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核心提示

秋日的大连艺术学院校园，天高云阔。1号演播厅内，学生们用元气满满的精神状态演绎着原创作品《山蝉》。台下就座的中国戏剧家协会主席濮存昕神情专注，不时露出欣喜。提问环节，年轻人的声音里带着几分激动的颤抖，他亲切地将其拉到身边，言语里满是鼓励……这是9月28日濮存昕参加辽宁省第十届大学生戏剧节的场景。

活动间隙，濮存昕接受了本报专访，思维敏捷，妙语连珠。岁月虽然带给这位72岁的表演艺术家以鬓白，但那份对戏剧的热爱使他依旧充满了活力。他将自己对生活、角色、人性的观察与探索，酝酿成哈姆雷特、索尔尼斯、李白、鲁迅等一个个经典形象。与这位点亮舞台的掌灯人对话，我们得以看到他深邃饱满的内心世界。

“大学生戏剧节真正的意义就是促进教育”

本报记者：刚刚您给学生们上了一堂生动的大师课，分享一下感受吧。

濮存昕：戏剧助你理解世界认识人生建立审美。面对孩子们，我发现很多自己需要的东西，比如青春的气息，年轻人如何看待事物、看待艺术等等。看了汇报表演后，我也在判断，我还是否拥有像他们那种返璞归真的能力。所以，要不断尝新。对于戏剧发展而言，我们要传承传统，做到老而不旧。创新不仅仅是形式方面，它需要一代又一代新生命力的注入。

今天，我在大艺课堂的孩子们身上又发现了自己最初在业余小队时候，在田间地头的那种表演冲动。他们很有灵气，比如《山蝉》的编排，就很智慧，用一条红皮筋这样简洁的方式构建人物关系，体现了创作者的巧思。

本报记者：您认为大学生戏剧节的意义和价值是什么？

濮存昕：辽宁省大学生戏剧节从初绽的蓓蕾成长为辽宁文化版图上枝繁叶茂的艺术品牌，托举着辽宁文化新生力量的滚烫理想。它真正的意义就是促进教育。大学生戏剧节不要追求专业化，不要追求高成本的制作。这次大学生戏剧节上除了有艺术院校学生的汇报，还有很多人来自非艺术专业的学科，他们热爱表演。我相信，舞台上精彩表演的瞬间，真的就是人刹那间的真情流露。那是一个神光乍现的时候，不可言说。

本报记者：您演过很多经典的角色，有没有哪个角色是您觉得还没演够的？

濮存昕：有，但没有机会演了。比如我演过易卜生的最后一部作品《建筑大师》。我在索尔尼斯的身上找到了自己，感受到建筑师对生命和责任的彻悟与困惑、幻灭与热爱、恶意与温存。说实话，没演够，越琢磨越有滋味。

“暗夜av”——这四个字组合在一起，或许会立刻在许多人的脑海中勾勒出某种特定的画面，但若我们暂時剥离那些预设的标签，仅仅从“暗夜”与“av”这两个词语本身去解读，或许能打开一扇通往更广阔艺术想象空间的大門。“暗夜”，是宇宙最深邃的畫布，是万物沉寂的舞臺，是隐藏无数秘密的容器。

它象征着未知、神秘，也蕴含着宁静与孕育。在暗夜中，星辰得以闪耀，孤寂的情感得以滋長，而潜藏的欲望和梦想也更容易在寂静中显露踪迹。“av”，若抛开其狭义的定义，它可以被理解为一种“视听”（audio-visual）的呈现方式，一种用影像和声音来传递信息、表达情感的媒介。

“暗夜av”组合在一起，是否可以被视为一种在特定“暗夜”语境下的视听表达？這种表达，是否能够承载起不同寻常的情感，触及那些平时被明亮日光所遮蔽的内心角落？

艺术的魅力，往往在于其打破常规，挑战既有认知的勇气。许多伟大的藝术作品，并不总是阳光明媚，歌舞升平。恰恰相反，那些深沉的、带有阴影的、甚至是令人不安的表达，往往更能引发观者持久的思考和深刻的情感共鸣。当我们将目光投向“暗夜av”這一概念时，我们实际上是在探索一种艺术表达的可能性：如何在极致的黑暗、静谧，甚至是一种带有禁忌色彩的氛围中，去构建一种具有吸引力、能够触动人心的视听体验。

