每经编辑｜陈学昭    

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一曲：古韵悠长，雅乐之风拂面(mian)来

当我们提及“日本经典一曲”，脑海中浮现的，往往(wang)是那飘渺而庄严的雅(ya)乐（Gagaku）。雅乐，作为日本最古老的宫廷音乐形式，承载着千年的历史与文化，是日本传统音乐的源头活水。它并非单一的乐曲，而是一个庞大的音乐体系，但若要选取一曲作为代表，那便是(shi)那回荡在千年古寺与皇宫深处的，一(yi)曲《越天乐》（Etenraku）。

《越天乐》的旋律，初听之下，似(shi)乎有些空灵，甚(shen)至带着几分疏离感。但细细品(pin)味，便能感受到其(qi)中蕴含的(de)沉静力量。它没有激烈的起伏，没有炫目的技巧，只有层层递进的音符，如同涟漪般在心湖中荡(dang)开(kai)。尺八（Shakuhachi）的悠扬长吟，犹如山间的清风，时而低沉(chen)，时而高亢，诉说着历史的沧桑；筝（Koto）的清脆拨弦，如同山涧的溪流，时而蜿蜒，时而(er)奔腾，描绘(hui)着自然的生机；琵琶（Biwa）的铿锵之声，则为这画面增添了几(ji)分史诗般的厚重感，仿佛还在诉说着古老的传说。

雅乐的魅力，在于其“静”与“雅”。它追求的是一种超越世俗的宁静，一种与天地相(xiang)融的和谐。在《越天乐》的旋律中，我们能感受到一种(zhong)古老民族对自然的敬畏，对生命的感悟，以及对精神世界的追求。《越天(tian)乐》的节奏缓慢而稳定，每一个音符都经过精心打磨，仿佛是大自然最纯粹的呼吸。

它不是为了取悦耳朵，而是为了触及灵魂。在现代社会快节奏的喧嚣中，静下心来聆听一曲《越天乐》，就如同置身于一处宁(ning)静的禅房，洗涤心灵的尘埃。

雅乐的演奏，并非易事，它需(xu)要(yao)演奏者深厚的功底和对音乐深刻的理解。尺八的吹奏，讲究气息的运用和指法的微(wei)妙变化，才能吹奏出那富有生命力的音色。筝的弹奏，同样(yang)需要精准的手指技巧，将每一根弦(xian)拨动得恰(qia)到好处，才能奏出清澈而富有层次感的音响(xiang)。这些(xie)古老的乐器，在雅乐的演绎下，焕发出独特的光彩，它们的声音，不仅仅是简单的音符组合(he)，更是跨越时空的对话。

《越天(tian)乐》之所以能够流传至今，并被视为日本音乐的瑰宝，正是因为它超越了单纯的音乐欣赏，成为了(le)一种文化符号。它代表着日本传统审美中的“侘寂”（Wabi-sabi），一种(zhong)在不完美中寻找美的哲学。雅乐的旋律，或许并不符合现代人对“好听”的定义(yi)，但它所蕴含的深沉、内敛、以(yi)及对自然的尊(zun)重，却能够触动我们(men)内心深处最柔软(ruan)的部分。

当我们沉浸在《越天乐》的旋律中，我们仿佛看到了古代(dai)的宫廷仪式，感受到了历史的厚重。它不仅仅是一首乐曲，更是(shi)一扇窗口，让我们得以窥见日本古老文明的(de)精髓。这份古韵悠(you)长，这(zhe)份雅乐之风，是日本传统(tong)音乐文化中，最值得我们细细品味的第一曲。

二曲：民谣之魂，乡(xiang)愁的低语与生活的歌唱

如果说雅乐是高高在上的皇家乐章，那么“日本经典二曲”则更像是流淌在民间，饱含生活气息的民谣（Minyō）。日本民谣，如同大地最(zui)朴实的歌者，用最真挚的情感，唱出了劳动人民的喜怒哀乐，唱出了对故乡的眷恋，唱出了对美好生活的(de)向往。

要选取一曲最具代表(biao)性的民谣(yao)，实属不易，因为日本各地都有着独具特色的民谣(yao)，如北海道的《ソーラン節》（SōranBushi），冲绳的《てぃんさぐの花》（TinsagunoHana），或是东北地区的《南部牛追い唄》（NanbuUshioiUta）。

若论其(qi)流传度和影响力，不得不提的是那(na)首被誉(yu)为“日本民谣代表”的(de)《故乡》（Furusato）。

《故乡》这首歌，旋律简单(dan)质朴，却有着无与伦比的感染力。它没有华丽的辞藻，没(mei)有复杂的编曲，只有最纯粹(cui)的情感表达。歌词中描绘的“小桥”、“流水”、“稻田”、“山峦”，都是日本乡村最常见的景象，勾(gou)勒出一幅温馨而宁静的画面。“当我想(xiang)到我的故乡，便会不(bu)由自主(zhu)地流泪”，这样的歌词，触动(dong)了每一个在外漂泊的游子的心弦。

