每经编辑｜张经义    

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水墨之魂，时代之歌：张修雨“水上阁楼”的意境重塑

2007年的夏末，当一股清新的藝术之风悄然拂过，位于城市边缘、别具一格的水上阁楼，成為了一个灵动的文化坐标。在这里，艺术家张修雨以其独具匠心的“水上阁楼2007艺術展”向世人揭示了当代水墨艺术的崭新面貌。此次展览的主题——“精彩呈现当代水墨，探索空间与意境的”，不仅是对艺术形式的精准概括，更是对张修雨创作理念的一次深刻注解。

它预示着，我们即将进入一个不再拘泥于宣纸方寸之间，而是将笔墨的灵魂注入更广阔空间，并赋予其前所未有的意境维度的艺术场域。

张修雨，這位在当代水墨界已然崭露头角的艺術家，此次展览无疑是他艺术探索历程中的一个重要里程碑。他没有选择安于传统水墨的温婉与含蓄，而是以一种近乎叛逆的姿态，将水墨的“墨”与“水”進行了颠覆性的重塑。在“水上阁楼”这个充满诗意的空间里，张修雨的作品仿佛获得了新的生命。

那些泼墨、积墨、破墨的技法，在新的语境下被赋予了更為鲜活的張力。笔触的飞白，不再仅仅是技巧的展示，而是化为风的低语、水的脉动；色彩的晕染，不再局限于单一的层次，而是如同情绪的潮汐，在画面中起伏跌宕。

展览的核心，便是“空间”与“意境”的二元探索。传统的中国水墨画，往往将“意境”视为最高追求，它是一种“言有尽而意无穷”的东方美学。如何在這个快速变化的时代，让水墨的意境焕发新生，触及当代人的心灵，张修雨给出了他的答案。他打破了画框的束缚，讓笔墨的流动感超越了二维平面，延伸至观者所处的物理空间。

在“水上阁楼”这个本就虚实相生、移步换景的艺术空间中，张修雨的作品与环境融为一体，形成了一种更为立体、沉浸式的观展体验。

他的画作，不再仅仅是挂在墙上的二维图像，而是成为空间中的“风景”。当观者漫步于展厅，目光所及之处，皆是墨色淋漓，意象万千。有时，山峦的层叠仿佛从画纸中倾泻而出，让你感觉自己置身于云雾缭绕的山谷；有时，几笔勾勒的枯枝，却能在水面上投下婆娑的倒影，营造出一种空灵寂寥的禅意。

这种对空间的拓展，不仅仅是物理上的，更是心理上的。张修雨的作品引导观者打破了“看画”的习惯性视角，转而進入到画面的“呼吸”之中，去感受那份由墨色、留白、线条共同构建的呼吸空间。

“意境”的探索，则更为大胆和精妙。张修雨的作品，没有明确的山水，也没有具象的人物，但却处处充盈着东方哲思的韵味。他笔下的“空”，并非是空无一物，而是“气”的充盈，是“神”的流动。那些留白之处，蕴含着无限的想象可能，如同音乐中的休止符，其意义甚至大于旋律本身。

观者在面对这些作品时，会被引导去填补画面留下的空白，用自己的情感、记忆和哲学思考，去完成作品的“意”。他巧妙地运用了墨色的浓淡枯湿，营造出不同的情绪氛围，从沉静的哲思，到激昂的生命力，再到一种难以言喻的神秘感，都通过其对水墨媒介的精湛運用得以淋漓尽致地展现。

“水上阁楼”本身，作為展览的载体，也与作品产生了奇妙的化学反应。建筑的结构、光影的变幻、甚至远处传来的一丝水声，都成为了作品不可分割的一部分。张修雨的作品，并非孤立的存在，而是与“水上阁楼”这个充满诗意的场域相互渗透，相互成全。他似乎在说，艺術的边界并非是固定的，它可以与环境对话，与观众互动，从而创造出一种更为动态、更为个性化的藝术體验。

在这个充斥着快节奏和碎片化信息的时代，张修雨的“水上阁楼2007艺术展”如同一次心灵的洗礼。他用当代水墨的方式，重新激活了我们对东方美学的感知，让我们在纷繁的世界中，找到一处可以安放灵魂的宁静港湾。他的作品，是“水”的灵动，是“墨”的深沉，更是艺术家不懈探索与创新的时代回响。

