每经编辑｜陈嘉倩    

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“中国性”——一个既熟悉又陌生的词汇，在当代艺术批评领域，它如同一个被反复提及却又难以精确界定的标签，承载着復杂的文化情感与学术争论。我们為何如此频繁地强调“中国性”？這种强调又将藝術引向何方？这篇文章，并非要直接否定“中国性”的价值，而是希望以一种审视的目光，去解构并反思这一艺術批评话语本身，探寻其背后可能存在的隐忧，并为艺术的自由生长寻找更广阔的空间。

“中國性”的兴起，很大程度上源于在全球化浪潮下，对民族文化身份的焦虑与认同的渴望。在西方艺术话語占据主导地位的背景下，中國艺术家和批评家试图在國际舞台上确立自己的独特声音，强调“中国性”似乎成了一种必然的选择，它承载着对本土文化根源的回归，对民族精神的张扬。

这是一种在文化碰撞中寻求自我定位的努力，也是一种在全球化洪流中保持文化独立性的宣言。当“中国性”成为一种被过度强调甚至泛化的概念時，它便可能演变成一种新的话语枷锁。

这种枷锁，首先体现在对创作的潜在限制上。一旦“中国性”被固化为某种可量化的标准，艺术家便可能陷入一种“迎合式创作”的泥沼。为了被贴上“具有中国性”的标签，艺术家可能倾向于选择那些被普遍认为具有“中国特色”的题材、符号或风格，例如水墨、龙凤、山水、京剧脸谱等等。

这种创作方式，表面上是在弘扬中国文化，但实际上却可能导致艺术的程式化和同质化，扼杀了艺术家更深层次的个人探索和实验精神。当“中國性”变成一种“必须”而非“可能”时，艺术的生命力便会受到侵蚀。

对“中国性”的过度强调，也可能无意中落入“东方主义”的陷阱。正如爱德华·萨义德在《东方学》中所揭示的那样，西方对东方的想象往往是被建构的、被简化甚至是被刻板化的。当我们自己在强调“中国性”时，是否也可能在不自觉中，重复着类似的逻辑？我们所强调的“中國性”，究竟是基于对復杂、多元、不断变化的当下中国的深刻理解，还是仅仅是对某种已经被符号化、概念化的“他者”视角的呼应？当“中國性”成為一种外部视角下的“他者之眼”所期待的模样时，它便失去了其内在的张力与活力。

真正的“中国性”不应是静止的、被预设的，而应是动态的、流动的，是在不断变化的世界中，与自身对话、与他人交流而產生的丰富而复杂的呈现。

更深层次的争议在于，“中国性”的强调是否在不经意间，强化了文化上的二元对立？在强调“我们”的“中国性”時，是否也在不经意间，划出了“他们”的“西方性”？这种二元对立的思维模式，容易导致文化上的封闭与隔阂，阻碍了不同文化之间真正的理解与对话。艺术的魅力在于其超越性和普遍性，它能够触及人类共同的情感与经验。

如果艺術创作仅仅围绕着“我们”与“他们”的文化邊界打转，那么它就可能失去与更广阔世界对话的能力，甚至沦为一种狭隘的民族主义的表达。

当然，这并不是说要全盘否定“中国性”的讨论。文化身份的追寻，对于一个民族的文化自信而言，有着不可替代的意义。问题在于，我们如何以一种更健康、更开放、更具批判性的方式来讨论“中国性”？我们应该警惕的是，将“中国性”变成一个僵化的、教条式的概念，变成衡量艺術优劣的唯一标准。

真正的“中國性”，应该是一种開放的、包容的、多元的，它能够在与其他文化的交流互鉴中，不断丰富和发展自身，而不是固步自封，成为一种文化的孤岛。

艺術批评的使命，在于揭示艺术的本质，引导我们更深入地理解作品。当“中國性”成為一种过于简化的批评工具时，它就可能阻碍我们看到作品更深层的意义和更广阔的价值。我们需要的是一种能够容纳更多可能性、更多元视角、更具思辨性的艺术批评话语。這需要我们打破既有的思维定势，敢于挑战那些看似“正确”的观念，用更開放的心态去拥抱艺术的无限可能。