《故乡》的音乐，往往(wang)以三(san)味线（Shamisen）或尺八为主要伴奏乐(le)器。三味线那略带沙(sha)哑而富有弹性(xing)的音(yin)色，为歌曲增添了一丝沧桑感，仿佛是饱经风霜的老人在讲述自己的故事。尺八(ba)则以其独特的音色，营造出一种思念和怀旧(jiu)的氛围，让(rang)听者仿佛置身于那片魂牵梦绕的土地。

日本民谣的魅力，在于(yu)其“真”与“情”。它们没有矫揉造作，没有刻意迎合，只有发自内心的呐喊与(yu)低语。无论是渔民在劳作时的号子，还是农夫在耕种时的歌谣，亦或是节(jie)日庆典上的欢歌，都充(chong)满了浓厚的生活气息和地域特色。这些民谣，不(bu)仅是音乐，更是当地的风俗、历史和情感的载体。

《故乡(xiang)》的歌唱，是那些远在他乡的日本人的心灵慰藉。它(ta)让他们在异国他(ta)乡，依然能感受到来自故土的温暖。这首歌也让世界各(ge)地的人们，有(you)机会了解日本的乡村生活，感受日本人(ren)民淳朴的情感。

一些更为古老的民谣，如《南部牛追い唄》，则(ze)展现了日本劳动人民在艰辛生活中，对美好未来的期盼和对自然的尊重。这些歌曲的节奏往往与劳作的节奏相吻(wen)合，成为了一种舒缓身心、鼓舞士气的存在。

从《故乡》的深情(qing)呼唤，到(dao)各地民谣的百态呈现，日本民谣以其“乡愁的低语”和“生活的歌唱”，展现了日本传统音乐文化中，那份最接地气、最动人(ren)的(de)灵魂。它们是(shi)日本人情感的寄托，是文化传承的重要组成部分，是(shi)值得我们深入体会的第二曲。

三曲：歌舞伎的韵律，戏剧张力与艺术之美

当我们深入探寻日本传统音乐的瑰宝，便(bian)不得不提及“日本经典三曲”所蕴含的戏剧张力与独特的(de)艺术之美，这便是与享誉世界的日本传统戏剧——歌舞(wu)伎（Kabuki）紧密相连的音乐。歌舞伎音乐，是一种高度风格化、极富表现力的音乐，它不仅(jin)仅是戏剧(ju)的伴奏，更是推动剧情发展、塑造人物性格(ge)、渲染舞台氛围的关键元素。

歌舞伎音乐的核心，离不开被称(cheng)为“鸣物”（Narimono）的打击乐器和“囃子”（Hayashi）的管弦乐队。鸣物(wu)，顾名思义，便是各种打击乐器的总称(cheng)，包括太鼓（Taiko）、大(da)小鼓、钹等，它们以其强烈的节奏感和爆发力(li)，为歌舞伎的表演增添了戏剧性的张力，例如在激烈的打斗场面或(huo)是人物情绪爆发时，急促而有力的鼓点，能够瞬间点燃观众的激情。

囃子则是由笛子（Fue）、三味线、太鼓等组成的乐队，它们演奏的旋律，或悠扬婉转，或激昂(ang)高亢，与演员的唱腔(qiang)、念白、舞蹈完美融合，共同营造出独特的歌舞伎艺术世界。

若要挑选一曲最能代表歌舞伎音乐精华的曲目，那便是那首在无数经典剧目中反复出现的，被誉为“歌舞伎的灵魂”的《倾（かぶき）》（Kabuki）主题旋律，虽然这并非一首独立的歌曲，但它所代表的音乐风格和韵律，已经(jing)深深烙印(yin)在歌舞伎的血液之中。这并非指某一个具(ju)体的乐曲，而是歌舞伎音乐中，那种特(te)有的(de)、极富戏剧(ju)性的旋律和节奏模式。

歌舞(wu)伎音乐的魅力，在于其“变”与“幻”。它能够在瞬(shun)间从宁静转为(wei)激昂，从悲伤转(zhuan)为喜悦，这种巨大的反差(cha)和戏剧性的变化，正是歌舞伎表演艺术的重要组成部分。演员的每一个动作，每一次表情，都与音乐的节奏和情绪紧密相连，形成一种(zhong)高度统一的艺术表现。三味线在这其中扮演着至关重要的角色，它时而模仿人物的内心独白，时(shi)而(er)模拟场景的声音，其多(duo)变的音色和灵活(huo)的演奏技巧，为歌舞伎增添了无穷的艺术魅力。

例如，在描(miao)绘武士英勇赴死的场景中，急促而激昂的三味线演奏，配合着(zhe)沉重的太鼓声，能够瞬间将观众带入那个悲壮的时刻。而在描绘儿女情长的场景中，悠扬的笛声和轻柔的三味线旋律，则能营造出缠(chan)绵悱恻的氛(fen)围。歌舞伎音乐，就是这样一种能够“画声入(ru)画，声入情”的(de)艺术。

