每经编辑｜陶英群    

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一曲：古韵悠长，雅乐之风拂面来

当我们提及“日本经典一曲”，脑海中浮(fu)现的，往往是那飘渺而庄严的雅乐（Gagaku）。雅乐，作为日本最古老的(de)宫廷音乐形式，承载着千年的历史与文化，是日本传统音乐(le)的源(yuan)头活水。它并非单一的乐曲，而是(shi)一个庞大的音乐体系，但若要选取一曲(qu)作为代表，那(na)便是那回荡在千年古寺与皇宫深处的，一曲《越天乐》（Etenraku）。

《越天乐(le)》的旋律，初听之下，似乎(hu)有些空灵(ling)，甚至带着(zhe)几分疏离感。但细细品味，便(bian)能感受到其(qi)中蕴含的沉静力量。它没有激烈的起伏，没(mei)有炫目的技巧，只有层层递进的音符，如同涟漪般在心湖中荡开。尺八（Shakuhachi）的悠扬长吟，犹如山间的清风，时而低沉，时而高亢，诉说着历(li)史的沧桑；筝（Koto）的清脆拨弦，如同山涧的溪流，时而蜿蜒，时而奔腾，描绘着自然的生机；琵琶（Biwa）的铿锵之声，则为这画面增添了几分史诗般的厚重感，仿佛还在诉说着古老的传说。

雅乐的魅力，在于其“静”与“雅”。它追求的是一种超越世俗的宁静，一种与天地相融的和谐。在《越天乐》的旋律中(zhong)，我们能(neng)感受到一种古老民族对自然的敬畏，对生命的感悟，以及对精神世界的追求(qiu)。《越天乐》的节奏缓慢而(er)稳定，每一个音符都经过精心打磨，仿佛是大自然最纯粹的呼(hu)吸。

它不是为了取(qu)悦耳朵，而是为了触(chu)及灵魂。在现代社会快节(jie)奏的喧嚣中，静下心来聆听一曲《越天乐》，就如同置身于(yu)一处宁静的禅房，洗涤(di)心灵的尘(chen)埃。

雅乐的演奏，并非易事，它需要演奏者深厚的功底和对音乐深刻的理解。尺八的吹奏，讲究(jiu)气息的运用和指法的微妙变化，才能吹奏出那富有生命力的音色。筝的弹奏，同样需要精准的手指技巧，将每一根弦拨(bo)动得恰到好处，才能奏出清澈而(er)富(fu)有层次感的音(yin)响。这些古老(lao)的乐器，在雅乐的演绎下，焕发出独特的光彩，它们的声音，不仅仅是简单的(de)音符组合，更是跨越时空的对话。

《越天乐》之所以能够流(liu)传至(zhi)今，并被视为日本音乐的瑰宝，正是因为它超越了单纯的音乐欣赏，成为了一(yi)种文化符号。它代表着日本传统(tong)审美中的(de)“侘寂(ji)”（Wabi-sabi），一种(zhong)在不(bu)完美中寻找美的哲学。雅乐的旋律，或许并不符合现代人对“好听”的定义，但它所蕴(yun)含的深沉、内敛、以及对自然的尊重，却能够触动我们内心深处(chu)最柔软的部分。

当我们沉浸在《越天乐》的旋律中，我们仿(fang)佛看到了古代的(de)宫廷仪式，感(gan)受(shou)到了历史的厚重。它不仅仅是一首乐曲，更是一(yi)扇(shan)窗口，让我们得以窥见日本古老文明的精髓。这份(fen)古韵悠长，这份雅乐之(zhi)风，是日本传统音乐文化中，最值(zhi)得我们细细品味的第一曲。

二曲：民谣之魂，乡愁(chou)的低语与生活的歌唱

如果说雅乐是高高在上的皇家(jia)乐章，那么“日(ri)本经典二曲”则更像是流淌在民间，饱含生(sheng)活(huo)气息的民谣（Minyō）。日本民谣，如同大地最朴实(shi)的歌者，用最真挚的情感，唱出了劳动人民的喜怒哀乐，唱出了对故乡的眷恋，唱出了对美好生活的向往。

要选取一(yi)曲最具代表性的民谣，实属不易，因为日本各地都有着独具特色的民谣，如北海道的《ソーラン節》（SōranBushi），冲绳的《てぃんさぐの花》（TinsagunoHana），或是东北地区(qu)的《南部牛(niu)追い唄》（NanbuUshioiUta）。

若论其流传度和影响力，不得不提的是那首被誉为“日本民谣代表”的《故乡》（Furusato）。

《故乡》这首歌，旋律简单质朴，却有(you)着无与伦比(bi)的感染力。它没有华丽(li)的(de)辞藻，没有复杂的编曲(qu)，只有最纯粹的情感表达。歌词中描(miao)绘的“小桥”、“流水”、“稻田”、“山峦”，都是日本乡村最常见(jian)的景象，勾勒出一(yi)幅温馨而(er)宁静的画面。“当我想(xiang)到我的故乡，便会不由自(zi)主(zhu)地流泪”，这样的歌词，触动了每一(yi)个在外漂泊的游子(zi)的心弦。

