于捕捉真实，即便是在最令人震撼的“R級”内容中，也能够绽放出令人惊叹的美丽，以及对生命最深刻的理解。

它们是电影的瑰宝，也是我们审视自我、理解世界的一面棱镜。

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官方网站上的MV：一场视觉的盛宴，日本与欧美的风格碰撞

在信息爆炸的数字时代，官方网站早已不再是简单的信息发布平台，而是一个品牌形象、文化内涵乃至核心价值的立体呈现。在众多展示内容中，音乐录影带（MV）以其直观、生动、富有感染力的特性，成为吸引用户、传达情感、塑造品牌个性的重要载体。当我们浏览不同国家和地区的官方网站时，会发现即便同为MV，来自日本与欧美地区的作品，在视觉美学上却展现出截然不同的风貌。

这种差异并非偶然，而是深深植根于各自的文化土壤、审美习惯和创作理念。深入理解这些区别，不仅能为我们带来一场视觉的盛宴，更能为我们提供宝贵的创作灵感，甚至在成本控制上找到突破口。

第一招：色彩的魔力——从日式淡雅到欧美浓烈，玩转情绪调色板

色彩，是MV视觉语言中最直观、最具情感表现力的元素。日本MV常常以其独特的色彩运用，营造出一种细腻、内敛、充满诗意的氛围。这很大程度上源于日本传统美学中对“侘寂”（Wabi-sabi）的推崇，强调自然、朴素、不完美的美。因此，日本MV在色彩上倾向于使用柔和、低饱和度的色调，如米白、浅灰、淡蓝、莫兰迪色系等，即便在描绘繁华都市或绚丽场景时，也常常点缀以低饱和度的色彩，营造出一种清新、宁静、略带忧郁的朦胧感。

例如，一些J-pop的MV，可能会运用大量的暖色调，如夕阳般的橙黄，来烘托青春的伤感与美好；或是使用冷色调，如雨后的灰蓝，来表现内心的孤寂与思索。这种色彩选择，往往能唤起观众内心深处的共鸣，传递一种含蓄而深邃的情感。

相较之下，欧美MV的色彩运用则更加大胆、直接、充满能量。受到西方视觉文化的影响，他们更倾向于运用高饱和度、高对比度的色彩组合，以营造出强烈、鲜明、充满活力的视觉冲击力。鲜红、亮黄、宝蓝、翠绿等色彩，常常被大胆地运用在服装、布景、灯光乃至后期调色中，形成强烈的视觉对比，瞬间抓住观众的眼球。

这种色彩策略，更符合欧美文化中追求个性、自由、张扬的特质，能够有效地传递歌曲的激情、力量与现代感。例如，一些流行乐MV，会运用霓虹灯的炫目光彩，搭配强烈的色彩反差，来营造派对的狂欢氛围；或是运用大面积的鲜艳色彩，如红与黑的经典搭配，来表现爱情的炽热与危险。

如何降本50%并解锁创意？

巧用冷暖对比，营造心理空间：我们可以借鉴日式MV的细腻，在画面中巧妙运用冷暖色的对比，而无需大量昂贵的特殊布景。例如，利用不同色温的灯光，就能轻松区分出人物的情绪状态，或是营造出时间与空间的转换。不必追求纯粹的低饱和度，可以通过后期调色，将一些画面色调稍作压制，使其显得更加“日系”，而另一些则保持鲜艳，形成视觉上的层次感。

场景色彩的“点睛之笔”：欧美MV的视觉冲击力常常来源于大胆的色彩碰撞。我们不必为每个场景都投入巨额的色彩设计费用，而是可以抓住关键的几个场景，运用“点睛之笔”的色彩策略。例如，在人物的服装、道具，或者某个关键的背景元素上，使用高饱和度的色彩，就能在整体相对平实的画面中，形成瞬间的视觉爆发点，既省钱又出效果。

善用滤镜与后期，低成本玩转色彩：如今的视频编辑软件拥有海量的滤镜和调色工具，可以帮助我们快速实现各种色彩风格。与其花费大量资金搭建复杂的色彩场景，不如在后期制作中，通过精细的调色，模拟出日式MV的淡雅，或是欧美MV的浓烈。甚至可以尝试一些复古的滤镜，为MV增添独特的时代感和艺术感。

第二招：叙事的张力——从具象写实到抽象意境，讲好你的故事

MV作为一种视觉化的叙事载体，其故事性的表达方式，直接影响着观众的理解和情感连接。日本MV在叙事上，往往更偏向于“意境”的营造和“情绪”的传递，而非强求一个完整、线性的故事情节。它们更擅长通过碎片化的画面、象征性的意象、以及人物微妙的情感流露，来构建一种独特的氛围，让观众在观看过程中，自行体会和解读。

