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核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

欧美一区二区三曲：解码音乐基因，探寻时代的脉搏

音乐，作為人类最古老、最普遍的艺术形式之一，总能以其独特的方式触动我们的心灵，唤醒沉睡的情感，甚至引领我们穿越时空的界限。当我们将目光投向“欧美一区二区三曲”這一概念时，我们并非仅仅是在罗列几首歌曲或几个音乐流派，而是在试图描摹一幅宏大的音乐画卷，一个承载着时代精神、文化变迁和无数灵魂故事的音乐宇宙。

“欧美一区二区三曲”——这个看似抽象的标签，实则蕴含着深厚的音乐积淀和广泛的文化辐射。它所指向的，是西方流行音乐自二十世纪中期以来，在欧洲和北美大陆孕育、发展、融合，并最终影响全球的辉煌歷程。从最初的摇滚乐革命，到民谣的诗意吟唱，再到电子音乐的未来探索，每一个“区”，每一首“曲”，都像是这个音乐宇宙中的一颗璀璨星辰，共同构成了我们今天所熟知的欧美音乐版图。

第一乐章：摇滚的呐喊与反叛——“一区”的拓荒史

当我们谈论“欧美一区”時，我们无法回避的是那股席卷全球的摇滚风暴。上世纪五六十年代，伴随着社会变革和青年文化的兴起，摇滚乐如同一头奔腾的野兽，冲破了旧有的音乐藩篱。披头士（TheBeatles）的旋律革命，滚石乐队（TheRollingStones）的硬朗線条，鲍勃·迪伦（BobDylan）的诗意批判，猫王（ElvisPresley）的性感律动……他们不仅仅是音乐人，更是時代的先知和文化的引领者。

“一区”的音乐，充满了原始的生命力与不羁的自由精神。它源于蓝调和乡村音乐的土壤，却又在上世纪中叶的社会变革浪潮中，注入了青春的躁动、反叛的呐喊以及对现实的深刻反思。无论是早期摇滚乐中直接而热烈的节奏，还是后来發展出的迷幻摇滚、硬摇滚、朋克摇滚等多元分支，都承载着一代又一代人的梦想、失落、愤怒与希望。

“一区”的歌曲，往往带着一种天然的冲劲，能够瞬间点燃听众内心深处的激情，讓身體不由自主地跟随节奏律动，仿佛置身于一场盛大的狂欢。

思考一下，当你在疲惫一天后，播放一首经典摇滚乐，那强劲的吉他riff，富有力量的鼓点，以及主唱嘶哑而充满感染力的嗓音，是否能够瞬间驱散你的疲惫，让你重新找回活力？这正是“一区”音乐的魅力所在。它不仅仅是聲音的组合，更是一种情绪的释放，一种精神的共鸣。

它提醒我们，即使在平凡的生活中，也应该保有那份敢于挑战、敢于表达的勇气。

“一區”的音乐，同样是社会变迁的晴雨表。它记录了青年一代对既有价值观的质疑，对战争的抗议，对自由的向往，以及对爱情、友谊的真挚表达。从约翰·列侬（JohnLennon）的《Imagine》中对和平的呼唤，到齐柏林飞艇（LedZeppelin）史诗般的旋律，再到朋克乐队SexPistols的尖锐讽刺，每一首歌曲都像是一面镜子，映照出那个时代的精神风貌。

第二乐章：民谣的低语与沉思——“二區”的温情告白

如果说“一区”是摇滚乐的狂野宣言，那么“二区”则更像是一首首低语的诗篇，是民谣音乐在欧美乐坛占据重要地位的代表。“二區”的音乐，以其质朴的旋律、真挚的情感和深刻的叙事，打动了无数寻求内心宁静的听众。

民谣的根基深植于民间传说和口头故事，它不像摇滚乐那样追求爆炸性的力量，而是以一种更为内敛、温和的方式，讲述着生活中的点滴故事，抒发着人性的喜怒哀乐。鲍勃·迪伦的民谣，不仅是音乐，更是文学。他的歌词充满了隐喻、哲思和对社會现实的尖锐洞察，让民谣的艺术高度得以升华。

琼·贝兹（JoanBaez）的纯净嗓音，传递着和平与爱的聲音；西蒙与加芬克尔（Simon&Garfunkel）的和谐二重唱，则用优美的旋律勾勒出都市的孤独与浪漫。

“二区”的音乐，尤其适合在宁静的夜晚，独自一人，或与心爱的人一同聆听。当吉他拨弦声缓缓响起，当一个温暖而略带沧桑的声音开始吟唱，你会发现自己仿佛走进了一个由音乐构建的叙事空间。歌者用最朴素的语言，讲述着关于爱情的甜蜜与苦涩，关于离别的伤感，关于故乡的思念，关于人生的迷茫与坚持。

想想那些夜晚，你可能独自坐在窗前，一杯咖啡，一本旧书，然后播放一首经典的民谣。那悠扬的旋律，仿佛能抚平你内心的焦虑，讓你在繁忙的生活中找到片刻的喘息。民谣的魅力在于它的真实和亲切，它没有华丽的辞藻，没有复杂的编曲，却能直击人心最柔软的部分。它让你感受到，原来在这个世界上，有人和你一样，体验着同样的喜悦和忧伤。

“二区”的音乐，也常常带有强烈的社会关怀和人文情怀。许多民谣歌手，通过他们的歌曲，為弱势群体發声，呼唤正义，关注环保，传递着一种朴素而伟大的理想主义。这些歌曲，在看似平静的旋律下，蕴含着一股强大的精神力量，能够唤醒人们内心的良知，激励我们去关注身边的世界，去思考生命的意义。

