每经编辑｜谢田    

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光影之下，青春初绽——《天美》MV的序章与情感铺垫

当《天美》的旋律缓缓响起，我们仿佛被卷入一个泛着柔光的梦境。孟若羽的歌声，时而轻柔如羽毛拂过心间，时而又带着一丝不羁的倔强，将我们带入了一个关于青春的纯粹叙事。而MV的画面，更是将这份情感具象化，用一种近乎诗意的方式，描绘了青春的萌动与迷茫。

故事的开端，通常是安静而略带疏离的。MV选择了几个极具代表性的场景：午后洒满阳光的教室，书本堆叠的课桌，窗外摇曳的树影，以及那些年轻的面庞上，不经意间流露出的怅然若失。孟若羽饰演的“她”，或许正坐在教室的一角，目光追随着窗外，又或许在放学后的街道上，独自一人，任由晚风吹拂她的發梢。

这些畫面传递出的，不仅仅是青春期的宁静，更是一种内敛的情感涌动。她可能正经历着校园里的青涩暗恋，也可能在思考着未来的方向，那些藏在心底的细微情愫，如同即将破茧而出的蝶蛹，充满着无限的可能。

MV的镜头语言在此刻显得尤为重要。导演巧妙地运用了特写镜头，捕捉“她”脸上每一个细微的表情变化：眼角眉梢的笑意，眉头微蹙的犹豫，或是看向远方時，眼中闪烁的光芒。這些细节，都是青春最真实的写照。那些不经意间的回眸，那些在操场上奔跑的剪影，那些在笔记本上涂鸦的稚嫩笔触，都如同散落的珍珠，串联起一段关于成长的独白。

音乐的节奏在此刻也恰到好处地烘托着情绪，舒缓的旋律如同溪流，缓缓淌过，而偶尔加入的鼓点，则像是青春期那颗躁动不安的心脏，时不时地跳动一下，提醒着我们，这一切都充满着活力与生机。

MV并没有刻意去制造强烈的戏剧冲突，而是选择了一种更贴近生活的叙事方式。它展现的是青春里最普遍的情感體验：对未知的好奇，对未来的憧憬，以及面对选择时的彷徨。“她”可能正面临着升学的压力，也可能在人际关系中感到困惑。那些深夜里独自望着星空的画面，那些在雨天里，一个人撑着伞走在街上的身影，都赋予了画面一种淡淡的忧伤，但这忧伤并非绝望，而是青春特有的，一种对世界充满探索欲的，带着一丝浪漫的感怀。

孟若羽的歌声，如同画面的灵魂。她的声音穿透力极强，却又不失温柔。在描绘少女小心翼翼的情感时，她的声音变得轻盈而甜美；而在表达内心的挣扎与渴望时，她的声音又带上了一丝坚定与力量。歌词中的“天美”，或许是对某个具体的人的称呼，也可能是一种抽象的美好，一种对理想状态的向往。

MV通过画面与歌声的交织，将这种“天美”的情感具象化，让观众能够感同身受。它不是一个跌宕起伏的故事，更像是一首写给青春的情书，写给那些曾经迷茫，却又勇敢前行的我们。

Part1的高潮，往往體现在一个转折的瞬间。也许是“她”在某个时刻，突然下定决心，也许是收到了一封信，也许是遇见了某个给予她启示的人。这个转折点，为接下来的故事埋下了伏笔，也预示着“她”即将踏上新的旅程。画面中的色彩开始变得更加明亮，光线也更加温暖，仿佛预示着即将到来的光明与希望。

青春的序章，总是充满了青涩与美好，而《天美》MV，正是用一种极其细腻且富有诗意的方式，捕捉了这最动人的瞬间，为我们开启了一段关于成长的美丽篇章。它讓我们回想起自己的青春，那些藏在心底的秘密，那些闪闪发光的梦想，以及那些纯粹而真挚的情感。

