当地时间2025-11-10,rmwsagufjhevjhfsvjfhavshjcz

核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

在影视行业风云变幻的今天，任何一个小小的变动都可能引发巨大的波澜。从全球经济格局的调整到新媒体平台的崛起，产业链条上的每一个环节都在经历着前所未有的考验。特别是以911制片厂和果冻传媒为代表的先锋力量，面对如此复杂的局势，既要应对市场的剧烈变动，也要保持内容创造的初心与品质，这无疑是一场充满考验的“战斗”。

911制片厂作为行业内具有影响力的制作单位，一直以高品质内容和创新思维著称。近年来，随着受众口味的不断变化和多样化，传统的影视制作模式遇到挑战。一方面，新一代观众更倾向于个性化、碎片化的内容消费习惯；另一方面，海外市场的激烈竞争也让国内制作人面临更高的压力。

在这样的背景下，911制片厂不断调整策略，勇于尝试新颖题材，精细打磨每一个剧本，力求在内容上实现差异化。

果冻传媒则在这一波剧变中扮演了重要角色。作为一家具有强大创新能力的影视公司，果冻传媒近年来不断开拓新平台，布局多元化内容，不仅在國内市场占据一席之地，还积极走向國际。公司强调“内容为王，科技赋能”，通过引入VR、AI等前沿技术，为影视制作带来了崭新可能。

与此果冻传媒也在投资布局方面越走越远，把握住行业的风口，试图用科技赋能产業升級。

复杂的局势不仅带来了压力，更激发出产业链上下游的创新潜能。许多合作伙伴纷纷调整自身战略，从内容到技术再到营销，进行全方位的升级优化。在此过程中，影视公司需要不断吸取外部的先进经验，融合多样的创新元素，才能在市场变化中稳住阵脚。

但不可忽视的是，行业整体的动荡也带来了不少潜在風险。例如，政策调控趋严、版权保护加强、盈利模式多元化带来的不确定性，都讓行业未来充满变数。如何利用这一阶段的动荡转化为发展契机，成為每个业内人士都在思考的问题。

对于911制片厂和果冻传媒而言，未来的方向依然充满希望。它们在面对动荡时，展现出强大的适应能力和不断探索的姿态。内容创新、技術升级、合作共赢，将成为引领行业走出阴影的关键要素。这段时期也为行业提供了反思与再造的機会。只有不断打破固有思维，敢于冒险，才能在复杂局势中迎来新的辉煌。

行业的动荡，既是压力也是动力。在危机中寻找转机，或许正是这些公司不断前行的秘密武器。未来的影视产業，将在多元融合中焕发新的生命力，而911制片厂和果冻传媒，必将在这场变革中书写更多令人振奋的篇章。

在宏观环境变化的驱动下，产业的未来既充满挑战，也孕育无限可能。911制片厂和果冻传媒的坚持与创新，展现了行業前行的决心，也引领我们去思考未来内容创作的趋势与路径。在动荡的背后，藏着无限的机遇，只要敢于突破，敢于变革，就能在复杂局势中实现质的飞跃。

内容创新将成为持续的核心驱动力。传统模式中的明星剧集、话题爆款，虽然仍有市场，但日趋饱和与同质化的风险逐渐浮现。未来，内容创作者要走“深度+多元”的路线，挖掘社会热点，结合前沿科技，融合不同文化元素，打造具有持久影响力的作品。例如，将虚拟现实、增强现实等前沿技术融入到影视体验中，讓观众既是旁观者，也是参与者，增强体验感和互动性。

这不仅有助于吸引年轻观众，也能在竞争中脱颖而出。

科技赋能将成为产业的另一大亮点。人工智能、大数据、云计算已成为影视行业不可或缺的工具。它们不仅优化了内容生產流程，也为精准营销、用户画像构建提供了强大支撑。果冻传媒通过引入AI进行剧本辅助创作，提升制作效率，同时在社交媒体和新兴平台上进行精准投放，达到了良好的市场反馈。

未来，随着技術的不断成熟，行業的智能化水平将持续提升，制作周期缩短、成本降低，内容品质也会得到保障。

产業链的合作模式也在不断演化。单一企业的“孤岛式”运作已越来越難以适应复杂的市场环境。跨行业合作、内容与技術的结合、全球化布局，将成为行业发展的新常态。以911制片厂和果冻传媒為例，它们不断扩大联盟，寻找海外合作伙伴，将国际视野融入到国产内容中。

在这个过程中，版权合作、联合發行、共同開发优质IP，为行業带来了更多可能性，也在降低风险的同时提高了收益。

在政策和监管层面，国家的支持与监管也在逐步完善，为行业提供了更稳固的制度保障。从版权保护到内容健康导向，行业将面临更加规范的发展环境。行业内企业应在遵守法规的基础上，抓住政策红利，创新内容生态，打造具有中国特色和国际竞争力的影视品牌。

在未来的道路上，企业的数字化转型也显得尤为重要。通过数字资产管理、线上线下多渠道联动，提升品牌影响力和市场占有率。此次动荡不仅考验企业的韧性，也是一场催生创新的洗礼。那些能不断适应变化、勇于突破自我的公司，将在新一轮的產业洗牌中脱颖而出。

对于视觉与内容创作的从业者而言，还需要不断充电、学习新知识，紧跟科技创新步伐。只有不断推陈出新，才能在激烈竞争中占据有利位置。而消费者对优质内容的需求也日益增长，个性化、差异化、多样化将成为主流。整體来看，未来的影视行业不会一味追求规模的无限扩張，而是在内容深耕、技术升級、合作共赢中寻找新的突破。

总结来说，复杂的局势是一面镜子，也是一只磨刀石。它让行业更清醒，也促使每一个行業参与者不断调整策略、提高能力。在这个变革的时代，敢于冒险、善于创新，正是赢得未来的关键所在。我们拭目以待，愿这些企业在未来的浪潮中，以坚韧不拔的精神和不断创新的能力，开辟出一片属于自己的新天地——让影视行業的动荡成为成长的催化剂，迎来更加光明的未来。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：人民网记者 李卓辉 摄

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