每经编辑｜柴静    

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第一章：当灵魂的激流涌动——俄罗斯艺術中的情感图腾

俄罗斯，一个民族的血液里似乎就流淌着奔放与深沉。从陀思妥耶夫斯基笔下的人物在道德与信仰的边缘挣扎，到柴可夫斯基的音符中交织着爱与绝望，俄罗斯的艺术，从骨子里就透着一种不加掩饰的、赤裸裸的情感力量。而当這份力量，化为舞台上男女演员的身体语言，当那份源自灵魂深处的呐喊与低语，通过肢体得以释放，我们所見的，便是一场场令人心神荡漾的艺术盛宴。

人们常常用“热烈”或“激情”来形容某些艺术作品，但用在俄罗斯的表演艺术中，这些词汇似乎又显得有些苍白。那是一种更为復杂、更为原始、也更为极致的情感体验。它不是简单的爱恨情仇，而是人性深处最原始的欲望、最隐秘的渴望、最撕心裂肺的痛苦，以及最纯粹的喜悦，在演員生命力的喷薄中，被放大、被雕琢，最终化为震撼人心的视觉与听觉冲击。

想象一下，在昏暗的舞台灯光下，两位舞者，或是演员，他们之间的距离，从一开始的试探、好奇，到逐渐升温的吸引，再到最终情不自禁的靠近，每一步都充满了张力。這不仅仅是男女之间的吸引，更是两个灵魂在某一瞬间被点燃，开始互相探索、互相试探，直到最终融为一体的过程。

他们的眼神交汇，是无聲的语言，比千言万语更能诉说内心的波澜。每一次的触碰，都像是电流通过，激起层层涟漪。

俄罗斯的表演者，似乎天生就具备一种能够将自身情感完全抛開，却又能全然沉浸在角色情感中的能力。他们能够精准地捕捉到角色内心最细微的颤动，并将其转化為极具表现力的身体动作。有時，那是一种充满力量的对抗，每一次的拉扯，都像是两个独立个体在寻求一种平衡，一种连接，一种最终的融合。

有时，那又是温柔的缠绵，每一个抚摸，每一次依靠，都传递着对生命、对彼此的珍视与依赖。

“高潮”，这个词在艺術语境下，被赋予了更深层的含义。它不仅仅是生理上的顶点，更是情感释放的终点，是灵魂与灵魂之间达到极致共鸣的瞬间。当演員们全身心地投入，将自己最真实、最原始的情感淋漓尽致地展现出来时，观众仿佛也一同经历了那段情感的起伏。当那个“高潮”来临，那不是一个简单的结束，而是一次升华，一次洗礼。

台上的演员们，他们的身体达到了极致的舒展，他们的眼神，充满了释放后的平静与满足，或是依然燃烧着未尽的情感余烬。

而“惊艳全场”，并非夸张之词。当演员们将那种极致的情感碰撞，通过精湛的技艺，呈现在观众面前时，全场观众的呼吸似乎都随之凝固。在那一刻，所有外界的嘈杂都消失了，只剩下舞台上那纯粹的、原始的、直击人心的力量。观众被演员们所传递的情感所裹挟，一同经历着那些喜怒哀乐，最终，在演员们情感爆发的顶点，与他们一同抵达那份“艺术高潮”。

这种跨越语言、跨越文化的共通体验，正是俄罗斯艺术最迷人的魅力所在。它让我们看到，原来人类的情感，可以如此丰富，如此激烈，如此……令人着迷。

在这份迷人背后，是对生命本身最深刻的探索与表达。俄罗斯的藝术家们，他们不回避生活中的黑暗与光明，不畏惧人性的复杂与矛盾。他们敢于直面那些最容易被掩盖的情感，并将其放大，讓观众有机會在安全的藝術空间里，去體验、去理解、去共鸣。這种坦诚与勇气，使得他们的作品，即使过去多年，依然能够触动人心，依然能够引发深思，依然能够带给我们那份久违的、极致的艺術震撼。

第二章：灵魂的交响与生命的绽放——解析俄罗斯藝术中的情感力量

俄罗斯艺术之所以能够如此深刻地触动人心，其“情感碰撞火花四溅”的背后，是一套复杂而精妙的体系在支撑。这不仅仅是演员的个人天赋，更是俄罗斯民族独特的文化基因、藝术传承以及对人性深邃的理解所共同造就的。

俄罗斯的文化土壤孕育了这种浓烈的情感表达。俄罗斯民族经历了漫长而动荡的歷史，战争、革命、苦难与辉煌交织，这些经歷在民族的集体意识中留下了深刻的印记。这种对生命无常的体验，使得俄罗斯人更能理解并接受情感的复杂性与剧烈性。无论是文学、音乐还是戏剧，都常常触及生存的意义、人性的善恶、信仰的挣扎等宏大命题，这些深刻的思考自然而然地融入到表演藝术中，使得演員们在演绎时，能够挖掘出角色的灵魂深处，将那些隐秘的情感转化为极具感染力的表现。