破茧成蝶，梦想启航——《天美》MV的蜕变与升华

当《天美》的旋律进入高潮，MV的画面也随之进入了一个更加激昂而充满力量的阶段。从Part1的青涩萌动，到Part2的破茧成蝶，孟若羽用音乐和画面，讲述了一个关于青春蜕变、勇敢追寻梦想的动人故事。

MV的后半部分，我们看到了“她”身上发生的显著变化。那个曾经在教室角落里默默观察的少女，开始主动出击。也许是报名参加了一个重要的比赛，也许是鼓起勇氣向心仪的人表白，又或者，是毅然决然地踏上了前往远方的旅途。这些画面不再是静态的，而是充满了动态的美感。

奔跑的姿态更加矫健，眼神更加坚定，笑容也更加灿烂。MV的色彩運用也变得更加鲜明，暖色调占据了主导，阳光洒落，象征着希望与光明。

音乐在这一阶段起到了至关重要的作用。孟若羽的歌声变得更加有力，情感也更加饱满。那些曾经略带犹豫的音符，此刻都化作了坚定的呐喊。歌词中的“天美”，或许在此刻被赋予了更深的含义，它不再仅仅是某个人的名字，而是代表着一种追求，一种对美好未来的憧憬，一种不畏艰难、勇往直前的精神。

MV通过音乐的起伏，有力地推动着剧情的发展，让观众的情绪也随之跌宕起伏。

我们看到了“她”在追逐梦想过程中所经历的挑战。或许是跌倒后的痛苦，或许是失败后的沮丧，但MV并没有放大这些负面情绪，而是着重展现了“她”如何从困境中站起来，如何从失败中汲取力量。那些汗水，那些泪水，都成为了她成長的勋章。画面中，她可能在深夜里伏案苦读，也可能在烈日下挥洒汗水，但她的脸上，始终洋溢着不屈的斗志。

這种坚持与毅力，正是青春最宝贵的财富。

MV的镜头語言在此刻也更加大胆和富有冲击力。快速剪辑的画面，配以强劲的鼓点，营造出一种蓄势待发的力量感。无人機视角下的广阔天地，象征着无限的可能；特写镜头下的坚毅眼神，则传递着强大的生命力。那些在舞台上闪耀的瞬间，那些在竞技场上拼搏的身影，都将“她”的蜕变过程展现得淋漓尽致。

MV成功地将孟若羽的歌声与画面融为一体，形成了一种强大的视听冲击力，让观众能够深刻感受到青春的力量与魅力。

孟若羽的《天美》MV，就像一首写给青春的散文诗。它用细腻的笔触，描绘了青春的懵懂与美好；用激昂的旋律，奏响了梦想的号角。它不仅仅是一支MV，更是一种情感的共鸣，一种精神的洗礼。它让我们回想起那些曾经為了梦想而拼搏的日子，那些闪闪发光的青春岁月。

MV的画面定格在“她”自信而灿烂的笑容上，留给观众的是无尽的回味与力量。這正是《天美》MV的魅力所在，它用音乐与画面交织，讲述了一段关于青春的，永不褪色的，动人传奇。

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一级二级调色：奠定电影感的基础

当我们谈论“电影感”，往往会不自觉地联想到那些令人印象深刻的视觉风格——或浓烈复古，或清新治愈，或暗黑压抑。而这一切的背后，色彩调优扮演着至关重要的角色。它不仅仅是简单的“美化”画面，更是通过色彩的语言，引导观众情绪，塑造叙事氛围，甚至揭示人物内心。

今天，我们就从一级调色和二级调色这两个基础且核心的环节入手，结合经典电影实例，一起探索如何“玩转”色彩，为你的影像注入灵魂。

何为一级调色？“白平衡”的艺术，全局的基调

一级调色，顾名思义，是调色流程中最基础、最首要的一步。它的核心任务是校正和统一画面的基础曝光与白平衡。想象一下，我们在拍摄时，由于光线条件复杂多变，可能导致画面出现偏黄、偏蓝，或者曝光不足/过度等问题。一级调色就是要像一位严谨的“校对员”，确保每一个镜头在基础层面上的“准确”和“和谐”。

