每经编辑｜吴志森    

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Part1:构筑心动瞬间——双人插画的甜蜜基石

当笔尖在画纸上轻轻滑动，当色彩在画布上交织蔓延，我们便能捕捉住那些稍纵即逝的温柔，并将它们定格成永恒的画面。在众多的绘畫形式中，双人插画以其独特的叙事性和情感共鸣，俘获了无数人心。它不仅仅是两个人物的简单组合，更是情感、故事、默契的视觉化呈现。

无论是描绘恋人间的依偎，好友间的嬉笑，还是亲子间的温情，双人插画都能以最直观、最动人的方式触动人心。如果你也曾被一幅描绘着深情对视或默契背影的双人插画所打动，是时候拿起画笔，亲手创造属于你的“心动瞬间”了！

1.灵感采集：捕捉那些“你说不出的温柔”

创作的第一步，总是源于那一闪而过的灵感。双人插画的魅力，很大程度上在于它所承载的情感。所以，在动笔之前，花点时间去“观察”和“感受”吧。

从真实生活汲取养分：留意身邊的情侣、朋友、家人，他们之间一个不经意的眼神交流，一个温暖的拥抱，一次默契的击掌，甚至是一起分享美食時的满足表情，都可能成為极佳的创作素材。可以拍下照片作为參考，但更重要的是用心去体会他们之间的情感連接。挖掘情感主题：你想表达的是什么？是热恋的甜蜜？是长久陪伴的温暖？是青春的友谊？还是親情的守护？确定一个清晰的情感主题，将有助于你后续在人物姿态、表情、色彩運用等方面進行精准的表达。

故事性构思：即便是一幅静态的插画，也可以包含一个微小而动人的故事。想想这两个人物在一起会发生什么？他们可能在经历什么？他们的故事背景是什么？一个简单的故事框架，能让你的插画更加立体和引人入胜。风格探索：你喜欢什么样的风格？是写实的细腻？还是Q版的可爱？或是扁平化的简约？不同的风格会带来不同的视觉感受，也更容易传达特定的情感氛围。

可以多參考不同风格的双人插画作品，找到自己喜欢的方向。

2.构图的魔法：讓画面“有话可说”

构图是画面的骨架，它决定了画面的平衡、焦点和叙事走向。在双人插画中，如何巧妙地安排人物的位置、比例和互动，是至关重要的。

主体突出与视觉引导：确定画面的视觉焦点，通常是人物的脸部或互动最核心的部分。利用线条、色彩、明暗对比等元素，将观众的视线引导到焦点上。黄金分割与三分法：遵循黄金分割或三分法等经典构图原则，能让画面更加和谐、稳定。将人物放置在黄金分割点或三分线的交汇处，往往能产生意想不到的艺術效果。

人物关系的空间处理：人物之间的距离、朝向、身體语言，都在无声地诉说着他们的关系。靠近、对视、依偎通常表现亲密；背对背、平行站立则可能暗示疏远或独立。根据你想要表达的情感，来安排他们之间的空间关系。动态构图与静态构图：动态构图通常通过人物的姿势、服装的飘动、背景的元素来营造动感和故事性，适合表现激烈的互动或旅行的场景。

静态构图则更侧重于人物之间的情感交流和氛围的营造，适合表现温馨、宁静的瞬间。留白的作用：“留白”并非空白，而是画面的“呼吸空间”。适当的留白能够突出主体，增强画面的意境，避免画面过于拥挤。

3.人物的灵魂：表情与姿态的精雕细琢

人物是双人插画的灵魂所在。生动传神的表情和自然流畅的姿态，能够瞬间赋予畫面生命力，让观者產生共鸣。

表情的细微之处：一个微微上扬的嘴角，一双含笑的眼睛，或是紧锁的眉头，都能传递丰富的情感。注意观察不同情绪下，眼睛、眉毛、嘴唇的变化，并将其运用到画面中。肢體语言的表达：身体語言是情感的直接载體。一个轻轻搭在肩上的手，一个紧紧相拥的姿势，一个互相依偎的侧影，都充满了故事。