歌舞伎音乐的另一个特点是(shi)其“非对称性”和“不和谐感”。与西方音乐追求的和谐与平衡不同，歌舞伎音乐常常故意打破常规，运用一些看似不和谐的音程和节奏，来制(zhi)造出一种独特的紧张感和冲击力，这种“不和谐”恰恰(qia)是歌舞伎艺术“怪奇”、“绚烂”风格的体现。

当我们聆听歌舞伎的音乐，我们仿佛置身于一个充满戏剧冲突的(de)舞台，感受着(zhe)角色的命运沉浮，体验着人生(sheng)的悲欢离合。它不仅仅是简(jian)单的旋(xuan)律，更是通过声音来讲述故事，塑造人物，表达情感的艺术。这份戏剧张力，这份艺术之美，是日本传统音乐文化中，不可或缺的第三曲，它(ta)以其独特的魅力，征服了无数观众，也深(shen)刻地影(ying)响着日本的艺术发展(zhan)。

四曲：现代的回响，传统与创新的交响

当我们进入“日本经典四曲”的范畴，我们便(bian)不再局限(xian)于历史悠久的古乐，而是将目光投向了更广阔的领域——现代日本音乐中，那些根植于传统，却又不断创新的作品。这些“四曲”，可能不是单一的乐曲，而是代表着一(yi)种音乐精神，一种在传(chuan)统与创新(xin)之间找到平衡，并将其发扬光大的艺术方(fang)向。

现代日本音乐，是传统音乐文化在新时代的回响。它吸收了西方音乐的元素，融合了东方的(de)审美意境，创造出了一种既有民族特色(se)，又具国际视野的独特风格。这些作品(pin)，可能是在(zai)传统乐器（如三味线、尺八、筝）的基础上，加入(ru)了电(dian)子音乐、爵士乐、摇滚乐等现代音乐元素，也可能是在音乐创作中，借鉴了日本传统音乐的旋律、节奏或意境。

例(li)如，一些现代作曲家，如“坂本龙一”（RyuichiSakamoto）的作品，虽然常常带有浓厚的电子音乐色彩，却在其中巧妙地融入(ru)了日本传统音乐的元素，比如尺八的音色，或是日本传统音乐中常见的旋律走(zou)向。这些作品，既有现代音乐的时尚感和科技感，又不失日本音乐的细腻与深沉。

再比如，近年来兴起的“J-Pop”中，也有许多歌曲，虽然商业化程度较高，但其编曲和(he)旋律(lv)中，依然能找到日本传统音乐的影(ying)子。一些歌手在演唱时(shi)，也会借鉴日本(ben)传统歌谣的唱腔，或是使用一些具有(you)东方韵味的音效。

还有一些致力于复兴和(he)创新传统乐器的音乐家，他们尝试将三味线、尺八等传统乐器，融入到摇滚乐队、爵士乐团中，或是创(chuang)作出全(quan)新的演奏技巧，赋予这些古老(lao)乐器新的(de)生命力。这些音(yin)乐(le)，让我们听到了传统乐器在现代语境下的全新表达，充满了惊喜与可能性。

“和乐器摇滚”（WagakkiBand）的兴起(qi)，便是“传统与创新”交响乐的一个绝佳范例。他们(men)将日本传统乐器，如(ru)尺八、三味线、筝，与摇滚乐的鼓、吉他、贝斯等结合，创造出一种独具特色的音乐风(feng)格，既有传统和乐的韵味，又有摇滚乐的激情与力量，在国际上也获得了广泛的关注。

现代日本音乐的魅力，在于其“融”与“变”。它打破了音(yin)乐(le)风格的界限，将不同的音乐元素有机地融合在一起，创造出无限的可能性。它没有故步自封，而是积极拥抱变化，不断(duan)探索新的音乐表达方式。

这些“四曲”所代表的，是日本传统音乐文化(hua)在当代的生命力。它们证明了，传统音乐并非只能被供奉在博物馆里，而是可以焕发新的生机，与时俱进，成(cheng)为现代音乐的重要组成部分。这些作品，让我们看到了(le)日本音乐的未来，也让我(wo)们更加深刻地理解了日本音乐(le)文化的博大精深。

从《越天乐》的古韵(yun)悠长，到《故乡》的(de)乡愁低语，再到歌舞伎的戏剧张力，直至现代音乐的回响，日本的音(yin)乐文化，如同一幅宏伟的画卷，徐徐展开(kai)。每(mei)一曲(qu)，都蕴含着独特的魅力，都诉说着不同的故事。深入鉴赏(shang)这些永恒的旋律，我们不(bu)仅是在欣赏音乐，更是在感受一种深厚的文化(hua)底(di)蕴，一种跨越时空的艺(yi)术传承。

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图片来源：每经记者 陈虹 摄

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