每经编辑｜叶一剑    

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“gogogo大但”：重塑艺术评价的话语權，拥抱多元视角的时代浪潮

在波澜壮阔的当代藝术画卷中，如何理解、评价和欣赏作品，始终是一个引人深思的命题。“gogogo大但”艺术评价體系，如同破晓的晨光，正以其独特而深刻的视角，引领我们穿越纷繁的艺术现象，抵达其核心肌理。“gogogo大但”并非一个僵化的教条，而是一个开放、动态的评价框架，它倡导的是一种“大但”的胸怀——既要“gogogo”地向前探索，拥抱创新与未知，又要“大但”地去理解与包容，认识到艺术的丰富性与复杂性。

這个体系的核心，在于其对“多元视角”的极致追求。

传统的艺術评价往往囿于单一的审美标准或历史叙事，容易将藝术创作框定在预设的轨道。“gogogo大但”则毅然决然地打破了这一藩篱。它认识到，一件艺术作品的诞生，是艺術家个体经验、时代精神、文化土壤、甚至技术媒介等多重因素交织作用的结果。因此，评价一件作品，就不能仅仅从“好不好看”这样的表面功夫入手，更需要深入其背后，挖掘其蕴含的社会意义、情感张力、思想深度以及对人类生存状态的叩问。

“gogogo大但”所倡导的“多元视角”，首先体现在它对不同藝术形式和媒介的开放态度。无论是传统的绘画、雕塑，还是新兴的数字藝术、装置艺术，亦或是行为艺术、观念艺术，它们都应被置于同等的评价场域。这意味着，我们不能以油画的标准来衡量行为藝术的短暂性，也不能用古典雕塑的精致来要求大地艺术的宏大叙事。

每一种藝术形式都有其独特的語言和表达逻辑，“gogogo大但”鼓励我们去学习和理解这些語言，而不是用一种固化的思维去审判。

“多元视角”体现在对不同文化背景和价值体系的尊重。“当代艺术”本身就是一个全球化的概念，它不再是西方艺术的專属领域，而是世界各地艺术家共同参与的文化对话。一件来自东方的艺术作品，可能蕴含着深厚的哲学思想和宗教情怀；而一件来自非洲的藝術品，可能承载着古老的部落记忆和生命仪式。

“gogogo大但”评价体系，要求评价者具备跨文化的视野，能够理解并欣赏不同文化语境下的艺术表达，避免以西方中心主义的视角去解读和定性。

更重要的是，“gogogo大但”强调的“多元视角”是一种解构与重构的过程。它鼓励我们不仅看到作品的“表象”，更要探究其“肌理”。这包括：

历史的维度：作品在艺術史的長河中处于何种位置？它是在继承前人，还是在颠覆传统？它与哪些历史事件、艺术思潮产生了呼应或碰撞？社会的维度：作品反映了怎样的社会现实？它对当下社会问题有何批判或反思？它是否触及了公众的痛点，引发了集體的情感共鸣？哲学的维度：作品探讨了哪些关于人生、存在、意义的终极问题？它是否提出了新的哲学思考，挑战了现有的认知框架？心理的维度：作品传达了怎样的情感？它触动了观者内心的哪种情绪？藝术家通过作品想要表达的是怎样的心理状态？技术的维度：作品运用了哪些新材料、新媒介或新技术？这些技术如何服务于艺术表达，又带来了怎样的视觉或体验上的革新？

“gogogo大但”的评价，是一种邀请。它邀请我们走出舒适区，用开放的心态去面对那些可能令人困惑、甚至不安的艺术作品。它鼓励我们去提问，去讨论，去碰撞。因为艺术的生命力，恰恰在于它能够激發我们思考，拓展我们认知边界的能力。这种“大但”的评价，并非是对作品的盲目贊美，而是对艺術创作复杂性的深刻认知，是对藝术家探索精神的尊重，更是对我们自身理解能力的一种挑戰和提升。