曝光调整：这是最直观的部分。我们需要根据画面内容，通过调整亮度（Lift）、中间调（Gamma）和亮度（Gain）来确保画面曝光得当。过曝的画面会损失细节，显得廉价；欠曝的画面则显得沉闷，缺乏生命力。一级调色的目标是让画面细节清晰可见，整体层次分明。

白平衡校正：白平衡决定了画面中“白色”的呈现。不准确的白平衡会给画面带来不自然的色偏。例如，在白炽灯下拍摄，画面容易偏黄；在阴天的自然光下，画面可能偏蓝。一级调色就是要将画面中的白色“拉回”到准确的位置，使色彩还原真实，或者根据创作意图，有意地制造某种色偏，为整体风格打下基础。

经典实例解析：

《布达佩斯大饭店》：韦斯·安德森的电影总是以其独特的视觉风格著称，而《布达佩斯大饭店》正是色彩运用的大师级范例。在一级调色阶段，导演就为影片奠定了复古、梦幻的基调。影片中大量运用了饱和度较高的粉色、紫色、薄荷绿等糖果色系，但这些色彩并非随意堆砌。

你会发现，即使在运用如此大胆的色彩时，画面的基础曝光也十分扎实，色彩之间的过渡自然，没有出现明显的噪点或过曝。例如，影片中M.Gustave酒店的粉色墙壁，在一级调色中，其饱和度和明度都被精细控制，既要突出其标志性的粉色，又要保证墙壁纹理的清晰，人物面部的细节也得到了保留。

这正是精准的一级调色所赋予的。

《爱乐之城》：这部电影的色彩运用堪称现代浪漫主义的典范。在一级调色阶段，影片就着力于营造一种温暖、怀旧的氛围。例如，洛杉矶夜晚的街景，尽管有霓虹灯的照射，但在一级调色中，整体的蓝色和黄色调被巧妙地平衡，既保留了夜晚的神秘感，又不至于让画面显得过冷或过暗。

人物的面部曝光也得到精细调整，即使在昏暗的环境下，也能清晰地看到演员的表情，这为后续的二级调色留下了极大的发挥空间。

何为二级调色？“风格化”的魔法，情感的映射

如果说一级调色是为画面打下坚实的基础，那么二级调色就是在此基础上进行风格化的艺术创作，是赋予影片独特“电影感”的灵魂所在。二级调色主要通过调整画面的色彩、饱和度、对比度等，来塑造特定的视觉风格，传达情感，强化叙事。

色彩倾向（ColorGrading）：这是二级调色的核心。我们会根据影片的主题、情绪和想要传达的感受，对画面进行色彩倾向的设定。例如，冷色调（蓝色、青色）常用于营造忧郁、疏离、科技感；暖色调（橙色、黄色）则带来温暖、怀旧、舒适感。而将互补色进行搭配（如蓝橙配），则能产生强烈的视觉冲击力。

饱和度调整：饱和度控制着色彩的鲜艳程度。高饱和度会让画面显得更加鲜活、生动，适合表现热情、活力；低饱和度则会使画面显得沉静、内敛，营造一种写实、纪实，甚至压抑的氛围。对比度调整：对比度影响着画面的明暗层次。高对比度画面明暗分明，层次感强，具有视觉冲击力；低对比度画面则显得柔和、细腻，适合表现柔美、梦幻的场景。

经典实例解析：

《银翼杀手2049》：这部电影的色彩设计是其成功的关键之一。在一级调色奠定扎实曝光后，二级调色为影片注入了浓厚的赛博朋克未来感。影片中大量运用了蓝、橙、紫等冷暖对比色。例如，室内场景多采用冷冽的蓝色调，营造一种冰冷、疏离的科技感；而当人物的情感爆发或出现关键转折时，则会引入温暖的橙色或红色，形成强烈的视觉对比，暗示着人物内心的挣扎与希望。