它们不仅精彩地呈现了当代水墨的可能性，更引领我们深入探索那片由笔墨构建的，无限延伸的空间与意境。

笔墨新语，空间交响：张修雨藝术展中的“意”与“形”的对话

步入“水上阁楼2007艺术展”，我们首先被卷入的是一种既熟悉又陌生的氛围。熟悉，是因為那中国水墨独有的笔触与墨韵；陌生，则源于張修雨对这些传统元素的解构与重塑，它们被赋予了前所未有的当代视角和空间张力。本次展览的主题——“精彩呈现当代水墨，探索空间与意境的”，如同一个精心设计的入口，引导观者進入艺術家构建的视觉迷宫。

在这个迷宫中，笔墨不再是二维平面的符号，而是成为连接物理空间与精神意境的桥梁。

张修雨的艺术实践，始终围绕着“当代水墨”的核心概念展開。他并非简单地将传统技法搬演，而是深刻理解其精神内核，并在此基础上进行大胆的创新。他深知，水墨的生命力在于“写意”，在于“气韵生动”。如何让这份“写意”在当代语境下更具感染力，如何让“气韵”在新的空间维度中得以延续，成为了他探索的关键。

在“水上阁楼”这个充满流动性和反思性的空间里，张修雨的作品与环境形成了完美的共振。

他对于“空间”的探索，體现在多个层面。是作品本身的“视觉空间”。他的画作，常常打破了传统构图的严谨，笔墨的走向自由奔放，仿佛在畫布上跳跃、旋转。留白的处理更是别具一格，不再是单纯的空白，而是被赋予了呼吸感和延展性。这些留白如同声音中的休止符，引导观者在视觉的间隙中进行想象，从而扩展了画面的深度与广度。

这种处理方式，使得作品在视觉上充满了动态感，仿佛能够渗透到观者的感知之外，延伸至更广阔的未知空间。

是作品与“展览空间”的互动。张修雨巧妙地利用了“水上阁楼”的独特地形与建筑特点。作品的陈列方式，不再是简单的并列，而是与建筑的结构、光影的流转、甚至水面涟漪的反射相互呼应。有时，一幅泼墨淋漓的山水，其墨色变化与水面波动形成一种奇妙的呼应，仿佛山水真实地倒映在水中，虚实相生，意境倍增。

这种将作品融入环境的策略，极大地丰富了观展体验，使得观众不仅仅是在“观看”藝术品，更是在“经历”一场沉浸式的艺术事件。

更深层次的，是他对“精神空间”的营造。張修雨的水墨，充满了哲学意味。他笔下的“山”，并非具象的山峦，而是山之精神；他笔下的“水”，并非静止的水面，而是水的流动与生命的活力。这些抽象而又富有诗意的意象，触及了中国传统文化中“天人合一”的思想，以及现代人内心深处的某种渴望。

他用笔墨的“意”去引导观者的“思”，去唤醒观者内心深处的情感共鸣。在“水上阁楼”这个本身就带有东方诗意的场所，这种精神空间的营造显得尤為动人。

“意境”的探索，是張修雨艺术的灵魂所在。他并非直接描绘景物，而是通过笔墨的意象，传达一种超越视觉的情感和哲思。他的作品中，常常有一种“空”的存在，但这并非是虚无，而是“妙有”。这种“空”容纳了萬物，包含了无限的可能性，它让观者在宁静中进行思考，在静默中体会生命的律动。

他笔墨的干湿浓淡，色彩的虚实变化，共同编织出一种独特的东方韵味，这种韵味既有古典的醇厚，又有当代的锐气。

观者在面对张修雨的作品时，会被引导進入一种“观物之‘心’”的境界。作品的“形”固然重要，但更重要的是作品所传达的“意”。艺術家通过对“形”的颠覆与重塑，是為了更好地传达“意”。这种“意”是流动的，是多义的，它因观者的不同而呈现出不同的面貌。在“水上阁楼”這个如梦似幻的空间里，这种“意”似乎更加浓郁，更加容易被感知。

