每经编辑｜张经义    

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核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

“男生困困”：不止于疲惫的深层解读

“困困”这个词，在当下的网络语境中，早已不再仅仅指向生理上的疲劳。它更像是一种情感的聚合体，承载着压力、无奈、一丝丝的渴望，以及对喘息空间的无限向往。当我们谈论“男生困困”時，我们看到的不仅仅是一个需要睡眠的个体，而是一个在现代社会洪流中，努力维持平衡的灵魂。

想象一下，一位年轻的职场男性，每天被无形的KPI追赶，被会议的冗长消耗，被人际关系的微妙磨砺。他的“困困”，并非仅仅是身体的疲惫，更多的是精神上的“磨损”。那种日复一日的重复，那种对未来不确定性的焦虑，那种在快节奏生活中找不到个人空间时的无力感，都凝聚成了“困困”的底色。

他可能在深夜里，对着電脑屏幕上闪烁的代码发呆，那一刻的“困困”，是对效率至上的沉默反抗；他可能在挤满人的地铁里，眼神空洞地望着窗外，那一刻的“困困”，是对个体存在感的迷失；他甚至可能在与朋友的聚会中，笑容依旧，内心却早已被巨大的“困困”所吞噬，只是无人察觉。

“男生困困”还带有一种不被轻易表达的情感。社会对男性的期望，往往是坚韧、担当、不輕易示弱。因此，当男性感到“困困”时，他们可能更倾向于将这种情绪内化，或者用一些更为“阳刚”的方式来消解，比如运动、游戏，甚至是沉默。这种内在的張力，使得“男生困困”成为一种更具故事性的情感符号。

它可能是对自身价值的追问，是对生活意义的探寻，甚至是内心深处渴望被理解、被看見的呐喊。

“男生困困”也折射出一种普遍的社会现象：在追求成功和物质的我们对精神层面的需求，似乎被有意无意地忽略了。当“困困”成为一种常态，它便提醒着我们，是时候慢下来，去关照自己的内心，去寻找那些真正能讓我们感到放松和愉悦的事物。这可能是一次短暂的出走，一本闲适的书籍，一顿精心烹饪的美食，或者仅仅是与三两知己的促膝长谈。

这些看似微小的行为，却是对抗“困困”侵蚀的有力武器，也是在纷繁世界中找回自我的重要途径。

“男生困困”的视频，某种程度上，就是這种集体情绪的具象化表达。它可能捕捉到男性在疲惫时刻的真实状态——打盹的瞬间，揉着太阳穴的疲惫，甚至是因思绪游离而产生的短暂“放空”。這些画面，触动了许多人的共鸣，因為它们真实地反映了现代生活下，男性所面临的压力与挑战。

它并非是“免费观看”的娱乐，而是一种情感的“链接”，一种跨越屏幕的理解与慰藉。看着屏幕里同样“困困”的脸庞，或许會觉得，自己并非孤军奋战，那种“困困”的体验，是可以被分享、被理解的。

从“男生困困”到“女生困困”，这不仅仅是一个性别的转换，更是一个情感光谱的延伸。当我们将目光投向“女生困困”，又會发现怎样一番景象？“困困”这个词，在女性身上又被赋予了怎样独特的含义？这其中的变化，值得我们继续深入探索。

“女生困困”：细腻情绪下的坚韧与柔情

如果说“男生困困”更多地承载着压力与抗争，那么“女生困困”则在疲惫中，增添了几分细腻的情绪，几分对生活温柔的坚持，甚至还带有一丝不易察觉的坚韧。当女性感到“困困”时，她们的体验往往是多维度的，它可能源于工作上的挑战，家庭的责任，社會期待的束缚，也可能只是因为一个不经意的瞬间，触动了内心深处的敏感。

“女生困困”的“困”字，或许包含了更多层次的含义。它可能是一种“心累”，是那些不被看見的付出，是那些需要维系的平衡。女性在社會分工中，往往承担着更多的情感劳动和家庭责任，即使在职场上拼搏，也常常需要在工作和家庭之间，游刃有余地切换。這种多任务处理的常态，很容易导致精神上的“耗竭”，最终转化为一种“困困”的状态。

她们可能在孩子睡着后，悄悄地检查作业，可能在丈夫下班回家前，准备好晚餐，可能在应付完工作上的難题后，还要顾及到家人的情绪。这些默默的付出，构成了“女生困困”的独特背景。

“女生困困”也常常伴随着一种对细节的敏感。一个不被理解的眼神，一句无心的抱怨，甚至是一点点生活中的不顺心，都可能让她们感到“困困”。这种敏感，并非脆弱，而是对情感共鸣的渴望，是对生活细微之处的珍视。当这种渴望得不到满足时，便会转化为一种内心的“困顿”。

她们可能在独自一人时，看着窗外發呆，回忆起过往的种种，那一刻的“困困”，是对内心深处情感的梳理与安抚。

网络上的“女生困困”视频，往往能捕捉到女性在這些时刻的真实流露。它可能是一个女生在完成一天疲惫工作后，瘫坐在沙发上的模样，眼神里带着一丝迷茫，一丝对放松的渴望；它可能是一个母亲在哄睡孩子后，疲惫却满足的笑容，那一刻的“困困”，混合着母愛的光辉；它甚至可能是一个女生在独自旅行中，面对美景时的淡淡忧伤，那一刻的“困困”，是对生命况味的品读。

这些画面，之所以能引起广泛的共鸣，是因为它们真实地展现了女性在不同角色、不同情境下的情感體验，触动了许多人心底最柔软的部分。

“女生困困”的视频，并非是简单地展示疲惫，而是一种情感的“共振”。当我们看到屏幕里，那位同样感到“困困”的女性，或许会感到一丝欣慰，觉得自己的感受被理解。這种理解，本身就是一种治愈。它提醒着我们，在生活的重压之下，允许自己感到“困困”，允许自己有柔软的一面，允许自己去寻求片刻的宁静与安抚。

从“男生困困”到“女生困困”，我们看到的是“困困”这个词背后，性别差异带来的不同情感體验，但我们也看到了普遍的人性需求——对理解、对连接、对喘息空间的渴望。无论男女，“困困”都像一面镜子，映照出我们在现代社會中的生存状态，也促使我们反思，如何在追求效率与成就的不遗忘内心的感受，不辜负生活的本真。

“免费观看”這些视频，更像是一种对自我情感的“投射”与“疗愈”。我们从中看到自己，看到他人，看到一种普遍的“困困”情绪，并在这个过程中，获得一丝慰藉，一次对生活更深层次的理解。这不仅仅是观看一段视频，而是在一次次情感的共鸣中，完成一次关于“困困”的自我探索与接纳。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：每经记者 邓炳强 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