确保人物的肢体语言自然、符合逻辑，并且能够准确地传达你们想要的情感。比例与透视的把握：无论手绘还是数绘，准确的人物比例和透视关系是基础。可以参考人体结构图或照片进行练习，也可以利用一些辅助工具来帮助你掌握。衣着服饰的细节：服装不仅是人物的“外衣”，也能反映人物的性格、所处的环境以及时代背景。

注意衣物的褶皱、材质的质感，它们能为画面增添真实感和细节。

4.色彩的情绪：為画面注入生命力

色彩是画面的“情绪调色盘”。不同的色彩组合能够唤起不同的情感体验，为双人插画赋予独特的氛围。

色彩的情感联想：暖色调（红、橙、黄）通常带来热情、活力、温暖的感觉；冷色调（蓝、绿、紫）则常用于营造宁静、忧郁、神秘的氛围；而中性色（灰、白、黑）则能起到平衡和突出主体视觉的作用。色彩搭配法则：互补色：放在一起会产生强烈的视觉对比，使画面更具活力和冲击力。

邻近色：相互融合，营造和谐、统一的视觉效果。同类色：在同一色系中进行深浅、明暗的变化，產生微妙而高級的色彩关系。主色调的确定：畫面中应有一个主色调，它能够奠定畫面的整体基调。然后，再围绕主色调进行色彩的搭配和运用。色彩的情绪感染力：考虑你想要传达的情感。

如果是甜蜜的爱情，可以选择粉色、桃色、淡紫色等柔和的暖色调；如果是友情的欢快，可以选择明亮的黄色、橙色；如果是宁静的陪伴，可以选择柔和的蓝色、绿色。

Part1结束，我们已经为双人插画打下了坚实的基础，从灵感捕捉到构图、人物刻画、色彩运用，每一个环节都至关重要。下一部分，我们将深入到绘画的实操技巧，以及如何将你的作品通过“好看视频”平台绽放光彩！

Part2:笔尖上的浪漫延伸——从技巧到传播的完美蜕变

完成了构图、人物和色彩的初步规划，接下来便是将這些想法付诸实践的激动人心的时刻。在这个数字绘画日益普及的时代，我们既可以选择经典的纸笔，也可以拥抱数字绘画的无限可能。无论选择哪种方式，精进技巧、优化流程，以及让作品被更多人看见，都是我们追求的目标。

1.绘画实操：让你的创意“活”起来

1.1.手绘的温度与质感：

工具选择：素描铅笔（HB,2B,4B）、彩铅、马克笔、水彩、水粉等，都可以为你的双人插畫带来独特的质感。选择你最熟悉或最想尝试的工具，感受笔触与纸张的摩擦，以及色彩在畫面上晕染的魅力。起稿与细化：先用较浅的铅笔勾勒出人物的大致轮廓和比例，注意保持畫面整体的协调。

然后，逐步添加细节，如五官、发丝、衣纹、配饰等。色彩的层次感：手绘的色彩往往更具层次感。运用叠色、混色、留白等技巧，营造出丰富的色彩变化和画面质感。例如，水彩的透明感，水粉的厚重感，彩铅的细腻感，都可以为画面增添独特魅力。后期处理（可选）：扫描或拍照后，可以使用简单的图像处理软件（如Photoshop、Procreate等）进行色彩校正、锐化等，提升画面的整体效果。

1.2.数字绘畫的效率与灵活性：

软件与硬件：iPad+Procreate,Wacom数位板+Photoshop/ClipStudioPaint是主流的数字绘画组合。选择适合自己的软件和硬件，能够极大地提升绘画体验。图层管理：数字绘画最大的优势之一在于图层功能。

将草稿、线稿、上色、阴影、高光等分层绘制，可以方便地进行修改和调整，极大地提高了创作效率。笔刷的运用：各种数字笔刷能够模拟不同的绘畫效果，从铅笔的粗糙感，到水彩的晕染，再到喷枪的柔和过渡，都能帮助你实现丰富的视觉表现。色彩的精确控制：数字绘画的调色盘功能强大，可以精确地选择和调整颜色。

