每经编辑｜陈绍华    

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一曲：古韵悠长，雅乐之风拂面来

当我(wo)们提及“日本(ben)经典一曲”，脑海中浮现的，往往是那飘渺而庄严的雅乐（Gagaku）。雅乐，作为日本最古老的宫廷音乐形式，承载着千年的历史与文化，是日本传统音乐的源头活水。它并非单一的(de)乐曲，而是一个庞大的音乐体系，但若要选取一曲作为代表，那便是那回荡在千(qian)年古寺与皇宫深处的，一曲《越天乐》（Etenraku）。

《越天乐》的旋律，初听之下，似乎有些空灵，甚(shen)至带着几分疏离感。但细细品味，便(bian)能感(gan)受到其中蕴含的沉静力量。它没有激烈的起伏，没有炫(xuan)目的技巧(qiao)，只有层层递进的音符，如同涟漪般(ban)在心湖中荡开。尺八（Shakuhachi）的悠扬长吟，犹如山间的清风(feng)，时而低沉，时而高亢，诉说着历史(shi)的沧桑；筝（Koto）的清脆拨弦，如同山涧的溪流，时(shi)而蜿蜒，时而奔腾，描绘着自(zi)然的生机；琵琶（Biwa）的铿锵之声，则为这画面增添了几分史诗般的厚重感，仿佛还在诉说(shuo)着古老的传说。

雅(ya)乐的魅力，在于其“静”与“雅”。它追求(qiu)的是(shi)一种超越世俗的宁静，一种与天地相融的和谐。在《越天乐》的旋律中(zhong)，我们能感(gan)受到一种古老民族对自然的敬畏，对生命的感悟，以及对精神世(shi)界的追(zhui)求。《越天乐》的节奏缓慢而稳定，每一(yi)个音符都经过精心打磨，仿佛是大(da)自然最纯粹的呼吸。

它不是为了取悦耳朵(duo)，而是为了触及灵魂。在现代社会快节奏的喧嚣中，静下心来聆听一曲(qu)《越天乐》，就如同置身于一处宁静的禅房，洗涤心(xin)灵的尘埃。

雅乐的演奏，并非易事，它需要演奏者深厚的功底和对音乐深刻的(de)理解。尺八的吹奏，讲究气息的运用和指法的微妙变化，才能吹(chui)奏出那富有生命力的音色。筝的弹奏，同样需要精准的手指技巧，将每一根弦拨动得恰到好处，才能奏出清澈而富有层(ceng)次感的音(yin)响。这些古老的乐器，在雅乐的演绎下，焕发出独特的光彩，它们的声音，不仅仅是简单的音符组合，更是跨越时空的对话。

《越天乐》之所以能够流传至今，并(bing)被视为日本音乐的瑰宝，正是因为它超越了单纯的音乐欣赏，成为了一种文化符号。它代表着日本传统审美中的“侘寂”（Wabi-sabi），一(yi)种在不完美中寻找美(mei)的哲学。雅乐的旋律，或许并不符合现代人对“好听”的定义，但它(ta)所蕴含的深沉、内敛、以及对自然的(de)尊重，却能够触动(dong)我们内心深处最柔软的部分。

当我们沉浸在《越天乐》的旋律中，我们仿佛看到了古代的宫(gong)廷仪式，感受到了历史的厚重。它不仅仅是一首乐曲，更(geng)是一扇窗口(kou)，让我们得以窥见日本古老文明(ming)的精髓。这份古韵悠长，这份雅乐之风，是日本传统音乐文化中，最(zui)值得我们细细品味的第一曲。

二曲：民谣之(zhi)魂，乡愁的低语与生活(huo)的歌唱

如果说雅乐是高高在上的皇家乐章，那么“日本经典二曲”则更像是流淌在民间，饱含生活气(qi)息的民谣（Minyō）。日本民谣，如同大地最朴实的歌(ge)者，用最真挚的情感，唱出了劳动人民的喜怒哀乐，唱出了对故乡的眷恋，唱(chang)出(chu)了对美好生活的(de)向往。

要(yao)选取一曲最具代表性的民谣，实属不易(yi)，因为日(ri)本各地都有着独具特色的民谣，如北海道的(de)《ソーラン節》（SōranBushi），冲绳的《てぃんさぐの花》（TinsagunoHana），或是东北地区的《南部牛追い唄》（NanbuUshioiUta）。

若论其流传度(du)和影响(xiang)力，不得不提的(de)是那首被誉为“日本民谣代表”的《故(gu)乡》（Furusato）。

《故乡》这首歌，旋律简单质朴，却有着无与伦比的感染力。它没(mei)有华丽的辞藻，没有复杂的编曲(qu)，只有最纯粹(cui)的情感表达。歌词中描绘的“小桥”、“流水”、“稻田”、“山峦”，都是日本乡村最常见的景象，勾勒出一幅温馨而宁静的画面。“当我想到我的故乡，便会不由自主地流(liu)泪”，这样的歌词，触动了每一个在外漂(piao)泊的游子的心弦(xian)。