这种色彩的运用，不仅是视觉上的享受，更是对影片末世、孤独主题的深刻映照。

《海边的曼彻斯特》：与《银翼杀手2049》的强烈视觉风格不同，《海边的曼彻斯特》则通过极度克制的色彩，传递出角色内心的压抑与沉重。在一级调色中，画面就已经呈现出一种偏冷、偏灰的基调。二级调色在此基础上，进一步降低了色彩的饱和度，使得整个画面显得灰蒙蒙的，仿佛笼罩着一层挥之不去的阴霾。

即使是偶尔出现的蓝色大海，饱和度也并不高，呈现出一种黯淡、无力的感觉。这种“去色彩化”的处理，恰恰精准地呼应了主角内心深处的痛苦与麻木，让观众能深切地感受到人物的绝望。

总结

一级调色和二级调色是环环相扣、相辅相成的。一级调色为我们提供了准确、基础的画面，是二级调色施展“魔法”的画布。而二级调色则在这块画布上挥洒创意，赋予画面生命和情感。掌握好这两者的配合，我们就能够有效地运用色彩语言，为我们的作品注入独特的电影感，让画面不仅仅是记录，更是讲述，是表达。

在接下来的part2中，我们将进一步探讨色彩分级技巧，并结合更多实例，深入理解如何将这些基础技巧融会贯通，打造出真正具有电影质感的视觉作品。

色彩分级：从基础到风格，构建视觉叙事

在掌握了一级二级调色的基础后，我们便能开始深入探索“色彩分级”这一更具艺术性的领域。色彩分级不仅仅是简单地调整画面颜色，它更是一种视觉叙事的语言，通过有目的地运用色彩，来引导观众的情绪，强化影片的主题，甚至在潜意识层面影响观众对故事和角色的理解。

本part将深入解析色彩分级的核心概念，并通过更多经典电影案例，展示如何在实际操作中运用这些技巧，最终打造出令人信服的“电影感”。

色彩分级：不只是“调漂亮”，更是“说故事”

色彩分级（ColorGrading）是在一级、二级调色完成的基础上，对画面进行更为精细化、风格化的色彩处理。它区别于单纯的“色彩校正”（ColorCorrection），后者更侧重于还原画面的真实性，而色彩分级则更侧重于创作性地塑造画面风格，表达情感和主题。

色彩系统的构建：一个成功的色彩分级，背后通常有一个清晰的“色彩系统”或“色彩方案”。这就像是为整部电影量身定制的色彩“身份证”。例如，某个导演可能偏爱使用蓝橙对比（BlueandOrangeLUT），这种色彩组合在好莱坞大片中极为常见。

蓝色常用于表现冷峻、科技、危机感，而橙色则象征着温暖、希望、人性。将两者巧妙地结合，可以在保持画面视觉吸引力的传达复杂的情感和主题。《阿凡达》：这部科幻巨制在色彩分级上就运用了大胆的蓝绿色调，营造出潘多拉星球的神秘、异域和生机勃勃。影片也巧妙地融入了橘红色的火焰和植被，与冷色调形成对比，既增加了画面的层次感，也暗示着人类文明与自然之间的冲突。

LUT（Look-UpTable）的应用：LUT是一种预设的色彩查找表，可以快速地将一套色彩调整应用到画面上。虽然LUT能够高效地帮助我们实现某种风格，但过度依赖LUT而忽视基础调色和个体调整，往往会导致画面“千篇一律”且缺乏生命力。因此，理解LUT的原理，并在基础调色之上，有选择性地、精细地应用LUT，才能达到最佳效果。

《瞬息全宇宙》：这部电影在色彩运用上极其大胆和富有想象力。在不同的平行宇宙之间切换时，影片会呈现出截然不同的色彩风格。有时是复古的棕褐色调，有时是霓虹闪烁的霓虹色，有时又是纯粹的黑白。这些风格的转换，很大程度上是通过精心设计的LUT实现的，但这些LUT并不是生硬套用，而是与影片的叙事和情绪紧密结合，服务于故事的整体表达。