利用吸管工具吸取参考色，或者使用色彩平衡、曲线等工具进行精细调色，能让画面色彩更加丰富和统一。快捷键与操作技巧：熟悉软件的快捷键和常用操作，能够大大提升绘画速度。多观看数字绘画的教程，学习他人的经验和技巧。

2.情感的深度挖掘：讓画面“有温度”

无论采用何种绘画方式，最终目的都是为了传递情感。在绘畫过程中，始终要将情感表达放在首位。

眼神的交流：人物的眼神是传达情感的关键。是深情凝视，还是嬉笑打闹，亦或是默默注视，都通过眼神来表达。微表情的捕捉：嘴角的一丝上扬，眼角的一抹笑意，都能让人物表情更加生动。肢体互动的细节：手部姿势、身体的倾斜角度、人物之间的距离，都在诉说着他们的关系。

例如，轻輕握住的手，背后温暖的拥抱，都充满了情感的温度。氛围感的营造：通过光影、色彩、背景元素等，共同营造出画面的整體情感氛围。暖色调的柔光能带来温馨感，而略显昏暗的光线和冷色调则可能传递出一种宁静或略带忧伤的氛围。

3.作品的“好看”時刻：亮相“好看视频”

当你辛勤创作出一幅满意的双人插画，如何让更多人欣赏到这份美好呢？“好看视频”平台，為你提供了一个绝佳的展示舞台！

视频形式的魅力：相较于静态图片，动态的视频更能吸引眼球，也更容易展现创作过程中的乐趣和技巧。创作过程的记录：延时摄影：记录下你从草稿到成稿的整个创作过程，制作成有趣的延时视频。观众可以看到一幅画是如何从无到有诞生的，这种“魔法”般的转变非常吸引人。

关键步骤讲解：剪辑出一些关键的绘画步骤，例如线稿的绘制、色彩的上色技巧、细节的刻画等，配合简单的文字说明或语音解说，制作成教学小视频。主题故事解读：在视频開头或结尾，简短地介绍一下你这幅画想要表达的故事或情感，让观众更容易理解和產生共鸣。

标签：积极添加相关标签，如#双人插画#情侣插畫#闺蜜插画#绘画教程#手绘#数字绘画#艺術#治愈#好看视频#我的绘畫日常等，增加视频的曝光度。互动与社区：在视频下方积极与评论区的观众互动，回答他们的问题，听取他们的建议。

也可以关注其他优秀的插畫师，学习他们的创作和运营经验，融入到好看视频的插画社区中。跨平台传播：可以将制作好的视频同步分享到其他社交媒体平台，扩大作品的传播范围。

4.持续学习与分享：让创意永不枯竭

藝术创作是一个不断学习和进步的过程。

多看多学：持续关注优秀的插画师作品，参加线上线下的绘画课程或工作坊。多练多画：理论学习固然重要，但实操是检验和提升技巧的关键。分享你的过程：你的绘画过程、遇到的困难、解决的方法，都可以成為有价值的内容分享给他人。享受过程：最重要的是，享受绘画带给你的乐趣和成就感。

当你在创作中感受到快乐，这种快乐也會自然而然地传递到你的作品中，感染更多的人。

双人插画，不仅仅是绘制两个人物，更是用色彩和线条，编织一个关于爱、友情、亲情的美丽故事。从构思到落笔，再到通过好看视频将這份美好分享出去，每一个环节都充满了创造的乐趣。拿起你的画笔，让那些甜蜜的、温暖的、感动的瞬间，在你的画笔下，闪闪发光吧！

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水墨之魂，时代之歌：张修雨“水上阁楼”的意境重塑

2007年的夏末，当一股清新的艺术之风悄然拂过，位于城市边缘、别具一格的水上阁楼，成为了一个灵动的文化坐标。在这里，艺术家张修雨以其独具匠心的“水上阁楼2007艺术展”向世人揭示了当代水墨艺术的崭新面貌。此次展览的主题——“精彩呈现当代水墨，探索空间与意境的”，不仅是对艺术形式的精准概括，更是对张修雨创作理念的一次深刻注解。