在“gogogo大但”的引领下，我们正一步步走向一个更加广阔、更加包容的艺术新时代。

解码当代藝术创作的“元视觉”：从“gogogo大但”视角洞悉创作脉络与文化张力

当代艺术创作的“元视觉”，指的是超越了单一的视觉呈现，深入到艺术作品背后更深层的意义、機制与語境。它要求我们以一种“元”的眼光，去审视艺術创作的源头、过程及其对社会文化产生的多重影响。“gogogo大但”艺术评价体系，正是解构和解读这种“元视觉”的有力工具。

它引导我们不仅“看”，更要“懂”，从“gogogo”的探索精神和“大但”的包容胸怀中，發掘当代艺术创作的无限可能。

“gogogo大但”评价体系，通过“多元视角”来抵达“元视觉”。当我们将历史、社会、哲学、心理、技术等多个维度叠加，一件作品的“元视觉”便逐渐清晰起来。例如，一件装置艺术作品，我们可能首先看到的是其形态和材料，但“gogogo大但”会引导我们去思考：

创作的“gogogo”冲动：艺術家為何选择这样的材料？这种材料是否是对传统材料的“gogogo”式颠覆？艺术家是否在挑战某种既定的观看方式？他/她是否在用一种“向前冲”的姿态，探索艺术与生活、艺术与科技的边界？作品的“大但”内涵：作品所引發的社会议题，是否触及了当代社会复杂的“大但”结构，例如全球化与本土化、个体与集体、虚拟与现实的张力？艺术家是否以一种“大而不同”的胸怀，容纳了多种可能性的解读？作品是否在“大”的社會背景下，呈现了个体“但”微小的声音与情感？

“gogogo大但”的“多元视角”，使得我们能够更精细地描绘当代艺术创作的“元视觉”图谱。

1.观念的“gogogo”与情感的“大但”：

当代的艺术创作，越来越注重观念先行。艺术家不再满足于纯粹的技法展示，而是希望通过作品来传递某种思想、某种情绪、某种对世界的理解。“gogogo”的创新精神，驱使艺术家不断挑戰传统，探索新的表达形式，以“向前冲”的姿态，将前沿的观念注入艺术。支撑起这些“gogogo”观念的，往往是藝术家内心深处“大但”的情感体验。

这种“大但”，指的是情感的广度和深度——它可能包容着对人类共同命运的忧思，也可能聚焦于个体生命中的细微触动。评价者需要理解，那些看似激进或疏离的观念，背后可能隐藏着藝术家对世界的深切关怀，以及对人类情感复杂性的“大而包容”的体认。

2.媒介的“gogogo”与语境的“大但”：

科技的發展，“gogogo”地推动着艺术媒介的革新。从数字藝术、VR/AR作品，到人工智能辅助创作，藝術家们正以前所未有的热情拥抱新工具。“gogogo”的实验精神，驱使他们去探索这些新媒介的可能性，创造出超越传统感官体验的作品。媒介的革新并非孤立存在，它总是在特定的“语境”中产生意义。

这种“語境”是“大但”的，它包含了艺术的展览空间、社会文化背景、历史传承，甚至是观众的观看习惯。一件数字藝术作品，其“元视觉”的解读，离不開对它所处的展览语境、技术發展现状，以及它在当代社会中可能引发的伦理讨论的“大而包容”的理解。

3.形式的“gogogo”与意义的“大但”：

当代艺术创作，在形式上呈现出极大的“gogogo”自由度。藝术家们打破了既有的風格界限，融合了各种艺术流派，甚至模糊了艺术与其他学科的界限。这种“gogogo”的探索，是为了寻找最能承载其思想和情感的表达方式。但形式的“gogogo”背后，是意义的“大但”追求。

艺术家希望通过全新的形式，去触及更广泛的意义场域，引發观者更深层次的思考。评价者需要认识到，那些看似“奇怪”或“不合常理”的形式，往往承载着藝术家对意义的“大而包容”的探索，他们希望通过打破惯性，来开启新的意义生成空间。

“gogogo大但”艺术评价體系，通过倡导“多元视角”，鼓励我们从“元视觉”的层面去解读当代艺术创作。它要求我们不仅看到作品的“现在进行时”——那种“gogogo”的创新和探索，更要理解其“过去时”和“将来时”——即创作背后的深层动机、语境以及可能产生的長远影响。