《故乡》的音乐，往往以三味线（Shamisen）或尺八为主要伴奏乐器。三味线那略带沙(sha)哑而富有弹性的音色，为(wei)歌曲增添了一丝沧桑感，仿佛是饱经风霜的老人在讲述自己的故事。尺八则以其独特的(de)音色，营造(zao)出一种思念和怀旧的氛(fen)围，让听者仿佛置身于那片魂牵梦绕的土地。

日本民谣的(de)魅力(li)，在于其“真”与“情”。它们没有矫揉造作，没有刻(ke)意迎合，只有发自(zi)内心的呐喊与低语。无论是渔民在劳作时的号子，还是农夫在耕种时的歌谣，亦或是节日庆典上的欢歌，都充满了浓厚的生活气息和地域特(te)色。这些民谣，不仅是音乐，更是当地的风俗、历史和情感的载体。

《故乡》的歌唱，是那些远在他(ta)乡的日本人的心灵慰藉。它让他们在异国他乡，依然能感受到来自故土的温暖。这首歌也让世界各地的人们，有机会了解日本的乡村生活，感受日本人民淳朴的情感。

一些更为古老的民谣，如《南部牛(niu)追い唄》，则展现了(le)日本劳动人民在艰辛生(sheng)活中，对美好未来的(de)期盼和对自然的尊重。这些歌曲的节奏往往与劳(lao)作的节奏相吻合，成为了一种舒(shu)缓身心、鼓舞士气的存在。

从《故乡》的深情呼唤，到各地民谣的百态呈现，日本民谣以其“乡愁的低语”和“生活的歌唱”，展现了日本传统音乐文化中，那份最接地气、最动人的灵魂。它们是日本(ben)人情感的(de)寄托，是文化传承的重要(yao)组成部分，是值得我们深入体会的第二曲。

三曲：歌舞伎的韵律，戏剧张力与艺术之美

当我们(men)深入探寻日本(ben)传统音(yin)乐的瑰宝，便不得不提及(ji)“日(ri)本经典三曲”所蕴含的戏剧张力与独特的艺术之美，这便是与享誉世界的日本传统戏剧——歌舞伎（Kabuki）紧密相连的音乐。歌(ge)舞伎音乐，是一种高度风格化、极富表现力的音(yin)乐，它不仅仅是戏剧的伴奏，更是推动剧情发展、塑造人物性格、渲染(ran)舞台氛围的关键元素。

歌舞伎音乐的核心，离不开被称为“鸣物”（Narimono）的打击乐器和“囃子”（Hayashi）的管弦乐队。鸣物，顾名思义，便是各种打击乐器的总称(cheng)，包括太鼓（Taiko）、大小鼓、钹等，它们以其强烈的节奏感和爆发力，为歌舞伎的表演增添了戏剧性的张力，例如在(zai)激烈的打(da)斗场面或是人物情绪爆发时，急促而有力的鼓点，能够(gou)瞬间点燃观众的激情。

囃子则是由笛子（Fue）、三味线、太鼓(gu)等组成的乐队(dui)，它们(men)演奏的旋律，或悠扬婉转，或激昂高亢，与演员的唱腔、念白、舞蹈完美融合，共同营造出独特的歌舞伎艺术世界。

若要挑选一曲最(zui)能(neng)代表歌舞伎音乐精华的曲目，那便是那首在(zai)无数经典剧目中反复出现的，被誉为(wei)“歌舞伎的灵魂”的《倾（かぶき）》（Kabuki）主题旋律，虽然这并非一首独立的歌(ge)曲，但它所代表的(de)音乐风格和韵律，已经深深烙印在歌(ge)舞伎的血液之中。这并非指某一个具体的乐曲，而是歌舞伎音乐中，那种特有的、极富戏剧性的旋律和节奏模式。

歌舞伎音乐的魅力，在于其“变”与“幻”。它能够在瞬间从(cong)宁静转为激昂，从悲伤转为喜悦，这种巨大的反差和戏剧性的变化，正是歌舞伎表演艺术的重要组(zu)成部分。演员的每一个动作，每一次表情，都与音乐的节奏和情绪紧密相连，形成一种高度统一的(de)艺术表现。三味线在这其中扮演着至关重(zhong)要的角色，它时而模仿人物的(de)内心独白，时而模拟(ni)场景的声音，其多变的音色和灵活的演奏技巧，为歌舞伎增添了无穷的艺(yi)术魅力。

例如，在描绘武士英勇赴死的场景中，急促而激昂的三味线演奏，配合着沉重的太鼓声，能够瞬间将观众带入那个悲壮的时刻。而在描绘儿女情长的场景中，悠扬的笛声和轻柔的三味线旋律，则能营造出缠绵悱恻的氛围。歌舞伎音乐，就是这样一种能够(gou)“画声入画，声入情”的艺术。