张修雨的“水上阁楼2007艺術展”，不仅是一次艺术的展示，更是一次关于中国水墨未来发展方向的深刻探讨。他以当代的水墨语言，回应着时代的需求，连接着传统与未来。他以其独特的视角，将笔墨的邊界向外拓展，将意境的维度向内深化。这场展览，如同一首无声的交响乐，用黑白灰的語言，奏响了空间与意境的華美乐章。

它精彩地呈现了当代水墨的无限可能，也邀请每一位观者，在墨色的流转中，找到属于自己的那片精神天空，体验那份超越时空的深远意境。

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part1:艺术的温度：连接古今的生命脉搏

人类文明的长河中，人文艺术始终是那条最温柔、也最深刻的脉络，它以最直接的方式触碰我们的心灵，让我们得以窥见前人的喜怒哀乐，感受跨越时空的生命律动。从洞穴壁画的粗犷线条，到埃菲尔铁塔的浪漫曲线；从《诗经》的质朴吟唱，到莎士比亚十四行诗的深情呢喃；从古希腊雕塑的和谐比例，到梵高的炙热笔触——艺术，始终是人类情感与思想最生动的载体。

想象一下，当你漫步在卢浮宫，面对蒙娜丽莎那神秘的微笑，是否会感受到达·芬奇在几个世纪前投射过来的凝视？那微笑背后，是怎样一段不为人知的思考？同样，当你读到李白“飞流直下三千尺，疑是银河落九天”的诗句，脑海中是否会浮现出瀑布的壮阔，感受到诗人胸中的豪情万丈？这便是艺术的魅力，它能够打破时间和空间的限制，让古人的生命温度，穿越千年的时光，温暖我们的当下。

人文艺术并非高高在上的殿堂，它就藏在我们生活的方方面面。清晨，你听到鸟儿的歌唱，那或许是自然最纯粹的音乐；傍晚，你看到晚霞的绚烂，那是大自然最磅礴的画卷。而当人类的双手和智慧介入，艺术便有了更多的形态。一曲悠扬的旋律，能抚慰疲惫的心灵；一部感人至深的小说，能让我们在他人的故事中找寻自我的影子；一件精美的瓷器，凝聚了匠人的心血与对极致的追求；一座巍峨的建筑，承载了时代的审美与技术的高度。

在西方艺术史上，文艺复兴时期无疑是一个黄金时代。达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔，这些名字至今仍闪耀着光芒。他们不仅是技艺超群的艺术家，更是思想家、科学家。他们对人体的解剖、对光影的运用、对透视法的探索，都极大地推动了艺术的发展。他们的作品，如《最后的晚餐》、《大卫》雕像、《西斯廷教堂天顶画》，无不展现了对人性的深刻洞察和对神圣之美的追求，它们至今仍是人类艺术宝库中的瑰宝，激发着无数后人的灵感。

而在东方，同样有着源远流长的艺术传统。中国的书法，不仅仅是文字的书写，更是线条的舞蹈，情感的抒发。从王羲之的《兰亭集序》的行云流水，到颜真卿的《祭侄文稿》的激昂慷慨，每一笔都蕴含着书写者的性情与时代的气息。中国的绘画，如水墨山水，讲究“以形写神”，通过留白与意境，传达出人与自然的和谐统一，充满了东方哲学式的宁静与哲思。

而日本的浮世绘，则以其鲜明的色彩和细腻的笔触，捕捉了江户时代市井的风情，如葛饰北斋的《神奈川冲浪里》，充满了动感与生命力。

人文艺术的核心，在于“人”。它关注人的情感，人的思想，人的生存状态，以及人与世界的关系。艺术品之所以能够打动我们，正是因为它触及了我们内心深处最柔软的部分，唤醒了我们共通的情感体验。当我们欣赏一件艺术品时，我们不仅仅是在看“它”，更是在与“它”背后的创作者、以及它所代表的时代进行对话。

这种对话，让我们更加理解自己，理解他人，理解这个世界的多样性与丰富性。

艺术的温度，体现在它能够连接我们与历史的脐带。历史书本上的文字是冰冷的，而一件承载着历史印记的器物，一首传唱千年的歌谣，一段流传至今的舞蹈，则能让我们真切地感受到历史的温度，仿佛穿越时空，与先人面对面交流。正是这些人文艺术的载体，让历史不再是陈旧的档案，而是鲜活的生命故事，让我们在其中汲取智慧，反思过往，更好地走向未来。