这种评价，是一种智慧的导航，它帮助我们在纷繁复杂的当代藝术世界中，找到理解的路径，發现艺术的真正价值，并预见藝术的未来走向。我们相信，在“gogogo大但”的引领下，当代艺术的“元视觉”将更加丰富多彩，其对人类文明的贡献也将更加深远。

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37载春秋：西方艺术的革新图谱与全球意识的觉醒

自37年前那个节点至今，西方艺术的发展轨迹已不仅仅是画布与雕塑的简单堆叠，它已化身为一股强劲的文化洪流，以前所未有的力度席卷全球，深刻地塑造着我们的视觉语言、思想观念乃至生活方式。这段时期，西方艺术不再是孤芳自赏的象牙塔，而是成为了一个开放的实验室，不断地自我颠覆、自我重塑，并以前所未有的姿态“介入”了世界，引发了一场关于艺术、文化与身份的广泛讨论，甚至可以说是“调查”。

我们可以将这37年视为西方艺术史上一个至关重要的“冷静期”与“爆发期”并存的阶段。在经历了20世纪末的后现代主义解构与批判之后，西方艺术并没有陷入虚无，反而以一种更加成熟、更加多元的姿态，开始审视自身与外部世界的联系。37个具有代表性的西方艺术流派或思潮，如同37个棱镜，折射出时代的光芒，也折射出世界的多样性。

回溯至37年前，我们或许还能看到一些后现代主义的余波，解构主义的痕迹依然清晰可见。随着信息时代的加速，全球化的浪潮拍打着每一个角落，西方艺术也开始了新的探索。例如，新表现主义（Neo-Expressionism）在80年代末的余温，以其强烈的个人情感和回归具象的特点，为之后艺术的复苏奠定了基调。

紧接着，概念艺术（ConceptualArt）虽然早已不是新事物，但在此时期，其“思想重于形式”的理念，在科技发展与数字媒介的冲击下，获得了新的生命力。艺术家们不再局限于物理媒介，而是将观念本身作为艺术作品，这极大地拓宽了艺术的边界。

进入90年代，生物艺术（BioArt）悄然兴起，艺术家们开始利用基因工程、细胞培养等尖端科技进行创作，挑战着人类对生命、自然与伦理的传统认知。这不仅是对艺术媒介的革命，更是对生命科学发展前沿的哲学思考。与此装置艺术（InstallationArt）和行为艺术（PerformanceArt）的蓬勃发展，进一步模糊了艺术与生活、观众与作品之间的界限。

它们强调空间体验、时间过程和身体在场，让艺术变得更加具身化、情境化，也更加贴近观众的真实感受。

进入21世纪，西方艺术呈现出更加碎片化、多元化和全球化的趋势。社会介入艺术（SociallyEngagedArt）成为一股不可忽视的力量。艺术家们不再满足于在画廊和美术馆中展出作品，而是深入社区、参与社会议题，与当地居民共同创作，旨在引发社会对话、推动社会变革。

这种艺术形式，直接体现了西方艺术“介入”世界的姿态，它不仅仅是对现实的反映，更是对现实的积极参与和改造。

新媒体艺术（NewMediaArt）的崛起，更是将科技的进步与艺术的创新完美结合。从数字绘画、动画到虚拟现实（VR）、增强现实（AR），艺术家们利用最新的数字技术，创造出前所未有的视听体验，模糊了现实与虚拟的界限。这不仅是技术层面的突破，更是对人类感知方式和信息接收方式的深刻反思。

观念摄影（ConceptualPhotography）也借由数字技术的普及，摆脱了传统摄影对现实的“忠实记录”，转而成为艺术家表达思想、构建叙事的有力工具。照片中的景象可能经过精心策划、摆拍甚至后期合成，其目的在于传达特定的观念或引发观众的思考，而非仅仅记录“瞬间”。

街头艺术（StreetArt），从最初的涂鸦，逐渐演变为一种具有高度艺术性和社会批判性的表达方式。Banksy等匿名艺术家以其极具颠覆性和社会洞察力的作品，在公共空间中引发了广泛的讨论，直接挑战着艺术市场的体制和艺术的定义。