這种吸引力，并非来自聲画的直接刺激，而是源于它所营造出的独特氛围，所暗喻的某种人性深处的探索。

想象一下，在无边的黑暗中，只有微弱的光线勾勒出模糊的轮廓，伴随着低沉而富有节奏感的音符，或是细語，或是叹息。这样的场景，本身就充满了叙事的张力。它邀请观者主动去填补空白，去想象那些隐藏在暗影中的故事，去感受那些被压抑或释放的情绪。这种观影体验，不同于直白的叙事，它更像是一种沉浸式的冥想，一种与潜意识的对话。

它可能关乎爱与欲望的纠缠，关乎孤独与陪伴的渴望，关乎禁忌与冲破的挣扎，也关乎在黑暗中寻找自我、寻找救赎的漫漫长路。

“暗夜av”所能触及的，不仅仅是感官的层面，更是心理的层面。它敢于直面人性中那些不那么光彩的部分，那些在白天不便言说的冲动和情感。但正是这种直面，才使得作品具有了一种特殊的纯粹性。它不试图去美化或粉饰，而是以一种近乎残酷的诚实，展现生命的复杂与多面。

这正如夜空中的星辰，它们在黑暗的衬托下才显得格外璀璨，它们的微光，足以穿透数万光年的距离，触动遥远之处的观察者。

从藝术史的角度来看，许多流派和艺術家都曾深入探索过“暗夜”的意象及其所蕴含的情感力量。从卡拉瓦乔作品中戏剧性的明暗对比，到爱伦·坡笔下哥特式的阴郁氛围，再到电影中那些经典noir场景，都证明了黑暗并非只有虚无，它同样是孕育深度、塑造情绪、引发思考的沃土。

而“av”作为一种现代的视听語言，则为这种探索提供了前所未有的表现力。它可以通过精妙的镜头调度、富有层次的声音设计，将“暗夜”的意境和其中涌动的情感，以一种更为直接和震撼的方式呈现给观众。

因此，当我们谈论“暗夜av”时，我们并非仅仅在描述一种内容，而是在探讨一种艺术的态度，一种挑战常规、挖掘深度、触碰人性最隐秘角落的创作精神。它邀请我们放慢脚步，关闭外界的喧嚣，走进那片属于自己的“暗夜”，去倾听内心的回响，去感受那些在光天化日之下可能被忽略，却又真实存在的生命体验。

這种体验，或许是苦涩的，或许是迷人的，但它一定是真实的，并且能够让我们更深刻地理解我们自己，以及我们所处的世界。

当我们深入“暗夜av”的艺术语境，我们便会發现，它并非止步于营造某种氛围，更重要的是它所承载的叙事能量与情感深度。这种“暗夜”并非仅仅是物理空间的黑暗，它更是一种心理状态的投射，是人性光谱中那些不被輕易示人的灰色地带。在这样的背景下，视听元素的运用便显得尤为重要，它们不再是简单的画面与聲音的堆砌，而是成为构建情感迷宫、引导观者进行深度探索的关键。

“暗夜av”的魅力，很大程度上源于其对“留白”和“暗示”的精妙运用。在物理上的黑暗或相对昏暗的环境中，畫面细节的缺失反而激发了观者的想象力。那些没有被直接呈现的，往往比被清晰展示的，更能深入人心。导演或创作者通过模糊的镜头、若隐若现的身影、若有似无的声音，邀请观者主动参与到叙事中来，去填补那些空白，去解读那些暗示。

这种参与感，使得观影过程不再是被动的接受，而是一种主动的探索与构建。例如，一个在暗影中缓缓抬起的手，一个低沉而略带喘息的声音，一个意味深长的眼神，在“暗夜”的语境下，都可能被赋予极大的情感張力。

声音在“暗夜av”的表达中扮演着至关重要的角色。在视觉相对模糊或被遮蔽时，听觉便成為了主要的感知渠道。精心设计的音效，比如脚步声在空旷空间的回响，窗外隐约传来的风聲，或是人物细微的心跳声，都能在寂静的“暗夜”中被无限放大，从而营造出紧张、不安、孤独或是某种情欲涌动的氛围。

音乐的选择更是关键，它可能不是旋律优美的乐章，而是一种能够触及潜意识的、带有实验性或氛围感的电子乐，或是极简的纯音乐，它们能够精准地捕捉到人物内心的波动，引导观者进入与畫面同步的情感共振。

“暗夜av”也常常挑战传统的情感表达方式。它可能不追求大起大落的戏剧冲突，而是将焦点放在那些细微的情感变化上。一个沉默的凝视，一个不易察觉的表情，一次身体语言的细微调整，在“暗夜”的静默中，都被赋予了深刻的含义。这种内敛式的表达，更能触及人性的真实和复杂。