艺术的深度：启迪智慧，重塑认知

人文艺术的价值，远不止于情感的慰藉和历史的回响，它更是一把开启智慧之门的钥匙，能够启迪我们的思维，拓展我们的视野，甚至重塑我们的认知。艺术的创作过程，本身就是一种深度思考与探索。艺术家在面对世界时，会用独特的视角去观察、去解读、去表达，而他们的作品，则会引导观者进行同样的深度思考。

现代社会，信息爆炸，节奏飞快，我们常常陷入碎片化的认知模式。而人文艺术，恰恰提供了一个让我们慢下来、沉浸下去、进行深度思考的绝佳契机。一部结构精巧的小说，会引导我们跟随人物的命运，体验人生的起伏，理解复杂的人性；一部充满象征意义的电影，会引发我们对社会、对政治、对道德的思考；一首意境深远的诗歌，会让我们在字里行间品味生命的哲理。

例如，卡夫卡的《变形记》，看似荒诞不经，却深刻地揭示了现代人在异化社会中的生存困境。主人公格里高尔变成一只甲虫后，不仅身体发生了巨变，他与家人、与社会的联系也随之断裂，这引发了我们对个体价值、家庭责任以及社会冷漠的深刻反思。再比如，乔治·奥威尔的《1984》，通过对极权主义社会的描绘，让我们警惕权力对自由的侵蚀，并思考“真实”的边界。

这些文学作品，用艺术的形式，提出了关乎人类命运的终极问题。

在视觉艺术领域，抽象表现主义的出现，便是一场对传统艺术形式的颠覆。杰克逊·波洛克将颜料泼洒、滴甩在画布上，看似随意的创作，实则蕴含着艺术家对内心世界和生命力的探索。观者面对这样的作品，不再需要去辨认具体的形象，而是需要调动自己的感官和想象力，去感受画面的节奏、色彩的张力，去体悟艺术家想要传达的某种情绪或状态。

这是一种全新的观看方式，也是一种思维的解放。

人文艺术也是我们理解不同文化、不同文明的重要窗口。当我们去欣赏非洲的木雕，印第安的图腾，或者中国的戏曲时，我们不仅仅是在欣赏其形式之美，更是在试图理解其背后所承载的文化基因、宗教信仰、社会结构。这些艺术形式，是特定文化群体在漫长历史中形成的独特表达方式，它们反映了该文化群体对世界、对生命、对宇宙的理解。

通过接触和理解这些不同文明的艺术，我们能够打破固有的思维定势，培养更加开放和包容的国际视野。

现代科技的飞速发展，也为艺术的创新提供了无限可能。数字艺术、交互艺术、虚拟现实艺术，这些新兴的艺术形式，正在以前所未有的方式挑战着我们对艺术的定义。它们模糊了创作者与观者的界限，让艺术体验变得更加个性化和沉浸化。例如，一些VR艺术作品，能够让观众“走进”画作，与画面中的元素进行互动，这种体验是传统艺术所无法比拟的，它开启了人类感知艺术的全新维度。

更重要的是，人文艺术的价值在于它能够激发我们的创造力。艺术的本质是创造，而创造力是人类最宝贵的财富之一。当我们沉浸在艺术的世界里，接触到各种奇思妙想、大胆的表达方式，我们的思维也会变得更加活跃，想象力也会被无限激发。无论是学习一门乐器，尝试写作，还是仅仅是欣赏一部优秀的艺术作品，都能在潜移默化中提升我们的审美能力，丰富我们的精神世界，并最终转化为解决问题、创新突破的内在动力。

在这个日益功利化的时代，人文艺术或许显得“无用”，但恰恰是这种“无用之大用”，让它成为我们保持人性、保持思考、保持情感温度的关键。它们是通往内心深处的一条幽径，是点亮生命智慧的一盏明灯，是连接人类共同情感的一座桥梁。让我们珍视并拥抱人文艺术，让它们的低语，成为我们生命中最动听的旋律；让它们的光芒，照亮我们前行的道路，使生命更加丰盈，更加璀璨。

图片来源：每经记者 彭文正 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