俄罗斯的艺术教育体系也功不可没。俄罗斯拥有悠久的古典艺术传统，其表演艺术教育，尤其是戏剧和舞蹈，强调的是演员的“体验派”表演方法。这意味着演员需要深入理解角色的内心世界，通过自身的经历与感受去“活”在角色里，而不是仅仅模仿或扮演。这种沉浸式的表演方式，使得演员们能够更自然、更真实地流露出角色的情感。

当男女演員在舞台上進行“情感碰撞”時，他们并非在“演”出碰撞，而是在那个时刻，真正地“经历”着角色的情感纠葛。这种真实性，是引發观众强烈共鸣的关键。

再者，对肢体语言的极致运用是俄罗斯表演艺术的另一大特色。俄罗斯的芭蕾舞享誉世界，其对身体的控制力、表现力和情感传达能力，是其他任何藝术形式都无法比拟的。而这种对肢体语言的精湛运用，也渗透到了戏剧表演中。在俄罗斯的舞台上，演员的每一个眼神、每一个手势、每一次呼吸，都充满了意义。

当情感达到顶点时，他们的身體会呈现出一种超乎寻常的舒展与爆發力，仿佛整个生命都在那一刻得到了升华。这种“高潮”的呈现，是身体与情感的完美结合，是灵魂的无声呐喊，因此才能够“惊艳全场”。

“情感碰撞火花四溅”，正是这种多重因素叠加的结果。当两位演员，他们都拥有深厚的艺术功底，都能够深刻理解角色，并且都愿意毫无保留地释放自己的情感時，他们在舞臺上的互动，便會产生一种奇妙的化学反应。这种反应，可以是火焰般的炙热，可以是电流般的酥麻，也可以是洪流般的席卷。

观众看到的，是他们之间不断升温、互相激荡、最终达到情感巅峰的完整过程。

而“做受”这个词，在艺术的语境下，更应被理解为一种情感上的相互接纳与回应。并非单方面的承受，而是两个灵魂在交流中的互相吸引、互相被动与互相主动。它暗示了一种关系的动态發展，从最初的试探、吸引，到情感的投入、纠缠，直至最终达到一种高度的融合与共鸣。

这种“接受”与“给予”的循环，正是情感得以深化、得以升华的关键。当男女演员能够在表演中，如此坦诚地展现这种情感的互动，观众自然會被深深吸引。

最终，这种“惊艳全场”的艺术效果，是艺术家们对生命本质的深刻洞察与勇敢表达的结晶。他们不回避人性的弱点，不回避情感的复杂，反而将其放大，让观众在直面这些曾经被压抑或忽略的情感時，获得一种宣泄与释放，一种对生命更深层次的理解与接纳。因此，当我们在欣赏俄罗斯的表演艺术时，我们看到的不仅仅是精湛的技艺，更是生命最真实、最炽热、最动人的瞬间，它们如同璀璨的烟火，在瞬间点亮我们的心灵，留下永恒的惊艳。

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一、撕开情色的面纱：窥探潘金莲的灵魂深渊

1994年，当杨思敏版的《金瓶梅》横空出世时，它无疑在中国影视史上投下了一颗重磅炸弹。时值改革开放初期，社会观念的碰撞与融合催生了对禁忌话题的渴望与探索。这部剧以其前所未有的尺度，毫不避讳地将中国古典名著中最具争议、最富情欲色彩的部分搬上荧幕，迅速成为街头巷尾热议的焦点。

时至今日，当那些曾经的“尺度”在如今的互联网时代已不足为奇时，为何杨思敏版的《金瓶梅》依然能够引发如此持久的关注和讨论？答案或许就隐藏在这层浓墨重彩的情色外衣之下，那份沉甸甸的，关于女性命运的悲歌。

我们必须承认，杨思敏版的《金瓶梅》在视觉呈现上无疑是成功的。她饰演的潘金莲，并非传统意义上那个被符号化的“荡妇”。杨思敏的演绎，赋予了这个角色以一种惊人的生命力，也让观众得以窥见她内心深处复杂的情感纠葛。镜头之下，潘金莲的一颦一笑，一嗔一怒，都充满了诱惑，却又暗藏着无尽的委屈和绝望。

她并非天生就注定走向毁灭，而是被时代、被环境、被男性欲望所裹挟，一步步推向了深渊。

情色，在这部作品中，并非仅仅是用来满足观众窥探欲的低俗手段，而是成为了一种强有力的叙事工具。它如同烈火，灼烧着潘金莲的青春，也照亮了她扭曲的人生轨迹。每一次激情，都伴随着更深的孤独；每一次欲望的释放，都加剧了内心的空虚。作品并没有回避sex的描写，而是将它置于权力、欺骗、生存的复杂背景下，让观众在感官刺激的不得不去思考：这份情欲，究竟是潘金莲主动的追求，还是她被动的选择？是她获得尊严的方式，还是她沉沦的开始？