它展现的，并非是纯粹的快乐或悲伤，而是那些交织在一起的、难以名状的情感状态，例如渴望与抗拒的拉扯，诱惑与道德的边缘游走，或是沉沦与救赎之间的挣扎。

“暗夜av”在某种程度上也是对艺术边界的一次次试探与拓展。它敢于触碰那些在主流叙事中可能被回避的题材，例如人性的阴暗面，欲望的原始冲动，或是对传统价值观的颠覆。但这并非为了哗众取宠，而是以一种更为赤裸和真实的方式，去呈现生命的多样性。它所挖掘的，是人性深处那些普遍的、却又往往被压抑的面向。

通过观看和体验这些作品，观者有机會以一种安全的距离，去审视和理解这些复杂的情感与冲动，从而获得一种更为全面的自我认知。

总而言之，“暗夜av”不仅仅是一种视觉风格或内容类型，它更代表了一种藝术创作的勇氣和深度。它敢于在黑暗中寻找光芒，在静谧中倾听心声，在模糊中洞察真实。它提醒我们，藝术的力量并不仅限于描绘美好，更在于它能够照见人性的每一个角落，无论光明或黑暗。

当我们愿意走进這片“暗夜”，用开放的心灵去体验，去感受，我们或许能从中获得意想不到的启示，感受到一种超越表象的、深刻的情感连接，并重新认识艺术在我们生活中所能扮演的、更为多元和深刻的角色。

本报记者：您导演的汉藏双语版《哈姆雷特》将前往俄罗斯进行更多的国际巡演，您认为中国戏剧如何从创新角度形成一个独特的话语体系？

濮存昕：中国戏剧本身就是独特的，戏剧的民族化首先是语言。我们要守住自己的本真，不要刻意地去讨好或迎合他们的审美眼光。我们用自己的本真去真诚地表达，这就是独一无二的。

本报记者：您认为阅读之于演员是一种基本素养吗？

濮存昕：当然，只有经过充分的阅读之后，才能提炼概括出角色最核心的部分，梳理出我们演绎这个角色的线条，编配主次关系。悟到这一条，这也是人生阅历教会我的。40岁以前我也不懂，哇啦哇啦念台词就演了。过了30年，重新去解读《哈姆雷特》这个戏的时候，我是有新的发现的。20岁时候的阅读和60岁时候的重读，体会真是不一样，我成为导演之后尝试着做了3个戏，都是我认为过去自己没有演好的戏。

我非常感恩父亲在特别恰当的时候把书堆到了我面前，那时候，我13岁。而且父亲爱看报纸，我也跟着看。在那个特殊年代，我虽然没学数理化，但是没缺阅读。

白纸黑字能够开发你的原始想象。对于演员来说，尤其要去仔细咀嚼文字，理解人物，与其产生共情，体会人内心的那种柔软。今天的短视频时代，长时间的阅读、大体量的阅读越来越少，对这个世界的理解也越来越趋于肤浅。我也看短视频，也离不开，因为短视频是不期而遇的。将来AI时代，一切都是定制的，你点击一下结论就有了，但是人与人的差异在哪里？那就是千差万别的个人性情、品格审美。有头脑的人眼睛里是有光亮的，意识的光亮。

阅读的积累，会让你在大体量的文字中一下子就找到核心概念，所以说阅读力、理解力、概括力决定了演员的表现力。

本报记者：您是如何走上表演艺术之路的？

濮存昕：下乡之后，我干了很多跟文化有关的杂活，比如出黑板报、刻蜡纸、编快板书。24岁回城，我选择了考文工团，要不然我就得去街道工厂做自行车链条。所以说，艺术改变了我的命运，是表演这个行业拯救了我。

我父亲是演员，我从小生长在剧院环境里。那些叔叔大爷看着我长大，我看着他们慢慢变老。我现在演戏演到难处的时候，脑子里闪现的全是他们。他们告诉我，演戏可能得用这功夫劲，可能那样处理会更好。