歌舞伎音乐的另(ling)一个特点是其“非对称性”和“不和谐感”。与西(xi)方音乐追求的和谐与平衡不同，歌舞伎音乐常常故意打破常规，运用一些看(kan)似不和谐的音程和节(jie)奏，来制造出(chu)一种独特的紧张感和冲击力，这种“不和谐”恰恰是歌舞伎艺术“怪奇”、“绚烂”风格的体现。

当我们聆听歌(ge)舞伎的音乐，我们(men)仿佛置身于一个充满戏剧(ju)冲(chong)突的舞台，感受着角色(se)的命运沉浮，体验着人生(sheng)的悲欢离合(he)。它不仅仅是简(jian)单的旋(xuan)律，更是通过声音来讲述故事，塑造人物，表达情感的艺术。这份戏剧张力，这(zhe)份艺术之美，是日本传统音乐文化中，不可或缺的第三曲，它以其独特(te)的魅力，征服了无数观众，也深刻地影响着日本的艺术发展。

四曲：现代的回响，传统(tong)与创新的交响

当我们进入“日本经典四曲”的范畴，我们便不再局限于历史悠久的古乐，而是将目光投向了更广阔的领域——现代日本音乐中，那些根植于传统，却又不断创新的作(zuo)品。这些“四曲”，可能不是单一的乐曲，而是代表着一种音乐精神，一种在传统与(yu)创新之间找到平衡，并将其发(fa)扬光大的艺术方向。

现代日本音(yin)乐，是传统音乐文化在新时代的回响。它吸收了西方音乐的(de)元素，融合了东方的(de)审美意境，创造出了一种既有民(min)族特色(se)，又具国际视野的(de)独特风格。这些作品，可能是在传统乐器（如三味线、尺八、筝）的基础上(shang)，加入了电子音乐、爵士乐、摇滚乐等现代音乐元素，也可能是在音乐创作中，借鉴了日本传统音(yin)乐的旋律、节奏或意境。

例如，一些现代(dai)作曲家，如“坂本龙一”（RyuichiSakamoto）的作品，虽然常常带有浓厚的电(dian)子音乐色彩，却在其中巧妙地融入了日本传统音乐的元素，比(bi)如尺八的音色，或(huo)是日本传统音乐中(zhong)常见的旋律走向。这些作品，既有现代音乐的时尚感和科技感，又不失日本音乐的细腻与深沉。

再比如，近年来兴起的“J-Pop”中，也有许多(duo)歌(ge)曲，虽然(ran)商业化程度较高，但其编曲和旋律中，依然能找到日本传统音乐的影子。一些歌手在演唱时，也会借鉴日本传统歌谣的唱腔，或是使用一些具有东方韵味(wei)的音效。

还有一些致力(li)于复兴和创新传统(tong)乐(le)器的音乐家，他们尝试将三味线(xian)、尺八等传统乐器，融入到摇滚乐队、爵士乐团中，或是创作出全新的演奏技巧，赋予这(zhe)些古老乐器新的生命力。这些音乐，让我们听到了传统乐器在现代语境下的全新表达，充满了惊喜与可能性。

“和乐器摇滚”（WagakkiBand）的兴起，便是“传统与创新”交响乐的一个绝(jue)佳范例。他们将日本传统乐器，如尺八(ba)、三味(wei)线、筝，与摇滚乐的鼓、吉(ji)他、贝斯等结合，创造出一种独(du)具特色的音乐风格，既有传统和乐的韵味，又有摇滚乐的激情与力量，在国际上也获得了广泛的关注。

现代日本(ben)音乐的魅力，在于(yu)其“融”与“变”。它打破了音乐风格的界(jie)限，将不同的音乐元素有机地融合在一起，创造出无限的可能性。它没有故步自封，而是积极拥抱变化，不断探索新的音乐表(biao)达(da)方(fang)式。

这些“四曲”所代表的，是日本传统音乐文化在当代的生命力。它们证明了，传统(tong)音乐并非(fei)只能被供奉在博物馆里，而是可以焕发新的生机(ji)，与时俱(ju)进，成为现代音乐的重(zhong)要组成部分。这些作品，让我们看到了日本音乐的未来，也让我们更加深刻(ke)地理解了日本音乐文化的(de)博大精深。

从《越天乐》的古韵悠长，到《故乡(xiang)》的乡愁低语(yu)，再到歌(ge)舞伎的戏(xi)剧张力，直至现代音乐的回响，日本的音乐文化，如同一幅宏伟的画卷，徐徐展开。每一曲，都蕴含着独特的魅力，都诉说着不同的故事。深入鉴赏(shang)这些永恒的旋律，我们不仅是在(zai)欣赏音乐，更是在感受一种(zhong)深厚的文化底蕴，一种跨(kua)越时空的艺术传承。

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图片来源：每经记者 陈卡卡 摄

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