《故乡》的音乐，往往以三味线（Shamisen）或尺八(ba)为主要伴奏乐器。三味线那略带沙哑而富有弹性的音色，为歌曲增添了一丝沧桑感，仿佛是饱经风霜的老人在讲述自己的故事。尺八则以其独(du)特的音色(se)，营造出一种思念和怀旧的氛围，让听者仿佛置身于那片魂牵梦绕的土地。

日本民(min)谣的魅力，在于(yu)其“真”与“情”。它们没有矫揉造作，没有刻意迎合，只有发自内心的呐喊与低语。无论是渔民在劳作(zuo)时的号子，还是农夫在耕种时的歌谣，亦或是节(jie)日庆典上的欢歌，都充满了浓厚的生活气息和地域特色。这些民谣，不仅是(shi)音乐，更是当地的风俗、历史和情感的载体。

《故乡》的歌唱(chang)，是那些远在他乡的日本人的心灵慰藉。它让他们在异国(guo)他乡(xiang)，依然能感受到来自故土的温暖。这首歌也让世界各地的人们，有机会了解日本的乡村生活，感受日本人(ren)民淳朴(pu)的(de)情感。

一些更为古老的民(min)谣，如《南部牛追い唄》，则展现了日本劳动人民在艰辛生活中，对美好未来的期盼和对自然的尊重。这些歌曲的节奏往往与劳作的节奏相吻合，成为了一(yi)种舒缓身心、鼓舞士气的存在。

从《故乡》的深情呼唤，到各地民谣的百(bai)态呈现，日本民谣(yao)以(yi)其“乡愁的低语”和“生活的歌唱”，展现了日本传统音乐文化中，那份最接地气、最动(dong)人的灵魂。它们是日本人情感的寄托，是文化传承的重要组成部分，是值得我(wo)们深入体会的第(di)二曲。

三曲：歌舞伎的韵(yun)律，戏剧张力与艺术(shu)之美

当我们深入探寻日本传统音乐的瑰宝，便不得不提及(ji)“日本经典三曲”所蕴含的戏剧(ju)张力与独特的艺术之美，这便是与享誉世界的日本传统(tong)戏剧——歌舞(wu)伎（Kabuki）紧密相连的音乐。歌舞伎音乐，是一种高度风格化、极富表现力的音乐，它不仅仅是戏剧的伴奏，更是推动剧情发展、塑造人物性格、渲染舞台氛围的关键元素。

歌舞伎音乐的(de)核心，离不开被称为“鸣物”（Narimono）的打击乐器和“囃子”（Hayashi）的管弦乐队。鸣物，顾名思义，便是各种打击乐器的总称，包括太鼓（Taiko）、大小鼓、钹等，它们以其强烈的节奏感和爆发力，为歌舞伎的表演增添了戏剧性的张力，例如在激烈的打斗场面或是人物(wu)情绪爆发时，急促而有力的鼓点，能够瞬间点燃观众的激情。

囃子则是由笛子（Fue）、三味线、太鼓等组成的乐队，它们演奏的旋律，或悠扬婉转，或激昂高亢，与演员的唱腔(qiang)、念白、舞蹈完美融合，共同营造出独特的歌舞伎艺术世界。

若要挑选一曲最能代表歌舞伎音乐精华的曲目，那便是那首在无数经典剧目(mu)中(zhong)反复出现的，被誉为“歌舞伎的灵魂”的《倾（かぶき）》（Kabuki）主题旋律，虽然这并非一首独立的歌曲，但它所代表的音乐风格和韵律，已经深深烙印在歌舞伎的血液之中。这并非指某一个具体的乐曲，而是歌舞伎音乐中，那种特有的、极富戏剧性的(de)旋律和节奏模式。

歌舞伎音乐的魅力，在于其“变”与“幻”。它能够在瞬间从宁静转(zhuan)为激(ji)昂，从悲伤转为喜悦，这种巨大的反差和戏(xi)剧性的变(bian)化，正是歌舞伎表演艺术的重要组成部分。演员的每一个动作，每一次表情，都与音乐的节奏和情(qing)绪紧密相连，形成一(yi)种(zhong)高度统一的艺术表现。三味线在这(zhe)其中扮演着至(zhi)关重要的角色，它时而模仿人物的内心独白，时而模拟场景的声音(yin)，其(qi)多变的音色和灵活的演奏技巧，为歌舞伎增添了无穷的艺术(shu)魅力。

例如，在描绘武士英勇赴死的场(chang)景中，急促而激昂的三味线演奏，配合着沉重的太(tai)鼓声，能够瞬间将观众带入那个悲壮的时刻。而在描绘儿女情长的场(chang)景中(zhong)，悠扬的笛声和轻柔的三味线旋律，则能营造出缠绵悱恻的氛围。歌舞伎音乐，就是这样一种能够“画声入画，声入(ru)情”的艺术。