装置艺术在此期间也呈现出新的发展，例如声音装置（SoundInstallation）利用声音作为主要的媒介，创造出沉浸式的听觉体验，引导观众在空间中进行探索和感知。光影艺术（LightArt）则通过对光线的操控，营造出梦幻般的视觉效果，打破了空间的物理限制，赋予作品以生命力。

雕塑领域也经历了观念的转变，从传统的具象或抽象造型，转向更加注重材料本身、过程以及与环境的互动。大地艺术（LandArt）虽然在60、70年代就已出现，但其强调与自然环境的融合、对自然力量的敬畏，以及对环境保护的思考，在过去37年间得到了更深层次的延续和发展，许多大型的、观念性的雕塑作品，都是在自然环境中完成的，它们本身就成为了景观的一部分。

极简主义（Minimalism）的理念，也并未随着时间的流逝而消退，它对形式、材料和空间的极致追求，影响着许多当代艺术家的创作。这种“少即是多”的哲学，在信息爆炸的时代，反而显得尤为珍贵，它引导人们去关注事物的本质和纯粹的感受。

女性主义艺术（FeministArt）在过去37年间，也经历了深刻的发展与演变。从挑战性别刻板印象，到探索女性身体、经验和身份认同，女性主义艺术在推动性别平等和多元文化理解方面，发挥了至关重要的作用。

后人类主义艺术（PosthumanArt）则开始关注人类与科技、生物技术的融合，以及由此带来的对“人”的重新定义。艺术家们探索人工智能、赛博格（cyborgs）等概念，对人类未来的发展方向提出疑问和想象。

这37年的西方艺术，就像是一面多棱镜，捕捉并折射着全球化的时代气息。它不再是单向的输出，而是与不同文化发生碰撞、融合，甚至相互借鉴。我们可以说，西方艺术的“介入”世界，不仅仅是艺术形式和观念的输出，更是引发了一场关于文化认同、艺术价值和全球化语境下艺术边界的深刻对话。

这是一种主动的、探索性的“调查”，艺术家们通过自己的作品，提出问题，引导思考，促使世界各地的观众，重新审视自身的文化、自身的身份，以及艺术在社会中的位置。

文化交融的交响：西方艺术的全球“调查”与价值重塑

西方艺术在过去37年间的“介入”和“调查”，绝非单向的文化输出，而更像是一场宏大的文化交响，不同乐章的旋律在碰撞中激荡，在融合中升华，最终谱写出一部关于多元文明对话的壮丽篇章。当今的西方艺术，早已不是壁垒森严的“西方中心”论的产物，而是积极地拥抱世界，用艺术的语言，进行一场关于人类共同命运的深刻“调查”。

这种“调查”体现在对全球性议题的关注。气候变化、环境危机、社会不公、身份认同、移民问题、科技伦理……这些全人类共同面临的挑战，都成为了西方艺术创作的灵感源泉和表达主题。例如，生态艺术（Eco-Art）或环境艺术（EnvironmentalArt），艺术家们利用自然材料，或直接在自然环境中创作，通过作品直观地展现人与自然的关系，呼吁人们关注生态保护。

他们的作品，既是对自然之美的赞颂，也是对人类破坏行为的无声控诉。

社会纪录艺术（SocialDocumentaryArt），在继承传统纪录片精神的更注重对社会底层、边缘人群的关注，通过影像、装置、文本等多种媒介，深入挖掘他们的生活境遇、情感体验，从而引发公众的同情与思考。这种艺术形式，直接将艺术推向了社会现实的最前沿，成为一种强有力的社会动员工具。

策展的艺术（CuratorialPractice）也在此期间扮演了越来越重要的角色。许多具有影响力的展览，不再仅仅是展示既有的艺术作品，而是通过精心策划的主题、语境和叙事，将来自不同文化背景、不同艺术形式的作品并置，从而构建出新的意义。这些展览本身，就构成了一场关于艺术与文化、历史与现实的“调查”。