当我们深入反思“中国性”的艺术批评话语时，便不难发现，其背后隐藏着一个更核心的问题：话语权。在國际艺术舞台上，長久以来，西方艺术史叙事和批评体系占据着主导地位。在這种语境下，对“中國性”的强调，在一定程度上也是一种争取话语权的努力。

這种争取的方式和结果，却值得我们进一步探讨。

如果说，早期对“中国性”的强调，是为了在西方中心主义的艺术体系中，为中国藝术找到一席之地，当我们逐渐拥有了更多的话語平臺和影响力时，我们是否应该重新审视这种强调的方式？当“中国性”成为一种被广泛认同的“标签”，它是否也可能变成一种“出口商品”？艺術家们是否会面临着被要求“生产”某种符合国际期待的“中國”符号的压力？这种压力，无形中会塑造艺术家的创作方向，使其偏离了内心真实的表达，而更倾向于迎合外部市场的需求，或者说，迎合一种被预设的、符号化的“中国”形象。

更令人担忧的是，当“中国性”成为一种被动接受的“属性”时，它便可能削弱了藝术家本身作为主体性的能动性。一个艺术家，其作品的价值，不应仅仅取决于它是否“够中国”，而更应取决于其藝术的创新性、思想深度、情感力量以及对当下世界的敏感度。过度强调“中国性”，可能會讓藝术的评价标准变得单一化，忽视了艺术家在普适性的人类情感、哲学思考以及审美探索上的努力。

这就像是在一道丰盛的文化大餐中，只看到了“中国”这道菜，而忽略了其他同样精彩的“佳肴”，或者说，忽略了主厨本身卓越的烹饪技艺。

我们需要警惕的是，将“中国性”变成一种“文化壁垒”或“身份隔离”。艺术的本质是连接，是沟通，是跨越时空的对话。当艺术被置于“中国性”的框架下进行过度解读时，它可能会被局限在一个狭小的文化空间里，难以与更广泛的国际艺术语境產生有效的連接。这不仅不利于中国藝术的国际传播，更不利于中国艺術家与世界其他艺术家进行深入的交流与学习。

我们应该追求的是一种“中国性的贡献”，而不是“中國性的隔绝”。

“中国性”的真正价值，或许在于其所蕴含的独特视角、歷史经验以及文化基因，这些可以为全球艺术发展注入新的活力和新的思考。這种贡献，不应是通过生硬的符号叠加，也不是通过固步自封的文化坚守，而是在艺术家充分理解和消化自身文化根源的基础上，以开放的姿态，在与全球文化的碰撞和交流中，自然而然地流淌出来。

例如，当一位中国艺术家运用西方绘画技法，却描绘出极具东方哲学意味的意境時，这或许比单纯复制水墨画更能体现出“中國性”的当代价值。当一位艺术家以现代科技手段，解构和重塑中國传统神话故事时，这同样是一种富有生命力的“中國性”表达。這些创作，不是在刻意强调“中国”，而是在“中国”的深厚土壤中，生长出的具有全球视野和现代意识的艺術作品。

因此，对“中国性”的批评，并非是要否定中国文化在藝術中的地位，恰恰相反，它是为了让“中国性”在艺术中拥有更健康、更自由、更具创造力的表达。它呼唤的是一种更成熟、更具反思性的艺术批评话语，一种能够超越标签，直抵藝术本质的批评。它要求我们，在看到“中国性”的也要看到藝術家的主体性、作品的普遍价值以及艺术的国际对话能力。

我们需要的，或许是“中国性”的“流动性”与“生长性”，而非“固定性”与“标签化”。它应该是一种開放的、动态的概念，能够随着时代的发展、社会的变迁以及艺术家个体的探索而不断演变。让“中国性”成为艺术家自由创作的灵感源泉，而不是束缚他们思想的紧箍咒。