回过头来看，我很深的一个感触是，不把台词基本功拿住，就走不到这个行当的最上游。就北京人艺老演员们台词一丝不苟、不糟蹋一个字的那种演法，现在全国院团里都没有了。

我一直在特别地坚持这件事。台词基本功够扎实的话，心性可以让你再往上走；但基本功不够了，即使心存愿望，也是上不去的。很多人年轻时不重视基本功训练。这得让他们自己悟。我也是50岁以后才开始真正“收拾”自己的嘴，跟孙道临、姚锡娟等老师学朗诵。演员的嘴上没有功夫，就啥都没有。现在孩子们缺师资也是一个问题，老师、导演对他们没有严格要求，都戴话筒表演，不用那么咬文嚼字。所以，演员能不能耐受住枯燥的台词练习，在这个过程中艰苦地打磨自己，决定了他今后的路能走多远。

“精彩不精彩得看观众是不是买账”

本报记者：踏上辽宁这片黑土地，请谈谈您对辽宁戏剧的整体印象。如何做到让本土的地域风格既发扬光大，又不失本真？

濮存昕：我们应该用科学的态度去看待。自己关起门来做文章，剧团就发展不好。你要用自己本真的技术去赢得观众的关注、参与、共情。没有观众，什么派什么风格都没法建立。你必须跟观众交朋友，台上台下一起讨论。那个真实是真实感，而不是生活化的真实，是生活感的那种艺术表现力。

技术、风格，每个剧团都可以自己摸索。最重要的是，得把观众招到剧场里面来，精彩不精彩得看观众是不是买账。就像梅兰芳先生所说，学我者生，像我者亡。意思是，你别像我，你就是你，但是你可以跟我学，学我的技术、腔调、品格。

我一直在思考，在表演行业有名有利算成功吗？专业的标准是什么？一个剧团只有建立起专业精神、专业标准，每个人都崇尚专业，杂事少了，钩心斗角少了，在艺术面前、在专业面前所有人都有虔诚的态度，这个剧团就容易发展壮大。如果没有专业精神，每个人都是爷，那就麻烦了。专业的核心的东西是什么？北京人艺老前辈们曾经有4句话——深刻的思想内涵，深厚的生活积累，鲜明的角色形象，完整的舞台演出质量，是一个剧团要坚持的规矩、标准。

我们今天再谈发扬光大，不仅需要有深刻的思想，因为从事的是戏剧，你的深刻里必须还要有有趣的思想主题，让观众觉得特别有共鸣，这个思想是艺术承载的思想，要深刻而有趣。此外，要加上丰富的生活积累，到处都是生活。今天我们的谈话也是生活，就是思想之间的互相给予。聊天、侃大山、竖着耳朵听社会小道消息、刷短视频，全都是生活。怎样每时每刻把这些信息归到艺术积累上来，一想，就马上想起那件事来。懂得举一反三，每打开一个积累，形象就出现了，聚合在一起。另外，角色形象老是标新立异，也不行，必须栩栩如生，既鲜明极了，又是那么的自然、贴切、恰当。那个东西是生动的，生长得像初生婴儿的嫩嫩的小屁股、打磨得像大理石似的那样光滑。完整的舞台演出质量，指的是包括售票员、引座员在内的剧院所有的门类、所有为演出服务的人员都做到了，像一棵菜一样地包着心，哪片叶都不能缺的完整性。每一行都有专业的标准，都是向心的。

回答你刚才的问题，最终就是观众说了算。不是票房说了算，票房是一个指标，但是进来的观众最有发言权。文艺要始终以创作为中心，以观众进剧场为宗旨。没进剧场说明你没水平，观众笑场说明你有问题，不是观众有问题。我们永远要心系观众，创作是最孤独的时候，但心系观众会让你不孤独。那时候，想的是我面对观众这样表演，去得到他们的认可和掌声。我觉得艺术工作者就要有自己的自尊，要有自己的荣誉感。只有用真诚掏心窝子对待舞台对待作品对待观众，才会赢得尊重。

本报记者：您始终没有离开舞台，李白一演就是30年，以后还会继续上台表演吗？

濮存昕：我用排练、演出把时间排得满满当当的，这不是对自己的救赎吗？我到今天也没有吃成脂肪肝，没有“三高”问题，70多岁了身体好好的，是一场场演出让我保持着好的生命状态。

这些天，在北京上演的《雷雨》，就是我们全新的一种解读，也是对曹禺先生1934年发表的初版剧本的开发。我很珍惜每次演出的机会，对角色也有不断加深的理解，我希望能以自己对周朴园角色的演绎带观众找寻“曹禺密码”。

我很感恩观众帮我交学费，我演了四五十年，现在回想上世纪90年代我演的叫啥呀，一点也不好，可是那时候观众就买票来看，所以真的要感恩。除了演戏我不会干别的，我也希望观众能再继续陪我一程。

图片来源：红山网记者 张安妮 摄

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