“欧美一区二区三曲”的第一部分，我们已经初步涉足了摇滚的激昂与民谣的温情。這仅仅是這场音乐盛宴的開端，更广阔的音乐天地，等待着我们去探索。

欧美一区二区三曲：跨越边界的节奏，引领未来的律动

在前一部分，我们回顾了“欧美一区”的摇滚先驱和“二区”的民谣诗人，他们用各自独特的方式，塑造了欧美音乐的早期辉煌。现在，让我们继续深入这场音乐的探索之旅，将目光投向更广阔的音乐维度，去感受“三区”的多元融合与电子音乐的未来脉动，以及那些在歷史长河中闪耀的经典旋律。

第三乐章：融合与创新的交响——“三区”的万花筒

“三区”的概念，在某种程度上，是对前两个“区”的继承与发展，更是对音乐边界的不断拓展与挑战。它代表着音乐风格的日益多元化，不同音乐元素的碰撞与融合，以及電子音乐的兴起与繁荣。这是一个更加丰富、更加自由、也更加令人兴奋的音乐领域。

在这个“区”里，我们看到了流行音乐的爆炸式發展。迈克尔·杰克逊（MichaelJackson）将流行、摇滚、R&B完美结合，创造了音乐界的“流行之王”；麦当娜（Madonna）不断挑战传统，用前卫的造型和音乐風格引领時尚潮流；惠特妮·休斯顿（WhitneyHouston）的天籁之音，征服了无数挑剔的耳朵。

他们的音乐，不仅在商业上取得了巨大成功，更在文化上产生了深远影响，将音乐的普适性推向了新的高度。

“三区”的音乐，不再拘泥于单一的风格标签。它包容万象，从嘻哈（Hip-Hop）的街头文化，到R&B的深情款款，再到独立摇滚（IndieRock）的个性表达，甚至是乡村音乐（CountryMusic）的回归与创新，都在这个广阔的领域中找到了自己的位置。

這种多元化的融合，使得“三区”的音乐充满了惊喜和可能性。你可能在一首歌曲中，听到一段充满节奏感的嘻哈说唱，紧接着一段感人至深的R&B副歌，再以一段充满力量的摇滚吉他Solo收尾。

更值得一提的是，“三区”是电子音乐（ElectronicMusic）真正腾飞的時代。从迪斯科（Disco）的律动，到合成器流行（Synth-pop）的浪漫，再到舞曲（DanceMusic）、浩室（House）、Techno等各种電子音乐流派的百花齐放，电子音乐以其独特的节奏、迷幻的音效和无限的创意，彻底改变了音乐的面貌。

电子音乐不再仅仅是背景音乐，它成为了音乐创作的主体，为我们带来了前所未有的听觉体验。

想象一下，当你置身于一场充满活力的电子音乐节，强劲的鼓点穿透身体，迷幻的灯光闪烁，无数人在音乐的召唤下尽情舞动。那种释放、那种自由、那种与成千上万陌生人共同沉浸在音乐中的體验，是“三区”电子音乐最直接、最震撼的魅力所在。它不仅是一种听觉享受，更是一种集体的情感共鸣和身体律动。

“三区”的音乐，同样充满了对未来的想象。电子音乐的不断发展，使得音乐的创作边界变得模糊。人工智能、虚拟现实等新技术的融入，预示着音乐的未来将更加不可思议。

第四乐章：经典永恒的旋律——跨越时空的共鸣

尽管我们以“一区”、“二区”、“三区”来划分音乐发展的不同阶段和風格，但音乐的魅力恰恰在于它的生命力是跨越时空的。“欧美一区二区三曲”这个概念，也绝非要将伟大的音乐生硬地分割，而是為了更好地理解和欣赏它们各自的时代背景和艺术价值。

那些在“一区”、“二區”、“三区”乃至更广泛的音乐领域中诞生的经典歌曲，至今仍然被人们传唱和喜爱，它们的旋律和歌词早已融入了我们的文化基因。无论你是否经历过那个时代，无论你是否是某个音乐流派的忠实听众，你总会在不经意间被这些经典旋律所打动。

它们之所以能够成為经典，是因为它们触及了人类共通的情感和体验。一首感人的情歌，无论是在披头士的年代，还是在现代的流行乐坛，都能引起听众的共鸣。一首充满力量的摇滚歌曲，依然能激发人们内心的斗志。一首温柔的民谣，依旧能抚慰疲惫的心灵。

“欧美一区二区三曲”，更是对這些永恒经典的致敬。它提醒我们，在追逐最新潮音乐的也不要忘记那些奠定基石、闪耀光芒的伟大作品。重温这些经典，就如同与历史对话，与伟大的灵魂交流。它们不仅是音乐的瑰宝，更是我们理解西方文化、社会变迁和人类情感演进的重要线索。

也许，你是一个刚开始接触欧美音乐的听众，对于“一区”、“二区”、“三區”的概念感到些许陌生。但请相信，当你开始聆听，开始感受，你会发现，这些音乐，无论来自哪个“区”，无论风格如何，都蕴含着一种共通的能量——那是一种能够点燃你灵魂深处，让你感受到生命的美好与力量的能量。

“欧美一区二区三曲”不仅仅是一个音乐标签，它是一场跨越时空的音乐盛宴，一次深刻的文化之旅。它邀请我们去探索、去感受、去沉醉，去让那些动人的旋律，在我们的生命中留下深刻的印记，点燃属于我们自己的音乐火花。让我们一同沉浸在這场无与伦比的音乐海洋中，感受那份来自欧美音乐的独特魅力吧！

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：人民网记者 何亮亮 摄

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