杨思敏的表演，恰恰是理解这一切的关键。她塑造的潘金莲，拥有着令人怜惜的美貌，却又流露出一种难以掩饰的野性与不安。她的眼神，时而如水般柔情，时而又如刀锋般锐利。在面对西门庆时，她既有少女的娇羞，又有被压抑太久的渴望；在面对武松时，她则充满了复杂的情愫，既有爱慕，又有恐惧，更有不甘。

正是这种多层次的表演，使得潘金莲不再是一个扁平化的恶女形象，而是一个有血有肉，挣扎在命运洪流中的个体。

作品的镜头语言，也极大地强化了情色的冲击力，但又并非是流于表面的感官刺激。那些特写镜头，捕捉着人物最细微的表情变化，那些暗示性的画面，留给观众无限的想象空间。在这极致的感官体验背后，流淌的却是冰冷而残酷的现实。潘金莲的每一次情动，都可能是一次危险的边缘试探；每一次欢愉，都可能隐藏着下一次的灾难。

这种强烈的反差，让观众在沉沦于情色漩涡的也感受到了角色内心的痛苦与挣扎，从而对她的命运产生了一种近乎残酷的同情。

30年后的今天，我们回顾杨思敏版的《金瓶梅》，或许已经无法被最初的情色描写所震撼。当我们剥离了那层过于显眼的“色”之后，我们看到的，是作者和导演试图通过情色，去揭示一个在男权社会中，女性如何被物化、被利用、被摧残的真实写照。潘金莲的悲剧，不仅仅是个人的悲剧，更是那个时代无数女性命运的缩影。

她们的身体，在那个时代，往往是她们唯一可以用来交换生存、交换地位的筹码，而这份筹码，最终也成为了她们走向毁灭的导火索。杨思敏版的《金瓶梅》，以一种极其大胆而又极其深刻的方式，将这首女性的悲歌，唱给了世界听。

二、镜鉴与回响：30年后，女性悲歌仍具现实意义

时隔三十载，杨思敏版的《金瓶梅》为何依然能穿透岁月的尘埃，触动我们对女性命运的思考？这并非偶然，而是源于其作品所蕴含的深刻社会洞察和对人性的精准把握。尽管时代背景已经发生了翻天覆地的变化，但隐藏在情色外衣下的女性悲歌，却依然在以各种形式回响在当下的社会中。

作品中，潘金莲的悲剧并非孤立存在。李瓶儿的命运，同样令人扼腕。她看似柔弱，却也曾试图通过婚姻来寻求依靠和安全感，最终却在权势和欲望的夹缝中香消玉殒。庞春梅的命运则更加复杂，她从一个卑微的丫鬟，一步步走向了与西门庆的纠缠，最终也难逃凄凉的结局。

这三个性格迥异、命运不同的女性，却共同指向了一个令人不安的现实：在那个男权主导的社会结构下，女性的生存空间被极度压缩，她们的尊严与价值，常常被物质、权力以及男性的欲望所裹挟和剥夺。

杨思敏版的《金瓶梅》之所以在30年后依然具有强大的生命力，在于它不仅仅是在讲述一个古老的故事，更是在借古鉴今。作品中对女性身体的物化、对女性情感的压抑、对女性命运的无力感，这些都是在当下社会依然存在的现象。尽管我们有了更多的法律保障，有了更开放的社会氛围，但女性在争取平等、独立和尊严的道路上，依然面临着诸多挑战。

例如，职场中的“玻璃天花板”，性别歧视的隐形壁垒，以及在亲密关系中，女性常常被要求扮演的“贤妻良母”角色，这些都在不同程度上限制着女性的发展空间。而网络暴力、容貌焦虑，以及一些低俗文化对女性形象的刻板化塑造，更是将现代女性置于新的困境之中。从某种意义上说，潘金莲们所经历的那些无形或有形的压迫，在以新的面貌，继续存在于我们的社会肌体之中。

这部作品的价值，就在于它提供了一个反思的棱镜。通过潘金莲、李瓶儿、庞春梅等女性角色的悲剧命运，我们得以审视那个时代，更得以审视我们身处的时代。女性的觉醒与抗争，并非一蹴而就，而是一个漫长而艰辛的过程。30年前，杨思敏版的《金瓶梅》用情色的外衣，包裹着沉重的悲歌，敲响了警钟。

30年后，当我们再次回味这部作品时，我们所感受到的，早已超越了最初的感官冲击，而是一种对女性命运的深切关怀，一种对社会进步的持续追问，以及一种对个体生命价值的坚定捍卫。这份回响，将伴随我们继续前行。

图片来源：每经记者 李卓辉 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