它预示着，我们即将进入一个不再拘泥于宣纸方寸之间，而是将笔墨的灵魂注入更广阔空间，并赋予其前所未有的意境维度的艺术场域。

张修雨，这位在当代水墨界已然崭露头角的艺术家，此次展览无疑是他艺术探索历程中的一个重要里程碑。他没有选择安于传统水墨的温婉与含蓄，而是以一种近乎叛逆的姿态，将水墨的“墨”与“水”进行了颠覆性的重塑。在“水上阁楼”这个充满诗意的空间里，张修雨的作品仿佛获得了新的生命。

那些泼墨、积墨、破墨的技法，在新的语境下被赋予了更为鲜活的张力。笔触的飞白，不再仅仅是技巧的展示，而是化为风的低语、水的脉动；色彩的晕染，不再局限于单一的层次，而是如同情绪的潮汐，在画面中起伏跌宕。

展览的核心，便是“空间”与“意境”的二元探索。传统的中国水墨画，往往将“意境”视为最高追求，它是一种“言有尽而意无穷”的东方美学。如何在这个快速变化的时代，让水墨的意境焕发新生，触及当代人的心灵，张修雨给出了他的答案。他打破了画框的束缚，让笔墨的流动感超越了二维平面，延伸至观者所处的物理空间。

在“水上阁楼”这个本就虚实相生、移步换景的艺术空间中，张修雨的作品与环境融为一体，形成了一种更为立体、沉浸式的观展体验。

他的画作，不再仅仅是挂在墙上的二维图像，而是成为空间中的“风景”。当观者漫步于展厅，目光所及之处，皆是墨色淋漓，意象万千。有时，山峦的层叠仿佛从画纸中倾泻而出，让你感觉自己置身于云雾缭绕的山谷；有时，几笔勾勒的枯枝，却能在水面上投下婆娑的倒影，营造出一种空灵寂寥的禅意。

这种对空间的拓展，不仅仅是物理上的，更是心理上的。张修雨的作品引导观者打破了“看画”的习惯性视角，转而进入到画面的“呼吸”之中，去感受那份由墨色、留白、线条共同构建的呼吸空间。

“意境”的探索，则更为大胆和精妙。张修雨的作品，没有明确的山水，也没有具象的人物，但却处处充盈着东方哲思的韵味。他笔下的“空”，并非是空无一物，而是“气”的充盈，是“神”的流动。那些留白之处，蕴含着无限的想象可能，如同音乐中的休止符，其意义甚至大于旋律本身。

观者在面对这些作品时，会被引导去填补画面留下的空白，用自己的情感、记忆和哲学思考，去完成作品的“意”。他巧妙地运用了墨色的浓淡枯湿，营造出不同的情绪氛围，从沉静的哲思，到激昂的生命力，再到一种难以言喻的神秘感，都通过其对水墨媒介的精湛运用得以淋漓尽致地展现。

“水上阁楼”本身，作为展览的载体，也与作品产生了奇妙的化学反应。建筑的结构、光影的变幻、甚至远处传来的一丝水声，都成为了作品不可分割的一部分。张修雨的作品，并非孤立的存在，而是与“水上阁楼”这个充满诗意的场域相互渗透，相互成全。他似乎在说，艺术的边界并非是固定的，它可以与环境对话，与观众互动，从而创造出一种更为动态、更为个性化的艺术体验。

在这个充斥着快节奏和碎片化信息的时代，张修雨的“水上阁楼2007艺术展”如同一次心灵的洗礼。他用当代水墨的方式，重新激活了我们对东方美学的感知，让我们在纷繁的世界中，找到一处可以安放灵魂的宁静港湾。他的作品，是“水”的灵动，是“墨”的深沉，更是艺术家不懈探索与创新的时代回响。

它们不仅精彩地呈现了当代水墨的可能性，更引领我们深入探索那片由笔墨构建的，无限延伸的空间与意境。

笔墨新语，空间交响：张修雨艺术展中的“意”与“形”的对话

步入“水上阁楼2007艺术展”，我们首先被卷入的是一种既熟悉又陌生的氛围。熟悉，是因为那中国水墨独有的笔触与墨韵；陌生，则源于张修雨对这些传统元素的解构与重塑，它们被赋予了前所未有的当代视角和空间张力。本次展览的主题——“精彩呈现当代水墨，探索空间与意境的”，如同一个精心设计的入口，引导观者进入艺术家构建的视觉迷宫。