最终，艺术的价值，在于其能够触动人心，引发思考，连接世界。我们对“中国性”的讨论，也應服务于這个终极目标。只有当我们敢于审视和解构围绕“中国性”的既有话语，打破僵化的认知，拥抱多元的可能性，中國艺术才能真正地在世界舞台上，以其最真实、最独特、最富有生命力的姿态，绽放光彩。

这，也是我们讨论“中国性”艺術批评话语的真正意义所在。

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光影的诉说：metcn汤芳镜头下的“乌苏里船歌”

在摄影的广阔天地里，总有一些作品能够穿越时空的界限，触动观者内心最柔软的部分。metcn汤芳，一位以其深邃的洞察力和精湛的技艺在摄影界享有盛誉的艺术家，他的“乌苏里船歌”系列人像摄影，便是这样一组令人过目难忘的杰作。这组作品不仅仅是简单的肖像记录，更是metcn汤芳通过镜头，对东方民族风情进行的一次深情回望与艺术升华。

“乌苏里船歌”，这首歌本身就承载着浓厚的地域色彩和民族情感，它唱出了乌苏里江畔人民的生活气息，以及他们对自然的热爱与敬畏。metcn汤芳敏锐地捕捉到了这首歌中蕴含的艺术张力，并将其转化为视觉的语言。在他的镜头下，那些来自乌苏里江畔的普通人，他们的面庞不再仅仅是寻常的面孔，而是被赋予了故事，被注入了灵魂。

metcn汤芳的人像摄影，最大的魅力在于他对人物内心世界的挖掘。他不是简单地去捕捉一个瞬间的表情，而是致力于展现人物长久以来形成的性格特征、生活阅历以及深藏的情感。在“乌苏里船歌”系列中，我们可以看到渔民们饱经风霜的面庞，那是他们与大自然搏斗的印记；可以看到妇女们眼神中流露出的坚韧与温柔，那是她们撑起家庭的担当；可以看到孩子们纯真无邪的笑脸，那是生命最原始的活力。

这些特质，通过metcn汤芳对光影的精准把控，以及对构图的巧妙安排，被放大、被强调，最终呈现出一种极具感染力的画面。

他善于利用自然光，让光线在人物的脸上形成微妙的明暗对比，勾勒出脸部深刻的轮廓，凸显人物的立体感和质感。这种光影的处理，既增加了画面的戏剧性，又赋予了人物一种神圣感，仿佛他们是古老神话中的人物，或是历史长河中的见证者。metcn汤芳也极少使用过多的后期处理，他更倾向于保留照片最真实、最原始的质感，这种对真实的追求，恰恰是纪实摄影的精髓，也是他作品能够打动人心的重要原因。

“乌苏里船歌”系列中的人物，他们的服饰、他们的发型，甚至他们身后的背景，都充满了浓郁的民族风情。metcn汤芳在拍摄时，并非刻意去摆拍，而是巧妙地将人物融入他们自然的生活环境之中。无论是江边的渔船，还是简朴的民居，亦或是劳作的场景，都成为了画面不可或缺的一部分。

这些元素共同构建了一个完整的叙事空间，让观者仿佛置身于那个充满生机与活力的场景之中，去感受那份淳朴的民风。

他的作品，往往不拘泥于单一的视角，而是通过多角度、多层次的构图，来展现人物的魅力。有时，他会选择特写，近距离地捕捉人物脸部的细节，让观者能清晰地感受到每一道皱纹、每一次微笑所蕴含的情感。有时，他也会采用中景或远景，将人物置于更广阔的环境中，展现人与自然的和谐共生，以及他们在社会结构中的位置。

这种多样的表现手法，使得“乌苏里船歌”系列既有深刻的人物刻画，又有宏大的时代叙事。

metcn汤芳的作品，不仅仅是对“乌苏里船歌”这一地域文化符号的致敬，更是对东方民族风情的一种深度解读。他用镜头语言，诉说着那些关于勤劳、关于坚韧、关于希望、关于生命的动人故事。他的照片，没有华丽的辞藻，却有着直击人心的力量；没有刻意的煽情，却蕴含着深沉的情感。