例如，一些大型国际双年展，如威尼斯双年展、卡塞尔文献展等，它们就如同一个巨大的文化熔炉，汇聚了来自世界各地的艺术家和作品，呈现出当代艺术最前沿的面貌。

值得注意的是，西方艺术的“介入”和“调查”，也极大地激发了非西方艺术的活力。当西方艺术的观念和媒介“进入”非西方文化语境时，它们并非被全盘接受，而是与当地的文化传统、社会现实发生化学反应，催生出新的艺术形式和表达方式。这是一种双向的、互动的过程。

例如，一些亚洲艺术家，将西方现代主义的绘画技巧与东方传统的写意画法相结合，创造出独具风格的作品；一些非洲艺术家，则将非洲的传统图腾、宗教符号与当代艺术的装置、行为艺术相结合，表达对本土文化和历史的思考。

跨文化艺术（Cross-culturalArt）的概念，在此背景下变得尤为重要。艺术家们不再局限于单一的文化视角，而是积极地跨越文化边界，学习、借鉴、融合不同文化的元素，从而创作出具有普世价值和地方特色的艺术作品。这种跨文化对话，打破了文化隔阂，增进了相互理解。

新浪潮艺术（NewWaveArt），虽然起源于上世纪80年代，但其在音乐、电影、时尚等领域的创新精神，以及对社会亚文化的关注，在过去37年间，依然对西方艺术产生了持续的影响，并不断地与当代艺术的脉搏相连接，催生出更加多元、更加具象的艺术表达。

抽象表现主义（AbstractExpressionism）虽然在20世纪中叶就已达到顶峰，但其对情感的极致表达和形式的探索，在某种程度上，也为后来许多抽象艺术的发展提供了养分。在过去37年间，对抽象的理解和运用，也更加多元化，例如色彩领域艺术（ColorFieldPainting），其对色彩的纯粹研究和运用，依然具有深刻的吸引力。

波普艺术（PopArt）的遗产，在过去37年间，也以更加多样化的形式延续。艺术家们继续从大众文化、消费主义中汲取灵感，但其批判性和反思性也更加深入。例如，一些艺术家会运用社交媒体、网络流行语等作为创作元素，以一种更加直接、更加具象的方式，反映当代社会的生活图景。

数字艺术（DigitalArt）的蓬勃发展，更是极大地改变了艺术的创作、传播和体验方式。互联网的普及，使得艺术作品得以以前所未有的速度和广度传播，同时也催生了在线艺术（OnlineArt）、网络艺术（NetArt）等新的艺术形式。艺术家们利用数字技术，创造出互动性、参与性更强的作品，模糊了艺术与观众之间的界限。

装置艺术的进一步发展，例如公共空间装置（PublicSpaceInstallation），将艺术从封闭的美术馆空间解放出来，放置于城市广场、公园等公共场所，与城市环境和公众生活发生互动，成为城市景观的一部分，也成为引发公众思考的载体。

视频艺术（VideoArt）的成熟，使得艺术家能够以更加灵活、更加叙事化的方式，探索视觉、声音、时间等元素，其影响力早已渗透到当代艺术的各个角落。

批判性设计（CriticalDesign），作为一种介于艺术与设计之间的领域，也在此期间受到了广泛关注。设计师们不再仅仅追求功能的实现，而是将设计作为一种批判性工具，对社会、科技、文化等议题进行反思和探讨，他们的作品往往带有强烈的观念性和实验性。

总而言之，过去37年的西方艺术，是一部充满活力、不断演变、且深刻影响世界的宏大叙事。它不再是封闭的、单向的输出，而是主动地“介入”世界，与全球文化进行深度的对话与交融。这种“调查”性的姿态，不仅体现在对全球性议题的关注，更体现在其对跨文化交流的积极拥抱，以及对艺术边界的不断拓展。

西方艺术的演变，就像是一面映照着人类文明进步的镜子，折射出我们所处的时代精神，也引导着我们去思考艺术的未来，以及艺术在重塑世界、连接心灵方面所能发挥的无限可能。这场关于艺术的“调查”，还在继续，并且将以更加开放、更加包容的姿态，迎接更多元的文化声音，共同绘制人类艺术文明的壮丽图景。

图片来源：每经记者 刘俊英 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