在这个迷宫中，笔墨不再是二维平面的符号，而是成为连接物理空间与精神意境的桥梁。

张修雨的艺术实践，始终围绕着“当代水墨”的核心概念展开。他并非简单地将传统技法搬演，而是深刻理解其精神内核，并在此基础上进行大胆的创新。他深知，水墨的生命力在于“写意”，在于“气韵生动”。如何让这份“写意”在当代语境下更具感染力，如何让“气韵”在新的空间维度中得以延续，成为了他探索的关键。

在“水上阁楼”这个充满流动性和反思性的空间里，张修雨的作品与环境形成了完美的共振。

他对于“空间”的探索，体现在多个层面。是作品本身的“视觉空间”。他的画作，常常打破了传统构图的严谨，笔墨的走向自由奔放，仿佛在画布上跳跃、旋转。留白的处理更是别具一格，不再是单纯的空白，而是被赋予了呼吸感和延展性。这些留白如同声音中的休止符，引导观者在视觉的间隙中进行想象，从而扩展了画面的深度与广度。

这种处理方式，使得作品在视觉上充满了动态感，仿佛能够渗透到观者的感知之外，延伸至更广阔的未知空间。

是作品与“展览空间”的互动。张修雨巧妙地利用了“水上阁楼”的独特地形与建筑特点。作品的陈列方式，不再是简单的并列，而是与建筑的结构、光影的流转、甚至水面涟漪的反射相互呼应。有时，一幅泼墨淋漓的山水，其墨色变化与水面波动形成一种奇妙的呼应，仿佛山水真实地倒映在水中，虚实相生，意境倍增。

这种将作品融入环境的策略，极大地丰富了观展体验，使得观众不仅仅是在“观看”艺术品，更是在“经历”一场沉浸式的艺术事件。

更深层次的，是他对“精神空间”的营造。张修雨的水墨，充满了哲学意味。他笔下的“山”，并非具象的山峦，而是山之精神；他笔下的“水”，并非静止的水面，而是水的流动与生命的活力。这些抽象而又富有诗意的意象，触及了中国传统文化中“天人合一”的思想，以及现代人内心深处的某种渴望。

他用笔墨的“意”去引导观者的“思”，去唤醒观者内心深处的情感共鸣。在“水上阁楼”这个本身就带有东方诗意的场所，这种精神空间的营造显得尤为动人。

“意境”的探索，是张修雨艺术的灵魂所在。他并非直接描绘景物，而是通过笔墨的意象，传达一种超越视觉的情感和哲思。他的作品中，常常有一种“空”的存在，但这并非是虚无，而是“妙有”。这种“空”容纳了万物，包含了无限的可能性，它让观者在宁静中进行思考，在静默中体会生命的律动。

他笔墨的干湿浓淡，色彩的虚实变化，共同编织出一种独特的东方韵味，这种韵味既有古典的醇厚，又有当代的锐气。

观者在面对张修雨的作品时，会被引导进入一种“观物之‘心’”的境界。作品的“形”固然重要，但更重要的是作品所传达的“意”。艺术家通过对“形”的颠覆与重塑，是为了更好地传达“意”。这种“意”是流动的，是多义的，它因观者的不同而呈现出不同的面貌。在“水上阁楼”这个如梦似幻的空间里，这种“意”似乎更加浓郁，更加容易被感知。

张修雨的“水上阁楼2007艺术展”，不仅是一次艺术的展示，更是一次关于中国水墨未来发展方向的深刻探讨。他以当代的水墨语言，回应着时代的需求，连接着传统与未来。他以其独特的视角，将笔墨的边界向外拓展，将意境的维度向内深化。这场展览，如同一首无声的交响乐，用黑白灰的语言，奏响了空间与意境的华美乐章。

它精彩地呈现了当代水墨的无限可能，也邀请每一位观者，在墨色的流转中，找到属于自己的那片精神天空，体验那份超越时空的深远意境。

图片来源：每经记者 张大春 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