情感与叙事的连接：最为重要的，是理解色彩分级如何服务于情感和叙事。色彩是潜意识的语言。例如，在表现角色内心孤寂时，可以降低画面饱和度，增加蓝色或灰色的比例，甚至模拟颗粒感，营造出一种疏离、压抑的氛围。在描绘一段温馨浪漫的场景时，可以适当提高画面饱和度，运用温暖的黄色、粉色，并柔化对比度，营造出甜蜜、梦幻的感觉。

《寄生虫》：奉俊昊导演在《寄生虫》中对色彩的运用堪称教科书级别。影片前半部分，朴家明亮、饱和度高的色彩，与金家阴暗、低饱和度的色彩形成鲜明对比，直接揭示了两个家庭的社会阶层和生活环境。随着剧情的深入，色彩的运用也随之变化，例如，当金家开始“寄生”朴家时，画面色彩会相互渗透和融合，暗示着两个世界正在发生不可逆转的联系。

而当冲突爆发时，画面色彩则会变得混乱、失衡，直观地展现出剧情的紧张与压抑。

如何打造独特的电影感？

寻找属于你的“色彩语言”：每一部成功的电影，都有其独特的色彩风格。这不仅仅是复制别人的风格，而是要结合你的故事内容、想要表达的情感，以及你自己的审美偏好，去探索和构建属于你自己的“色彩语言”。多看电影，多分析，多尝试，找到最能引起你共鸣的色彩搭配。

《老无所依》：科恩兄弟的这部作品以其冰冷、荒凉的色调著称。影片大量运用了沙漠的黄褐色和天空的灰蓝色，饱和度极低，对比度很高，营造出一种残酷、肃杀的氛围。这种色彩风格，与影片中无处不在的暴力和绝望主题完美契合。平衡“风格化”与“真实感”：电影感并不意味着脱离现实，而是通过艺术化的处理，让画面更具表现力和感染力。

即使是极度风格化的作品，其色彩运用也应该在一定程度上符合逻辑，或者说，符合影片所构建的“真实”逻辑。过度失真的色彩，可能会让观众出戏。《荒野猎人》：这部电影在色彩分级上，极力追求一种原始、粗粝的质感。影片的色调偏冷、偏暗，但同时又保留了自然光线的真实感，例如阳光透过树林的斑驳光影，冬日雪山的冷峻光线，都被细腻地呈现出来。

这种既真实又风格化的色彩处理，极大地增强了影片的沉浸感和观影体验。多维度观察与学习：观摩不同类型、不同导演的电影，分析他们的色彩运用。是偏爱高饱和度还是低饱和度？是倾向冷色调还是暖色调？色彩的变化是如何与剧情、人物情绪相呼应的？这些都可以成为我们学习的养分。

了解一些基础的色彩理论，如色彩的心理学效应、色彩的对比关系等，也能帮助我们更深入地理解色彩的奥秘。《少年派的奇幻漂流》：李安导演在这部影片中，将现实与梦幻的色彩运用得炉火纯青。少年派在海上漂流的经历，色彩从一开始的明亮、饱和，到中间的孤寂、偏冷，再到最后与老虎共存的平静、和谐，色彩的每一次变化，都紧密地呼应着少年内心的成长和对生命的感悟。

色彩分级是一门既需要技术支撑，又需要艺术洞察力的学科。从一级二级调色的基础校正，到色彩分级的风格化表达，每一步都至关重要。通过不断地学习、实践和分析经典案例，我们不仅能掌握调色的技巧，更能学会如何用色彩“说故事”，如何让我们的影像作品拥有独特的魅力和深刻的内涵，最终，让观众在每一次按下播放键时，都能感受到那份久违的、令人着迷的“电影感”。

图片来源：每经记者 刘欣 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