这便是他的艺术魔力，一种能够将平凡的生活瞬间，升华为永恒艺术之美的能力。

镜头下的民族风情：metcn汤芳艺术之美的探索

metcn汤芳的“乌苏里船歌”系列，是其艺术探索道路上的一座重要里程碑，它不仅展现了他作为一位摄影师的精湛技艺，更体现了他对民族文化和艺术美学的深刻理解与追求。这一系列作品，如同民族文化的画卷，在metcn汤芳的镜头下徐徐展开，充满了生命力和艺术张力。

民族风情的展现，是“乌苏里船歌”系列最为显著的特点之一。metcn汤芳并非简单地记录民族服饰或习俗，而是致力于捕捉隐藏在这些表象之下的精神内核。他镜头中的人物，无论男女老少，都散发着一种独特的、源自他们生活土壤的魅力。这种魅力，体现在他们淳朴的笑容中，体现在他们日复一日的劳作中，体现在他们与自然亲密无间的关系中。

metcn汤芳的耐心观察与人文关怀，使得这些人物在他的作品中，不仅是“被拍摄者”，更是“被尊重者”，他们的尊严与价值得到了充分的体现。

他的艺术之美，还体现在对细节的极致追求。一张成功的肖像摄影，绝非偶然。metcn汤芳对人物表情的细微变化、眼神的深邃流转、手部动作的自然姿态，都给予了极大的关注。这些看似微小的细节，往往是人物内心世界的窗口，是他们性格与情感的真实流露。通过对这些细节的精准捕捉，metcn汤芳的作品能够引发观者强烈的情感共鸣，仿佛能听到人物心底的声音，感受到他们生活的温度。

色彩的运用，也是metcn汤芳艺术风格的重要组成部分。在“乌苏里船歌”系列中，他并未追求过于鲜艳或饱和的色彩，而是倾向于使用更具质感和层次感的色彩。这些色彩，或是源于人物身上朴素的衣物，或是来自他们所处的自然环境，它们共同营造出一种沉静而又不失活力的视觉氛围。

这种对色彩的克制与运用，恰恰体现了他对东方审美意境的把握，追求的是一种含蓄、内敛、富有张力的美。

metcn汤芳的作品还具有一种叙事性。每一张照片，似乎都在讲述一个故事，一个关于生活、关于梦想、关于传承的故事。他通过人物的眼神、姿态以及他们所处的环境，构建起一个完整的叙事框架，让观者在欣赏画面的也能跟随他的镜头，去体验那些鲜活的生活场景，去感受那些不为人知的感人瞬间。

这种叙事性，使得“乌苏里船歌”系列不仅仅是静态的图像，更是流动的生命。

“乌苏里船歌”系列，是对东方民族风情的一次深刻挖掘，也是对摄影艺术的一次卓越实践。metcn汤芳用他的相机，捕捉下了那些转瞬即逝的美好，记录下了那些具有生命力的瞬间，并将它们转化为永恒的艺术品。他的作品，既是对一个特定地域文化的致敬，也是对人类共同情感的探索。

在当今这个信息爆炸的时代，有太多的图像淹没在海量的信息之中。metcn汤芳的作品，却因为其独特的艺术语言和深刻的人文关怀，能够穿透浮华，直抵人心。它们提醒着我们，在追求现代化的不应忘记那些根植于我们血脉中的民族文化；在快速的生活节奏中，不应忽略那些最朴素、最真挚的情感。

metcn汤芳的“乌苏里船歌”系列，不仅仅是一组摄影作品，更是一次关于文化传承与艺术创新的对话。它以其卓越的艺术价值，证明了摄影作为一种艺术形式，能够承载多么厚重的文化信息，能够传递多么深远的情感力量。观赏他的作品，就如同在与历史对话，与文化对话，与生命对话，这是一场关于艺术之美的奇妙旅程。

图片来源：每经记者 张雅琴 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