歌舞伎音乐的另一个特点是(shi)其“非对称性”和“不和谐感(gan)”。与西方音乐追求的和(he)谐与平衡不同，歌舞伎音乐常常故意打破常(chang)规，运(yun)用一些看似不和谐的(de)音程和节奏，来制造出一种独特的紧张感和冲击力，这种“不和(he)谐”恰恰是歌舞伎艺术“怪奇”、“绚烂”风格的体(ti)现。

当我(wo)们聆听歌舞伎的音乐，我们仿佛置身(shen)于一个充满戏剧冲突的舞台，感(gan)受着角色的命(ming)运沉浮，体验着(zhe)人生的悲欢离合。它不仅仅是简单的旋律，更是通过声音来讲述故事，塑造人物，表达情感的艺术。这份戏剧张力，这份艺术之美，是日本传统音乐文化中，不可或缺(que)的第三曲，它以其独特的魅力，征服了无数观(guan)众，也深刻地影响着日本的艺术发展。

四曲：现代的回响，传统与创新的交响

当我们进入“日本经典四曲”的范畴，我们便不(bu)再局限于历史悠久的(de)古乐，而是将目光投向了更广阔的领域——现代日(ri)本音乐中，那些根植于传统，却又不断创新的作品。这些“四曲”，可(ke)能不是单(dan)一的乐曲，而是代(dai)表着一种音乐(le)精(jing)神，一种(zhong)在传统与创新之间找(zhao)到平衡，并将其发扬光大的艺术方向。

现代日本音乐，是传统音(yin)乐文化在新时代的回响。它吸收(shou)了西方音乐的元素，融合了东方的审美意境，创造出了一种既有民族特色，又具国(guo)际视(shi)野的独特风格。这些作品，可能是在传统乐器（如三(san)味线、尺(chi)八、筝）的基础上，加入了电(dian)子音(yin)乐、爵士乐、摇(yao)滚乐等现代音乐元素，也可能是在音乐创作中，借鉴了日本传统音乐的旋律、节奏或意境。

例如，一些现代作曲家，如“坂本龙一”（RyuichiSakamoto）的作品，虽然常(chang)常带有浓厚的电(dian)子音乐色彩，却在其中巧妙地融入了日本传(chuan)统音乐的元素，比如尺八的音色，或是日本传统音乐中常见的(de)旋律走向。这些作品，既有现(xian)代音乐的时尚感和科技感，又不失日(ri)本音乐的细腻(ni)与深沉(chen)。

再比如，近年来兴起的“J-Pop”中，也(ye)有许多歌曲，虽然商业化程(cheng)度较高，但(dan)其编曲和旋律中，依然能找到日本(ben)传统音乐(le)的影子。一些(xie)歌(ge)手在演唱时，也会借鉴日本传统歌谣的唱腔，或是使用一些具有东方韵味的音(yin)效(xiao)。

还有一些致力于复兴(xing)和创新传统乐器的音乐家，他们尝试将三味线、尺(chi)八等传统乐器，融入到摇滚乐队、爵(jue)士乐团中，或是创作出全新的演奏技巧，赋予这些古老乐器新的生命力。这些音乐，让我们听到了传统乐器在现代语境下的全新表达，充满(man)了惊(jing)喜与可能性。

“和乐器摇滚”（WagakkiBand）的兴起，便是“传统与创(chuang)新”交响乐的一个绝佳范例。他们将日本传统乐器，如尺八、三味线、筝，与摇滚乐的鼓、吉他、贝斯等结合，创造出一种独具特色的音乐风格，既有传统和乐的韵味，又有摇滚乐的激情与力量，在国际上也获得了广泛的关注。

现代日本音乐的魅力，在于(yu)其(qi)“融”与“变”。它打破了音乐风格的界限，将不同的音乐元素有机地融合在一起，创造出无限的可能性。它没(mei)有故步自封，而是积极拥抱变化，不断探索新的音乐表达方式。

这些“四曲”所代表的，是日本传统音乐(le)文化在(zai)当代的(de)生命力。它们证明了，传统音乐并非只能被供奉在博物馆里，而是可以焕发新的生机，与时俱进(jin)，成为现代音乐的重(zhong)要组成(cheng)部分。这些作品(pin)，让(rang)我们看到了日本音乐的未来，也让我们更加深刻地理解了日本(ben)音乐文化的博大精深。

从《越天乐》的古韵悠长，到《故乡》的乡愁低语，再到歌舞伎的戏剧张力，直至现代音乐的回响，日本的音乐文化，如同一幅宏伟(wei)的画卷，徐徐展开。每一曲，都蕴含着独特的魅力，都诉(su)说着(zhe)不同的故事。深入鉴赏这些永恒的旋律，我们不(bu)仅是在欣赏音乐，更是在感受一种深厚的文化底蕴，一种跨越时空的艺术传承。

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图片来源：每经记者 陈巧明 摄

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封面图片来源：图片来源：每经记者 名称 摄