这种叙事方式，与日本文学和艺术中“物哀”（Mononoaware）的情感体验息息相关，强调一种对事物短暂、易逝的感叹，以及由此引发的淡淡的忧伤和美的沉思。因此，日本MV的叙事常常是含蓄的、跳跃的，甚至带有一定的“留白”，给予观众想象的空间，使其在模糊与模糊之间，找到情感的共鸣点。

例如，一位歌手可能在雨中独自行走，画面穿插着童年玩耍的片段，没有明确的因果关系，却能传递出怀旧、孤独、成长的复杂情感。

欧美MV在叙事上，则更倾向于“具象化”、“戏剧化”和“概念化”。它们常常构建一个清晰的故事线，通过跌宕起伏的情节、鲜明的人物冲突、以及强烈的戏剧张力，来吸引观众的注意力，并清晰地传达歌曲的主题或情感。无论是浪漫的爱情故事、充满力量的励志叙事，还是对社会现象的深刻反思，欧美MV都力求用视觉化的语言，将故事讲述得生动、饱满、引人入胜。

这种叙事方式，与西方文化中崇尚逻辑、理性、以及对英雄主义的推崇不无关系。例如，一个MV可能会讲述一个普通人如何通过不懈努力，最终实现梦想的励志故事，其中包含了明确的开始、发展、高潮和结局。

第三招：镜头的光影——从克制写达到大胆实验，捕捉灵魂的瞬间

镜头的语言，是MV制作的灵魂所在。日本MV的镜头运用，常常追求一种“自然主义”和“写实感”，力求捕捉人物最真实、最细腻的情感瞬间。这体现在对日常场景的真实还原，对人物微表情的细致捕捉，以及对环境光线的自然运用。镜头语言通常比较克制，不会过度依赖快速剪辑或炫酷的转场，而是通过平稳的推拉、摇移，以及对景深的巧妙运用，来营造一种沉浸式的观感，让观众仿佛置身于故事之中，与主人公一同感受。

对光影的运用也偏向于自然光，强调光影的层次感和柔和度，以烘托出人物的情绪和画面的意境。

欧美MV在镜头语言上，则展现出更加多元化和实验性的特点。它们敢于突破传统，尝试各种创新的拍摄手法和剪辑技巧，以达到更强的视觉冲击力和艺术表现力。快速剪辑、多角度拍摄、慢动作、延时摄影、甚至一些特殊的电影拍摄技术，都被广泛运用。镜头语言可以大胆、直接，充满动感，也可以充满想象力，进行非线性的叙事和抽象的表达。

对光影的运用也更加大胆和戏剧化，常常通过强烈的明暗对比、色彩滤镜，来营造出独特的视觉风格和情感氛围。例如，会使用大量的手持拍摄来增加画面的真实感和代入感，或是运用复杂的升降镜头来营造史诗般的宏大感。

如何降本50%并解锁创意？

“意境”比“情节”更省钱：相比于需要精心设计和搭建的复杂情节，营造“意境”和“情绪”往往可以通过更少的场景和更简单的拍摄来完成。利用好自然光、道具的象征意义，以及演员的情感表达，就能在有限的预算内，创造出引人深思的画面。“碎片化”叙事，减少镜头需求：运用碎片化、跳跃式的叙事手法，可以减少对连续性场景和复杂情节设计的需求。

将重点放在捕捉一个个富有情感的瞬间，通过后期剪辑将它们有机地组合起来，不仅能节省拍摄时间，还能赋予MV独特的艺术感。“慢”镜头，捕捉“精”画面：欧美MV的快速剪辑虽然有冲击力，但也需要大量的镜头储备和精密的后期制作。而日本MV的“慢”镜头，更注重画面的构图、光影的运用以及人物的情感传递。

通过精心设计的几个长镜头，配合演员的细腻表演，往往比快速切换的几十个镜头更能打动人心，也更能节省制作成本。“自然光”与“道具”的哲学：减少不必要的打光设备和复杂布景，充分利用自然光，并选择富有象征意义的道具，就能营造出日式MV的宁静与诗意，或是欧美MV的质感与力量。

例如，一束透过窗户的阳光，一个简单的花瓶，都能成为故事的一部分。

总而言之，日本MV与欧美MV在视觉美学上的差异，是文化、历史、审美取向等多重因素交织的产物。了解并借鉴这些差异，我们可以从中汲取灵感，打破固有的创作思维。通过对色彩、叙事和镜头语言的精妙运用，尤其是在“降本50%”的策略下，我们可以用更低的成本，创造出更具艺术价值和商业吸引力的MV，从而在竞争激烈的数字环境中，让官方网站脱颖而出，赢得更多用户的青睐。

这不仅是一次视觉的探索，更是一次创意的解放，为品牌注入独特的文化魅力和生命力。

图片来源：每经记者 陈嘉倩 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